Cine para una isla desierta Vol 3

51- Cinema Paradiso (1988)

La dirige: Giuseppe Tornatore

Actúan: Philippe Noiret, Salvatore Cacio, Marco Leonardi, Jacques Perrin

Las grandes películas, las películas de verdad son esas que te tocan cada fibra del alma, que te llevan a soñar, que te hacen reír y llorar, que son un espejo del ser humano, esas que dan razón de ser a aquello de "la magia del cine". "Cinema Paradiso" es una de ellas, una de las integrantes del universo escaso de las verdaderas películas de cine. "Cinema Paradiso" nos cuenta la vida de un famoso cineasta que regresa a su pueblito natal, aquel al que había jurado que nunca volvería cuando, muchos años atrás, había partido hacia Roma para cumplir su sueño. Pero este director, llamado Salvatore y alter ego del auténtico director Giusseppe Tornatore, rompe su promesa por un motivo mucho más fuerte: la muerte de Alfredo. Alfredo es el inmemorial encargado de proyectar películas en el cine del pueblo y es también el más entrañable amigo de Salvatore, es aquel que lo introdujo en ese increíble mundo de fotogramas y celuloide, es el que lo hizo "ver" la magia única de ese universo. A través del cine, Salvatore descubrió la vida y se la entregó al cine hasta insensibilizarse. Pero, cuando sus pies lo llevan ante la marquesina gastada del viejo cinematógrafo local, los fantasmas de la memoria lo llevarán a repasar aquellos días inolvidables, treinta años atrás, cuando comenzó a ser lo que es hoy por obra y gracia de esa pantalla escarlata. "Cinema Paradiso" es una obra de arte, pura poesía, pura vida, puro cine...

52-Buenos muchachos (1990)

La dirige: Martin Scorsese
Actúan: Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Paul Sorvino

Parecía que la década del '90 y las películas de gangsters no iban a ir de la mano, pero Scorsese sacó de la galera "Goodfellas" como para desmentir cualquier presunción. Y para eso, el tipo tomó una historia real y la convirtió en una de los filmes más logrados de la década. "Buenos muchachos" cuenta la historia de Henry Hill, un pibe pobre de Brooklyn, que crece admirando a los "wiseguys" (no se me ocurre una traducción al castellano ajustada). Así que, como muchos crecen soñando con ser estrellas de rock, del cine o del deporte, el bueno de Henry aspira a ser una estrella de la mafia. Entonces empieza hacerse desde abajo, subiendo escalón por escalón dentro del crimen. Pinta para convertirse en un verdadero miembro de la "familia", pero encuentra un obstáculo insalvable: sus orígenes italo-irlandeses son una traba inesperada en sus aspiraciones de capo mafia. Es entonces cuando empiezan los problemas...

La película dura dos horas y media y cubre un espectro de treinta años, pero nadie se va a quedar dormido en el proceso. El ritmo es vértigo puro y los personajes son de lo mejor que ha dado el cine gangsteril en toda sus prolífica historia. Y lo más interesante es el deterioro ético de sus personajes. Es que, aunque el imaginario colectivo puede atribuir cualquier cosa menos ética a un delincuente, la realidad es que la mafia posee sus propias -y particulares -normas morales, que son las que encarna Paulie Cicero, y las que siguen a rajatabla sus muchachos. Pero cuando Cicero queda fuera de circulación, estas reglas empiezan a ser violadas una a una, y cuando los códigos desaparecen, todo el mundo empieza a mirar con desconfianza al de al lado...

53- Despertares (1990)

La dirige: Penny Marshall

Actúan: Robert De Niro, Robin Williams

"Despertares" narra un hecho real, ocurrido en el verano boreal de 1969. Aparentemente -algo de lo que me enteré desués de ver la película e investigar un poco- durante la década del '30, hubo una epidemia de la "Enfermedad del sueño" o "De la mosca Tse tse", originada en África, cuyo nombre científico es Trypanosomiasis y que afecta el sistema nervioso, entorpeciendo progresivamente las funciones psicomotrices hasta terminar sumergiendo al enfermo en un estado catatónico, como si durmiera. En 1969, el doctor Malcolm Sayer (alter ego del doctor real Oliver Sacks) entra a trabajar en un hospital del Bronx, donde vegetan cuasi olvidados desde hace 40 años, varias víctimas de esta enfermedad. Claro, los pobres tipos son como "plantitas" y el hospital no puede hacerse demasiado cargo de ellos. Como Sayer es neurólogo se interesa en estos pacientes y trata de estimularlos, descubriendo que responden a determinados intentos. Ese descubrimiento lo lleva a una conclusión atroz: los tipos no están en coma sino sumergidos en un estado de vida latente, en el que ven lo que pasa alrededor pero no pueden comunicarse con el exterior. Por eso trata de encontrar alguna manera de "despertarlos" y decide probar en ellos una droga nueva, que podría dar resultado. Consigue el permiso y lo prueba en uno de ellos, el más joven, llamado Leonard Lowe. ¡Y Leonard despierta! Leonard se recupera a una velocidad pasmosa: su motricidad, su cerebro y sus sentimientos intactos, como si hubiera estado entre paréntesis durante 30 años. La droga es administrada a los otros pacientes quienes regresan también. Todos desesperan por disfrutar de esta nueva vida que se les ha regalado, por recuperar tantos años perdidos en el limbo. Y todo parece marchar sobre ruedas. Parece...

No les adelanto más porque sería arruinarles la película. Sí se las recomiendo por varios motivos: primero y principal, las actuaciones de Robert de Niro como Leonard Lowe y la de Robin Williams como el doctor Sayer valen la película, sobre todo la de De Niro que es sencillamente increíble. Segundo, está basada en un hecho real y, por lo que tengo entendido, respeta bastante esos hechos. Tercero, no cae en sentimentalismos baratos, ni en golpes bajos ni en finales hollywoodences pedorros. Por todo ello la recomiendo. Eso sí, la película trata de rescatar la fuerza del espíritu humano, pero a mí me partió al medio las dos veces que la ví. Les diría que preparen los pañuelos...

54- The Doors (1991)
La dirige: Oliver Stone

Actúan: Val Kilmer, Meg Ryan

¡Qué tema con esta película! The Doors es una de mis bandas favoritas, así que per se una película sobre ellos -y más si la dirigía Oliver Stone- iba a interesarme. Así que, cuando la estrenaron, salí corriendo a verla. No voy a negarlo: en aquel momento me partió la cabeza. Creo que bastaba el hecho de escuchar la música de los Doors a todo volúmen para que eso ocurriera. Pero no era lo único, la película tiene varios méritos además de la música. Uno de ellos es la recreación del espíritu de una época tan -desde mi punto de vista- fascinante, tan vital e incendiaria como fueron los 60's. Eso está logradísimo. Oliver Stone logra sumergirte en un mundo propio, el de la película, que te contagia un espíritu especial, no sé muy bien como explicarlo y no sé si eso me ocurrió a mí por ser fan de los Doors, o es más general. Otro punto a favor es lo visual, fundamentalmente la interacción de la música de los Doors con determinados pasajes de la película. El principio con la clásica anécdota de los indios muertos en la ruta, al compás de "Riders of the storm". "The End" cuando Morrison delira en el desierto. "My Wild Love" cuando toman peyote. "Moonlight drive" cuando él y Pamela se pierden en la noche. "Strange days" en el descontrol de New York (además de "Venus in Furs" de la Velvet en una fiesta de Warhol). Las escenas en el Whisky A Go Go con "The End" o en vivo con "Not to touch the earth" seguramente habrían sido aprobadas por el mismo Morrison. En ese sentido creo que le doy un 10, allí está lo mejor de la película: neopsicodelia pura. Un tercer punto es el entusiasmo de Oliver Stone, fan confeso de los Doors, que intenta homenajearlos y al mismo tiempo termina enganchando a mucha gente que desconocía a la banda. El cuarto destacado sería el uso de muchas frases y letras de las canciones de Morrison en la película, como parte de los diálogos. Quedan bárbaro. Y la quinta virtud son los saltos en el tiempo, y también entre realidad y espacio lisérgico, notablemente logrados por Stone.

¿Cuál es la crítica? Quizás Morrison está un tanto exagerado -más allá de la impecable actuación de Val Kilmer- desde el guión, termina pareciendo el Tanguito de "Tango Feroz" en versión yanqui. Es decir: se concentra demasiado en el decontrol de Morrison, en la estrella de rock y no tanto en el hombre Morrison, que era más que interesante: un tipo muy culto y con una mirada profunda sobre las cosas. Justamente, es como que Stone se quedó en la superficie en ese sentido, pintándolo como un drogón descontrolado obsesiondo con la muerte. Y también dejó demasiado atrás a los otros miembros de la banda, que parecen un compilado de idiotas al servicio de Jim. Y si bien es cierto que la magnética personalidad de Morrison acaparaba toda la atención, Robby Krieger, John Densmore y Ray Manzarek eran excelentes músicos y no eran ningunos boludos, sino más bien íconos de la contracultura norteamericana. En fin, una más que entretenida película de rock sobre una de las mejores bandas que dio el género. Quizás no estén ante una obra maestra del cine ni ante una ajustadísima biografía de The Doors, pero se van a divertir un rato.

55- Europa Europa (1991)

La dirige: Agnieszka Holland

Actúan: Marco Hofschneider, André Wilms, Julie Delpy

Las películas vinculadas al Holocausto lo han tratado de mil y una maneras pero, al menos que yo recuerde, nunca lo hicieron desde el lugar de "Europa Europa". El filme de Agnieszka Holland se inspiró en una historia real, paradigmática de otras tantas por el estilo. Esa historia es la de Solomon Perel, un adolescente alemán y judío que en 1938 es enviado a Polonia por sus padres cuando los nazis empiezan a perseguirlos en su tierra natal. Solomon lleva en sus oídos y en su corazón una súplica de su madre: "¡Sobrevive!". Y Solomon hará hasta lo increíble para cumplir con el ruego de su madre. Algo para lo que deberá ponerse en tarea casi enseguida, ya que al año siguiente los alemanes invadirán Polonia. Solomon se encuentra en un orfanato soviético, donde es adoctrinado en el equivalente ruso de las Juventudes Hitlerianas. Pero cuando los alemanes capturan el lugar, Solomon toma la primera de una serie de arriesgadísimas decisiones: se hace pasar por un prisionero alemán. Entonces comienza un periplo de supervivencia que llevará a Solomon a internarse en una telaraña cada vez más intrincada, con el riesgo constante de que descubran su verdadera identidad, algo para lo cual basta que alguien lo vea desnudo. Increíblemente, Solomon se verá sumergido en situaciones tremendamente paradójicas como formar parte de las Juventudes Hitlerianas o que la hija de un oficial nazi, toda aria ella, se enamore de Solomon, viendo en él un arquetipo del joven ario y por ello deseando perpetuar con él la "raza elegida". Parece delirante pero fue absolutamente real y en esa certeza -además de en los planteos éticos que genera- radica el enorme impacto de esta estupenda película.

56- El silencio de los inocentes (1991)

La dirige: Johnattan Demme
Actúan: Jodie Foster, Anthony Hopkins

Bueno, probablemente una película histórica dentro del cine de psicópatas al presentar en sociedad a uno que aspira a la corona: Hannibal Lecter. Ex psiquiatra brillante, especializado en loquitos de alto calibre, se ha unido al club al no poder dominar su afición a comer... gente. A entrevistarlo envían a la buena de Clarice Starling, agente del FBI con cara de chica buena. El objetivo es que Lecter la ayude a comprender el comportamiento de Buffalo Bill, un psicópata que tiene como pasatiempo favorito matar chicas y sacarles la piel, y con esa información atrapar al piradito. Claro, a cambio de su ayuda, Lecter pide un par de cositas: que lo pongan en una celda más cómoda... y que lo dejen charlar con Starling. Y ya que no puede hincarle el diente como le gustaría, Hannibal aprovecha para hacerse un festín con la psiquis de la pobre Clarice. "El silencio de los inocentes" es simplemente uno de los mejores thrillers sobre asesinos seriales que se hayan hecho. No solo cuenta con actuaciones memorables y una dirección pecable, fundamentalmente es la manera de abordar el tema de las psicopatías, y de la locura dentro de las que son sindicadas como vidas "normales", lo que le da un plus que la eleva a la estatura de película de quiebre en el género. Una de las películas más aterradoras de la década, en las que el horror no surge de escenas shockeantes, desmembramientos o sangre derramada, sino de las conversaciones entre un hombre y una mujer.

57- Vida de solteros (1992)

La dirige: Cameron Crowe

Actúan: Matt Dillon, Bridget Fonda, Campbell Scott, Kyra Sedgwick

Recuerdo cuando estrenaron esta película en Buenos Aires: allá por febrero de 1993. En el cine estábamos mi hermana, un amigo mío y yo, además de dos parejitas y de tres señoras gordas que habían leído en el diario que se trataba de una "Comedia" y se metieron a verla. Nadie más: diez personas. Recuerdo mi felicidad cuando la película empezó a pasearme por la ciudad que en ese entonces soñaba conocer: Seattle. Recuerdo los guiños cómplices como Mother Love Bone pintado en la pared de un bar. Recuerdo mi éxtasis cuando aparecieron Alice In Chains y Soundgarden en vivo, tocando en barcitos de mala muerte. Recuerdo los protagónicos y cameos de los miembros de Pearl Jam, de Chris Cornell y de Tim Burton. Recuerdo la impresionante banda de sonido que además de ofrecer grandiosos e inéditos temas de lo más selecto del grunge con Pearl Jam, Alice In Chains, Mudhoney, Pearl Jam, Soundgarden, Chris Cornell, Mother Love Bone y Smashing Pumpkins, recordaba a otros ciudadanos ilustres de Seattle como Jimi Hendrix o Heart (haciendo una estupenda versión de "Battle of Evermore" de Led Zeppelin bajo el nombre "The lovemongers"), un gran tema ochentoso como "She sells sanctuary" de The Cult e incluso al gigantesco John Coltrane musicalizando una de las mejores escenas de la película. Recuerdo que en esa época yo era un niño amante del grunge, con su banda del género recorriendo los antros porteños y pasándola como pocas veces en la vida. Por todos los motivos enunciados, siempre tuve un cariño especial por esta película, más allá de sus méritos fílmicos. La tenía grabada en video, mela compré en dvd y la veo ocasionalmente, cuando ando medio melancólico y tengo ganas de sentirme bien. La película lo logra, seguramente más por los recuerdos que me trae que por otra cosa.

El filme en sí es una simpática comedia que trata con iguales dósis de inteligencia, humor naive y cierta lluviosa melancolía propia de Seattle, los vericuetos del amor para un grupo de seis amigos solteros (¿adivinen en qué película se inspiró mucho "Friends"?). Cliff Poncier (Matt Dillon) es un músico mediocre que quiere ser estrella de rock pero no le da y está de novio con Janet Livermore (Bridget Fonda) una chica cegada por el amor hacia Cliff, hasta que se da cuenta de determinadas cositas. Esta es, a mi juicio, la pareja más interesante y cómica de la película, aunque no sea la central. Que es la integrada por Steve Dunne (Campbell Scott) y Linda Powell (Kyra Sedgwick), dos que van y vienen en una relación tortuosa por culpa de los miedos e inseguridades de cada uno, es la pareja "seria" de la película. Y después están Debbie Hunt (Sheila Kelley), una delirante cazadora de hombres, y David Bailey un perdedor resignado e irónico que aporta las pastillas ácidas de la película. La estructura viñetada del filme lo hace realmente llevadero y entretenido. No llega jamás a ser brillante sino más bien simpático, con algunos momentos aquí y allá realmente hilarantes.

Resumiendo: (a) para el que le gusta el grunge es clave, (b) al que le gusten las películas de rock y hayan visto otras de Cameron Crowe (como "Almoust Famous") esta les va dar un buen momento y (c) si les divierte el humor de "Friends" seguramente se van a reír con "Singles". A los demás les recomiendo evitarla para no terminar como aquellas tres señoras gordas: aburridas y sin entender qué acababan de ver.

58- Una vez en la vida (1992)

La dirige: Louis Malle

Actúan: Jeremy Irons, Juliette Binoche

"Recuerda. La gente que fue lastimada es peligrosa. Saben que pueden sobrevivir".

Esta película puede ser altamente perturbadora, no sé si es apta para cualquiera. Hago esa advertencia desde el vamos porque toca temas bastante escabrosos. Y quizás no lo hace con la brutalidad visual de "Irreversible" pero no es necesario, el tema es lo suficientemente desgarrador psicológica y emocionalmente como para conseguir dejarte bastante baqueteado. Stephen Flemming (Jeremy Irons) es un diplomático inglés serio, reservado y en pleno control de una vida que parece ser ideal: tiene una mujer encantadora y dos hijos de los que está orgulloso. Justamente, uno de ellos, llamado Martin les presenta a su nueva novia, la bella Anna (Juliette Binoche). Todo el universo, todo aquello en lo que Stephen Flemming creía, el control que él imaginaba tener sobre su vida se derrumba como un casillo de naipes cuando se da cuenta de que no puede resistir la necesidad de meterse entre las sábanas con la enigmática Anna. Y lo peor es que ella está dispuesta a hacer realidad ese deseo. Así que el pobre Martin empieza a sentir un par de protuberancias en su cabeza, colocadas justamente por su padre y su novia. Esto ya es suficientemente jodido, como para quemarle la cabeza a Flemming (ya los espectadores), que no sabe de qué manera justificarse ante sí mismo por la tremenda guarrada que está haciendo. Pero la cosa va a empeorar... Primero cuando su hijo no tenga mejor idea que proponerle matrimonio a Anna... y Anna acepte. Y después, cuando se entere por qué Anna es dueña de una tristeza insondable, por qué Anna le dice la frase con la que encabecé este comentario: el hermano de Anna sintió por ella ese mismo deseo incontrolable que ahora ha hechizado a Flemming, y se mató ante el horror que ese deseo generó en él. ¿Bastante terrible? Bueno, a esa altura el corazón recién se está empezando a retorcer.

59- Bram Stoker’s Dracula (1992)

La dirige: Francis Ford Coppola

Actúan: Gary Oldman, Wynona Ryder, Anthony Hopkins, Tom Waits, Keanu Reeves

a) Soy fanático de todo lo que tenga que ver con vampiros.

b) He visto miles de películas de vampiros.

c) He leído el Drácula de Bram Stoker, por supuesto.

d) Amo a Francis Ford Coppola.

e) Amo a Gary Oldman.

f) Amo a Wynona Ryder.

g) Me compré el video y el dvd de la película.

h) Me tatué en el brazo el "logo" del filme.

Consecuencia: olvidense de una opinión objetiva.

Calculo que la mayoría de los que esten leyendo esto saben de qué se trata Drácula y conocen la historia, así que no voy a perder el tiempo contándoles eso. Sí les voy a decir por qué me parece tan buena esta versión.

a) La interpretación de Gary Oldman es soberbia, es para mí (¡y muchos vampirófilos me van a acusar de sacrílego!) la mejor interpretación desde Max Shreck (Nosferatu), incluso por encima de Bela Lugosi (¡Perdón Bela!) y Christopher Lee.

b) La dirección es notable, parece realmente que estuvieras leyendo el libro.

c) La recreación de climas y situaciones es lo más cercano a lo que yo me imaginé al leer el libro, por lejos.

d) El Van Helsing de Anthony Hopkins es de los más logrados de la historia del cine vampírico.

e) El film se ajusta enormemente al libro, pero a la vez no pierde carácter y al mismo tiempo tiene una vuelta de tuerca romántica -que Bram Stoker no le imprime a su obra- que la hace aún mejor.

f) La escena del principio, cuando Vlad Tepes vende su alma es de antología.

g) Las escenas en el castillo son el mejor homenaje a Murneau.

h) Inmejorable la elección de Tom Waits para hacer del alucinado Renfield.

i) Wynona es realmente una invitación a cruzar océanos de tiempo para encontrarla, particularmente con el vestidito rojo de la foto.

El único punto flojo es Keanu Reeves que, no le imprime demasiado carácter a su Johnattan Harker. Pero al lado de todo lo demás...

60- Lo que queda del día (1993)
La dirige: James Ivory

Actúan: Emma Thompson, Anthony Hopkins

Tan solo un año después de la soberbia "Howard's End", Ivory insistió con los mismo actores en una película de época. Un riesgo, por cierto. Pero el resultado es igualmente impecable. Esta vez, Ivory nos sitúa en la Inglaterra de la década del '30, apenas un año antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Emma Thompson es Miss Kenton, un ama de llaves que acaba de conseguir trabajo en la mansión de un lord inglés. Miss Kenton queda bajo el mando del mayordomo, Mr Stevens (Anthony Hopkins), una persona cuya vida está devotamente dedicada a su amo. Stevens construye una coraza que expele cualquier cosa, persona o sentimiento que pueda distraerlo de sus obligaciones. Miss Kenton hará lo imposible para traspasar esa coraza, aunque la muerte del padre de Stevens le revelará que el mayordomo se ha convertido en un ser totalmente deshumanizado. Sin embargo, la caída en desgracia del amo se convertirá en la vuelta de tuerca que espabile al rígido Stevens y lo lleve a preguntarse si todavía está a tiempo a recoger los restos del día...

61- En el nombre del padre (1993)

La dirige: Jim Sheridan

Actúan: Emma Thompson, Daniel Day Lewis, Pete Postletwaithe

Recuerdo que este filme me sirvió para terminar de comprobar lo truchos que son los Oscars. ¿Por qué? En aquella ocasión, "En el nombre del padre" compitió con "Philadelphia" por la estatuilla a mejor película y Daniel Day Lewis con Tom Hanks por mejor actor. Y ganaron "Philadelphia" y Hanks, cuando la película no tenía nada que hacer ante "En el nombre del padre"; y, mientras la actuación de Daniel Day Lewis fue totalmente consagratoria, insuperable, fantástica y todo adjetivo que se les ocurra, la de Hanks fue correcta. Pero claro, Tom Hanks TENÍA que ganar el Oscar, "Philadelphia" tocaba un tema políticamente correcto y Hanks era el niño mimado de Hollywood, al que había que premiar de una vez por todas. En fin...

La cuestión es que "En el nombre del padre" es un filme de excepción, con una actuación superlativa de Daniel Day Lewis -alguien que me tiene acostumbrado a actuaciones de alto calibre- en su rol como Gerry Conlon, un joven irlandés bastante vago que tiene la mala leche de andar de parranda con sus amigotes en el momento y el lugar equivocados: en Inglaterra, a metros del bar que una bomba del IRA hace volar en pedazos. Claro, él y sus amigos borrachines le vienen como anillo al dedo a Scotland Yard que necesita algún chivo expiatorio urgente. Y qué mejor que esos cinco pendejos ingenuos, borrachos y, sobre todo, irlandeses. La cosa se ponde cada vez más densa: primero los meten en cana haciéndoles firmar confesiones falsas, después de unas cuantas horas de tortura física y psicológica. Y encima los hacen implicar a otros inocentes, uno de ellos es Giuseppe, el padre de Gerry, fantásticamente interpretado por Pete Postlethwaite. Asistimos entonces a la transformación de aquel pendejo irresponsable que era Gerry, quien encuentra un sentido en su vida justamente cuando esta parece haber perdido todo sentido: probar su inocencia y la de su padre. Cuando éste muera en prisión, lavar el honor de Giuseppe será la razón de ser de Gerry. Y para eso contará con la ayuda de la abogada Gareth Peirce (Emma Thompson) dispuesta a probar la inocencia de su cliente a cualquier precio. Esta película está basada en un hecho real y fue dirigida por Jim Sheridan, el mismo de "Mi pie izquierdo". Es realmente estupenda y el único motivo para que no se llevara un Oscar es lo que mencioné al principio. Claro que, ahora lo sé, las mejores películas no suelen ser las premiadas por la Academia...

62- La lista de Schindler (1993)
La dirige: Steven Spielberg

Actúan: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

Negro: como los uniformes de los SS, como el humo que brota de los hornos crematorios, como las barracas de los campos de concentración, como las fosas comunes, como el destino de millones de inocentes. Blanco: como el alma de esos inocentes, como la esperanza que nunca dejó de latir en sus corazones a pesar de estar sometidos a la peor de las atrocidades imaginables, como el amor de hombres como Oskar Schindler -no fue el único- que no dudaron en arriesgar sus vidas y acabar con sus fortunas con tal de salvar una vida, aunque fuese una sola.

Blanco y Negro, los colores de La Lista de Schindler, un filme soberbio, magistral, donde Spielberg le demostró a aquellos que aún lo dudaban que es uno de los mejores directores de la historia. La película no muestra todo el horror, sería imposible. Pero lo que uno ve es más que suficiente para conmover, para no querer que algo así vuelva a ocurrir, para valorar la vida... Las actuaciones son realmente notables, desde Liam Neeson a Ralph Fiennes, de Ben Kingsley al último de los actores de reparto. Todo en realidad es excepcional, pero carece de sentido analizar técnicamente a esta película. Lo importante es lo que contiene, su valor como testimonio de la ausencia de límites para la demencia del hombre, pero también del amor, del valor, de lo profundamente espiritual que puede ser el ser humano, criatura contradictoria si las hay.

63- Bleu (1993)

La dirige: Krzysztof Kieslowski
Actúa: La inigualable Juliette Binoche

El azul, para los franceses, es el color de la liberación. Para los sajones, por su parte, la palabra blue (azul) define la melancolía, la tristeza. "Bleu", la película, narra el camino que recorre Julie (Juliette Binoche) desde la más profunda tristeza hacia una liberación posible. Julie es acosada por los fantasmas de su pasado, que se niegan a dejarla a pesar de su empeño en rehacer su vida. Es que Julie perdió a su marido y a su hijo en un accidente automovilístico, y la dolorosa memoria de su vida destrozada parece atenazarla, sumergiéndola en un estado de anestesia emocional. Julie no se permite sentir nada, excepto dolor. Apartándose del mundo, de quienes la quieren y la conocen, Julie busca transformarse en un ser totalmente anónimo y solitario, y en ese acto, suicidarse emocionalmente, liberándose de los fantasmas de su pasado. Pero si es arduo enterrar a los muertos, mucho más lo es negar a los vivos. Y en la comprensión de ese hecho, Julie encontrará su liberación. Kieslowski nos mostrará las facetas del dolor a través de colores, de imágenes fijas, de sugerencias de la cámara, de la soberbia banda de sonido y, por sobre todas las cosas, de la expresividad inagotable de la bella Juliette Binoche. Cuando hablamos de la excelencia del cine francés nos remitimos a películas como esta.

64- Asesinos por naturaleza (1994)

La dirige: Oliver Stone

Actúan: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Robert Downey Jr, Tommy Lee Jones

Con sus múltiples aciertos y errores Oliver Stone se ubicó en un lugar ambiguo para la crítica cinematográfica: algunos lo consideran un fantoche, otros un director admirable. He de confesar que a mí me gustan sus películas, pero "Natural Born Killers" me parece el inobjetable mojón en el cuál Stone puede refugiarse si alguien lo critica como director, ya que se trata de una película brillante por donde se la (ad)mire. El filme describe el periplo asesino de una parejita de piscópatas unidos por el amor entre ellos y el amor a la violencia más desenfrenada. Muy pronto, los crímenes de Mallory y Mickey se convierten en el plato fuerte de los medios de comunicación, quienes se hacen un festín de rating gracias a los buenos y sangrientos servicios de esta dupla letal. He ahí, sintéticamente, el argumento.

Ahora vienen los elementos que hacen genial a este filme y que, a mi juicio, se resumen en dos: (1) la durísima crítica a la sociedad y los medios de comunicación norteamericanos y (2) la orgía visual que implica ver esta película. Anticipándose por diez años a "Bowling for Columbine", Oliver Stone desnuda el amor natural de los estadounidenses por la violencia y las armas y el escandaloso uso que de ella hacen los medios de comunicación. Un país que ha transformado en héroes a asesinos y criminales como Billy The Kid, Al Capone y Bonnie and Clyde, queda expuesto y desnudo ante sí mismo, gracias al espejo magistral diseñado por Stone (con la colaboración de Quentin Tarantino). Y desde lo visual la película es realmente increíble, combinando todos los recursos que da el cine -desde el blanco y negro al dibujo animado, desde el ralentado hasta la distorsión de imagenes y así en un interminable etcétera- para crear un collage cuasi psicodélico que te mantiene engrampado a tu asiento, completamente hipnotizado. Una película 100% recomendable, a la que se le añade una banda de sonido impecable.

65- Forrest Gump (1994)

La dirige: Robert Zemeckis

Actúan: Tom Hanks, Robin Wright Penn, Gary Sinise, Sally Field

Película que ha generado más de un acalorado debate sobre sus reales virtudes y, especialmente, sobre qué es lo que se pretendía decir con el personaje de Forrest Gump, un discapacitado mental que atraviesa los principales eventos de la historia de Estados Unidos de los últimos 50 años, siendo un involuntario -pero determinate- protagonista de todos ellos. Se la ha tildado de muchas cosas: de típica película yanqui sensiblona, de bajar el mensaje de que todo puede conseguirse sin esfuerzo, de absurda...

A mi juicio, Forrest Gump es una gran película, no solo en la manera en que ha sido confeccionada, sino en su sutil irreverencia e incorrección política. El filme utiliza una fábula, para criticar ácidamente el sueño americano. Es que, no es ésta la clásica película de nerds, donde éstos son reivindicados. Forrest Gump no es un nerd, tipos excesivamente inteligentes que, por ese motivo, no encajan en el marco clásico de las secundarias yanquis, hechos de deportistas exitosos y rubias bonitas y huecas. Forrest Gump es retrasado mental y todo le sale de casualidad, siempre a partir de sus buenas intenciones, pero azarosamente. La película parte de la vieja premisa de que "Solo los locos y los chicos dicen la verdad". Y Forrest ve todo con ojos de chico. Lo que se combina con el concepto que alguna vez Dostoievski planteara en "El idiota": ¿hasta dónde puede llegar un ser enteramente bueno en un mundo como el actual?

Por otra parte, la película hace un paneo por buena parte de la historia yanqui de los últimos 50 años, y eso es interesante. Porque se mofa del militarismo norteamericano (en la imagen del teniente Dan y su tradición familiar) y se mofa de la estupidez y el vacío del yanqui promedio (en la imagen de los tipos corriendo detrás de Forrest Gump como si fuera algún líder espiritual), solo por mencionar dos temas que me vienen a la cabeza y que recuerdo. Todo engaña y nada es tan obvio como parece. Por ejemplo, cuando el novio le pega a Jenny con la foto del Che detrás, parece un mensaje subliminal anticomunista. Pero al mismo tiempo sacamos otro significado, porque los que están ahí son Panteras Negras, que creían en el uso de la fuerza para acabar con el racismo blanco. Y lo que quizás se está sugiriendo -en la imagen del novio de Jenny- es de qué manera los extremos se tocan y cómo el fanatismo lleva siempre al mismo lugar: la violencia. No en vano, el tipo es comunista, pero viste un uniforme alemán de la 2ª Guerra.

Las escenas en teoría absurdas, están lejos de serlo. En el caso de la carrera a través de Estados Unidos, se trata de una crítica al vacío de los norteamericanos, desde varios ángulos (el escapar de los problemas corriendo hacia adelante, o el de seguir y asignarle supravalores a alguien solo porque hace algo extraño). O cuando le pide permiso a Kennedy para ir al baño porque se está meando encima, es una irreverencia hacia uno de los íconos estadounidenses por excelencia. De hecho, la historia ni siquiera es el caso del patito feo que surge a pesar de las adversidades, típico de la mentalidad norteamericana, ya que ese concepto yanqui lleva implícito el esfuerzo personal... algo que Forrest Gump nunca hace, ya que todo le sale siempre de casualidad.

Pero, por otra parte, si Forrest Gump no estuviera enviando mensaje alguno. Si Forrest Gump simplemente fuera una historia mínima, con una impronta fantástica, contada de manera risueña y utilizando el marco de la historia yanqui de los últimos 50 años. ¿Cuál es el problema? ¿Toda película tiene que ser seria y profunda para ser buena? ¿Deben ser abolidos los géneros fantásticos, las comedias rosas, el humor absurdo, la inocencia? ¿Todo tiene que tener una razón de ser y estar justificado ideológica y filosóficamente? Son preguntas que me hago porque me parece que si la respuesta es sí, quedarán invalidados muchos artistas y películas que me hicieron feliz.

66- Dead man walking (1995)
La dirige: Tim Robbins
Actúan: Sean Penn, Susan Sarandon

Me niego a poner la pedorrísima y convencional traducción al castellano de esta película que, justamente, ya empieza bien desde el título original y todo lo que ese título implica. "Dead man walking" cuenta la historia de la hermana Prejean quien recibe una carta de Mathew Poncelet, condenado a muerte por violar y asesinar a dos adolescentes. Prejean acepta convertirse en la consejera espiritual de Poncelet y acompañarlo en sus últimas horas. En el camino, va a hacer lo imposible por retrasar o impedir que se cumpla sentencia de Mathew. Lo que ninguno de los dos imagina es el viaje que les espera a ambos.

La película toca un tema que siempre está en peligro de caer en la obviedad. Afortunadamente no lo hace ni un poquito. Si bien está claro que rechaza la pena de muerte, también lo es que le exige al condenado el reconocimiento ý el arrepentimiento de sus crímenes. Cuando el espectador ve lo que Poncelet hizo, cuando aprecia el dolor de los familiares, cuando es testigo de la falta de arrepentimiento del asesino, se indigna. Y la tentación de decir "se lo merece", es enorme. Pero ahí está la hermana Prejean para mostrarnos otro camino. No nos pide que nos simpatice Poncelet, no nos dice que tiene más derechos que sus víctimas. Le pide a él arrepentimiento, y a nosotros perdón. Pide redención.

La película es magnífica no solo por su enfoque y su guión, sino por las actuaciones de Susan Sarandon y de Sean Penn, probablemente de las más excelsas que he visto en mi vida.

67- Los sospechosos de siempre (1995)

La dirige: Bryan Singer

Actúan: Kevin Spacey, Gabiel Byrne, Benicio del Toro, Chaz Plaminteri

"El mejor truco del Diablo es haberle hecho creer al mundo que no existe".

Uno de los más intrincados y mejor resueltos policiales de los que tenga memoria. El magistral guión de Christopher McQuarrie -que le valió un Oscar- nos introduce en el relato que el soplón Roger "Verbal" Kint le hace a la policía, de un "trabajo" que él y sus compañeros pretendieron realizar para el misterioso jefe mafioso Keyser Söze. Claro, el encargo salió muy pero muy mal, terminando con un barco incendiado y una masacre en el puerto de San Pedro. Y el detective Kujan escuchará atentamente la historia de "verbal", siempre tan propenso a hacerle honor a su apodo, explicándole como ocurrieron las cosas. Claro, el relato se volverá cada vez más complejo, hasta que -en la mejor tradición noir- los protagonistas estén envueltos en una verdadera telaraña, tan fuera de su control que ni siquiera ellos consiguen darse cuenta.

68- Pecados capitales (1995)

La dirige: David Fincher
Actúan: Morgan Freeman, Brad Pitt, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey

En una magistral combinación de film noir y thriller psicológico, "Seven" cuenta la carrera contra el tiempo de dos detectives de policía, quienes intenta detener a un asesino serial muy particular. El loquito en cuestión quiere dar un ejemplo a este mundo sucio y pecaminoso, y para eso nada mejor que matar de siete maneras distintas, una por cada uno de los pecados capitales. Así, por ejemplo, buscará a un muchacho pasado de peso y le hará pagar su gula, haciéndolo comer hasta reventar... literalmente. O liquidar a un perezoso, manteniéndolo atado a su cama durante un año. Estas son las dos más suaves, el resto para qué les cuento.

¿Qué es lo que hace distinta "Seven" de tantas películas del género? Me parece que es su oscuridad, su perturbadora oscuridad, omnipresente a lo largo de cada segundo dela cinta. Si incluso la ciudad en la que ocurren los hechos está hecha de callejones oscuros, habitaciones claustrofóbicas y lluvia constante. Pero es más inquietante aún la oscuridad que invade a los protagonistas, lenta e inexorablemente, como si todo estuviera seteado para llegar a un espantoso final, del que nadie puede escapar. ¿No es eso de lo que se trata la vida acaso?

69- Stalingrado (1996)

La dirige: Joseph Vilsmaier
Actúan: Desconocidos actores germanos

Hay una batalla que sintetiza la carnicería y el sinsentido del frente ruso en particular y de la guerra en general: Stalingrado. Se han hecho varias películas sobre la batalla que decidió el principio del fin para los alemanes en la Segunda Guerra Mundial, pero esta es la única desde el enfoque alemán. Y una vez más eso la hace tremendamente interesante porque, como se sabe, hubieron un montón de nazis hijos de puta, pero también hubieron millares de tipos comunes dentro del ejército alemán, a los que mandaron a pelear por algo en lo que no creían. Esta película muestra a todos ellos. El comienzo, con los futuros integrantes del Sexto Ejército disfrutando un último estertor de sol y placer en Italia antes de partir hacia el frente ruso, sirve para interiorizarnos del espíritu con el que la mayoría de la gente suele ir a la guerra: insuflados de un valor artifical fundado en buenas dosis de propaganda nacionalista y patriotera. Algo que no hará sino potenciarse con las victorias iniciales del Sexto Ejército en Stalingrado. Pero, pronto sobrevendrá la debacle, que llevará a los alemanes a la peor derrota de su historia. Pronto llegará el invierno y la maniobra envolvente del Ejército Rojo que obligará a los restos del Sexto Ejército a sobrevivir como puedan en las condiciones más inhumanas, entre las ruinas humeantes y heladas de la ciudad. Y en ese momento se acaban el valor, los ideales, el Führer y todo se reduce a tratar de mantenerse con vida un día más, a tratar de no pensar porque hacerlo es enloquecer. La película es larga porque se trató de una miniserie para la televisión alemana, en conmemoración del cincuentenario de la batalla, y es en alemán, así que al que no le guste el cine europeo quizás lo aburra. Tampoco hay actores "conocidos" y los personajes son tipos comunes, por eso a alguno quizás le cueste engancharse con ellos. Pero todo ello es lo que la hace tremendamente real, a lo que si le sumamos la excelente producción, montaje, fotografía, etcétera, la convierten en una memorable película bélica.

70- Trainspotting (1996)

La dirige: Danny Boyle

Actúan: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewan Bremmer

Si esperás ver algo agradable, si querés ver florecitas y lindos campos llenos de verde con una familia en el medio haciendo un picnic, bueno, no sé para que elegiste esta película. Porque Trainspotting es una película sobre drogas y el mundo de las drogas es así: crudo, en apariencia entretenido y finalmente mortal. Trainspotting simplemente lo muestra tal cual es (en realidad lo suaviza) y por eso es excelente. La gente que argumentó que la película hace apología a la droga solo me lleva a hacerme un par de preguntas: ¿Cuando ven una película, realmente VEN la película? ¿Son capaces de entender un argumento, un guión, una metáfora? Porque Trainspotting no puede ser más directa y más clara, ni funcionar de manera más cercana a la realidad: vos tenés un tipo que se da con todo lo que encuentra a su paso y te cuenta qué buenas están las drogas (las cuales en su etapa inicial, obviamente, tienen que ser forzosamente agradables, si no nadie las tomaría), pero vos, mientras tanto, ves la realidad: las drogas le arruinan la vida a ese mismo tipo. Más claro imposible. La dirección es increíble, las actuaciones inmejorables y totalmente creíbles (Ewan Mc Gregor, sin palabras) y la banda de sonido es insuperable. Un clásico.

71- Los niños del cielo (1997)

La dirige: Majid Majidi
Actúan: Desconocidos actores iraníes

Alí ha perdido los zapatillas que su hermana Zahra necesita para asistir al colegio al día siguiente y su padre no debe enterarse. A partir de este planteo sencillo, el director y ex actor iraní Majid Majidi, elabora el argumento central de su película "Niños del Cielo". Y claro, en la sencillez de la propuesta está el gran mérito artístico de Majidi, quien no necesita de demasiados vericuetos argumentales para llevarnos de las narices a ese mundo incomparable que es la niñez. El precioso universo de inocencia y ternura de la niñez, donde algo tan simple como la pérdida de un par de zapatos se transforma en un doble drama para Alí: por un lado porque lo fuerza a mentirle a sus padres, a quienes adora, y por el otro porque defrauda a su hermana menor, quien lo idolatra. Por eso, Majidi nos compenetrará con los esfuerzos de Alí por recobrar las benditas zapatillas, nos hará cómplices de sus planes llenos de tierno ingenio para ganar tiempo hasta que pueda encontrarlas y nos hará apoyar su decisión final, su "sacrificio" para conseguir lo que necesita Zahra y de esa manera poder volver todo a la normalidad. Todo muy simple, como verán, pero decididamente encantador, a partir de la manera magistral con la que Majidi nos ubica en la perspectiva infantil de las cosas, donde las dimensiones son tan distintas y donde todo se rige por "leyes" tanto más puras y, quizás por eso, más reales.

72- Karakter (1997)

La dirige: Mike van Diem

Actúan: Más actores desconocidos, esta vez holandeses

Dreverhaven, un feroz y desalmado prestamista de la ciudad de Rotterdam ha sido brutalmente asesinado. El único sospechoso del hecho es un joven abogado: Jakob Willem Katadreuffe. De su desesperada confesión surgen dos certezas: qué él es el asesino y que se trata de un hijo ilegítimo de la víctima. Lo importante entonces es el porqué. Y, a medida que Katadreuffe continúa con su relato comienzan a desentrañarse las motivaciones, los intrincados caminos psicológicos que lo llevaron a cometer el parricidio. Allí, por supuesto, está la razón de ser de esta película: una excepcional telaraña psicológica en la que está atrapado Katadreuffe, quien padece un destino aparentemente imposible de cambiar merced a la ominosa figura de un padre dominante - inspiración del Dostoievski de "Los hermanos Karamazov" mediante-, y que se debate por escapar de un laberinto opresivo y asfixiante que recuerda a "El Proceso" de Kafka. La fuerza de las imagenes, el intrincado drama psicológico de la trama y la fascinante personalidad de los personajes van a hacer que esta película te quede grabada en la memoria indeleblemente, tal es su potencia. Y las actuaciones son excepcionales, particularmente la de Jan Decleir quien hace de Dreverhaven y al que le bastan pocas palabras para decir infinitas cosas: su mirada, sus gestos son de una expresividad tan definitiva que te va a ser muy difícil no querer verlo actuar en otra película. "Karakter" trata, en esencia, sobre el dolor de crecer. Pero lo hace exquisitamente y por eso, aunque fue la única película que filmó el director Mike van Diem, le alcanzó para dejar claro que a veces basta un solo intento para hacer una obra maestra.

73- La visitante de invierno (1997)

La dirige: Alan Rickman

Actúan: Emma Thompson, Phyllida Law

"La visitante de invierno" es la madre de Frances (Emma Thompson), encarnada por Phyllida Law, que es la madre de Emma en la vida real. Frances y su madre nunca han tenido una relación muy fluida que digamos, se podría afirmar que la madre de Frances es un tanto invasiva y que Frances es algo terca. Pero como Frances ha enviudado y parece incapaz de escapar a la memoria de su marido muerto, su madre entiende que necesita apoyo y contención. Le guste o no le guste a Frances, quien vive en un pueblo perdido en la costa de Escocia. El centro de la película es esta relación, pero de ella se desprenden numerosas y deliciosas viñetas, pantallazos de otras vidas: el hijo de Frances, que desespera por una rea y bonita chica callejera; dos señoras cuya actividad favorita es asistir a funerales de desconocidos; y dos infantes que se ratean del colegio y dan vueltas en busca de emociones que hagan valer las horas.

Bien, hasta ahí el argumento. Ahora vamos a aquello que lo enriquece. En primer lugar está la fotografía que es deslumbrante, más aún en el cine. Una aldeita costera de Escocia en pleno invierno, con el mar congelado hasta donde alcanza la vista brinda un sinnúmero de posibilidades expresivas que el director aprovecha a la perfección, llenándolos el alma de sentimientos nostálgicos y evocativos. El frío es una constante simbólica: el frío que recorre la vida de Frances por la muerte de su marido, el frío que existe en la relación con su madre, el frío de las fotos en blanco y negro que Frances saca y que el director utiliza como leit motiv e hilo conductor de la película, el frío que implica para los dos chicos volver a la monotonía del colegio y a sus poco felices vidas familiares, el frío del terror a la muerte de esas dos señoras que necesitan asistir a muertes sin rostro para sentirse vivas... Lo visual, está dicho es impactante y hace de por sí disfrutable esta película. Esos tonos preponderantemente grises, negros y blancos, donde el color está dado ocasionalmente por objetos y prendas, con un objetivo definido: decir cosas. Las actuaciones son otro punto para aplaudir de pie, desde las conocidas Emma Thompson y Phyllida Law, hasta los dos ignotos chicos, cualquiera de los personajes está soberbiamente interpretado. "La visitante de invierno" es una historia de descubrimientos, de revelaciones, de pasajes del frío al calor (metafóricamente hablando, se entiende), de muertes y nacimientos, de horizontes por descubrir, como el de ese mar helado que parece no tener fin...

74- Velvet Goldmine (1998)

La dirige: Todd Haynes

Actúan: Ewan McGregor, Johnatan Rhys Myers, Christian Bale, Toni Collette

"El mundo ha cambiado por que estás hecho de marfil y oro. Las curvas de tus labios reescriben la historia"

Velvet Goldmine es una historia de amor gay, entre un alias de David Bowie llamado Brian Slade (Johnatan Ryhs Myers) y un combo de Iggy Pop-Kurt Cobain-Lou Reed llamado Curt Wild (Ewan Mc Gregor).

"El hombre es mucho menos sí mismo cuando habla por sí mismo. Denle una máscara y les dirá la verdad"

Velvet Goldmine es sobre el glam y, como tal, la imagen prevalece siempre sobre el contenido. De hecho, la imagen ES el contenido. Visualmente, entonces, es deslumbrante. Te hipnotiza. Podría perfectamente no tener guión, ya que funciona como un gran clip (claro, ayuda y mucho la banda de sonido que es EXCELENTE) donde el lenguaje visual lo es todo, exigiendo tu atención absoluta. Pero, detrás de esa máscara de brillantina subyace un guión soberbio (no podría ser de otra manera siendo que está repleto de frases de Oscar Wilde) y una estructura narrativa "alla" Citizen Kane, de Orson Wells, que la hace atrapante.

"Motivo por el cual preferimos las impresiones a las ideas..." "...las excepciones a los tipos..." "... las situaciones a los temas..." "...vuelos cortos a sostenidos. ¿Y tú?" "Bueno, yo... por ahora solo estoy buscando una habitación"

Velvet Goldmine es sobre la inmediatez, sobre las bondades del aquí y ahora...

"Salimos a cambiar el mundo y terminamos... simplemente cambiando nosotros mismos" "¿Y qué tiene eso de malo? "Nada, si no le echás una mirada al mundo"

Velvet Goldmine trata sobre las ilusiones perdidas del rock y también sobre cómo el creer en esas ilusiones en algún momento te cambió la vida, te abrió las puertas a un universo de sensaciones e ideas. Es sobre el descubrimiento a través del rock.

"Nada envanece más a una persona que le digan que es un pecador"

Velvet Goldmine es sobre los límites y la libertad que te podés dar de traspasarlos. O no...

"Había momentos en los que a Dorian Gray le parecía que toda la historia no era más que un registro de su propia vida, no como la había vivido en acto y circunstancia, pero como su imaginación la había creado para él, como había sido en sus cerebro y en sus pasiones. Sentía que las había conocido a todas, esas extrañas, terribles figuras que habían pasado por el escenario del mundo y habían convertido al pecado en algo tan hermoso y maligno, tan lleno de sutileza. Le parecía que de alguna manera misteriosa sus vidas habían sido la suya propia"

Pero, por sobre todas las cosas, Velvet Goldmine es sobre la búsqueda y el descubrimiento de sí mismo. De cómo algunos héroes (musicales y literarios en este caso) ayudan a lograr eso. De cómo uno, atrapado por el fragor de la vida cotidiana, por las exigencias de ser adulto, puede llegar a olvidar lo que uno es. Y cómo aquellos héroes, ahora enmohecidos y cubiertos de polvo, pueden resucitar -a través de su música, de sus palabras- a ese ser dormido, ya no como revelación pero sí como un faro que nos recuerda aquellos momentos de nuestra vida (¿los mejores, quizás?) en los que, más que nunca, fuimos nosotros mismos.

75- La celebración (1998)

La dirige: Thomas Vinterberg

Actúa: Gente que habla en danés

"La Celebración" fue la primer película que ví filmada bajos lo preceptos del "Dogma 95". Para quien no sepa en que consiste esto explico: la idea es filmar con cámara en mano, sonido directo, escenarios y/o iluminación naturales y sin efectos especiales. Una suerte de punk del cine no apto para quienes gustan de la cinematografía tradicional.

La trama es sencilla: una familia danesa se reune en la casa del padre, para celebrar el cumpleaños número 60 del abuelo. La familia está integrada por el abuelo, su mujer y sus tres hijos: Christian, Helene y Michael, quien está casado y tiene tres hijos; además hay primos, tíos, nietos, etcétera. Solo falta una persona: la hermana melliza de Christian, quien se suicidó golpeando duramente a la familia. Sin embargo, todos están ahí para celebrar y todo parece ir de perillas hasta que Christian toma una cucharita y golpea su copa, pidiendo la palabra. Parece que va a dar un simpático discurso cumpleañero, sin embargo se despacha con una bomba molotov: ante todos explica los motivos que llevaron al suicidio de su hermana. Allí comienza el terrible drama, al que Thomas Vinterberg rocía con fuertes dósis de humor negro, convirtiendo a "La Celebración" en una extraña combinación de Bergman y Luis Buñuel que la vuelve todavía más atractiva.