Música para una isla desierta Vol 4

61- Live after death

Iron Maiden (1985)

Temas clave: The Rhyme of the ancient mariner, The Trooper, Hallowed be thy name

Impresionante. No hay otro calificativo para este enorme disco en vivo, prbablemente uno de los tres mejores de la historia del rock. Es que ¿qué mejor manera de disfrutar a La Bestia que con su mejor formación, en su mejor momento, con una selección de temas impecable y con un sonido perfecto? Este disco fue grabado durante la "World Slavery Tour", una gira que se extendió entre 1984 y 1985 y que, como su nombre lo indica, abarcó buena parte del (primer) mundo. En tiempos de vinilo y cassette fue un álbum doble, el primero de ellos grabado en Los Angeles y el segundo en Londres. El hecho de que sean recitales enteros y no canciones tomadas de distintas fechas, le da a "Live after death" la coherencia y la espontaneidad que lo hacen tan pero tan bueno, además de lo enunciado previamente: Iron Maiden venía de sacar los que a mi juicio son sus tres mejores discos ("The Number of the Beast", "Piece of Mind" y "Powerslave"), con la formación "clásica" de Bruce Dickinson, Steve Harris, Adrian Smith, Nico McBrain y Dave Murray. Por eso los temas son una obra maestra detrás de otra del heavy metal clásico. Es un auténtico greatest hits, con el plus de que es en vivo y eso le da todavía más energía. Si nunca escuchaste a Maiden esta es tu indiscutida puerta de entrada. Y si ya conocés a la banda seguro que ya tenés este disco pero, si no es así, ¿te sirve saber que en un solo álbum vas a encontrar nada menos que "The number of the beast", "The trooper", "Rime of the Ancient Mariner", "Hallowed be thy name", "Flight of Icarus", "Two minutes to midnight", "Aces High", "Phantom of the Opera" y muchísimos más?

62- Appetite for destruction

Guns ‘N’ Roses (1987)

Temas clave: Welcome to the jungle, Pardise city, Nightrain

Cinco reventados de Los Angeles agarraron lo mejor de Zeppelin, Aerosmith, T Rex, The Rolling Stones y AC/DC, le sumaron toneladas de sexo y drogas, lo metieron en la licuadora y sacaron este disco alucinante. Puro hard rock del mejor, incendiario. Una obra magistral que barrió del mapa a las pedorradas de hair metal de aquel momento. "Welcome to the jungle", "Out ta get me", "Nightrain", "Mr Brownstone", "Paradise city", "Sweet Child of Mine" escupen rabia e historias decadentes de esa jungla que es cualquier gran ciudad. Nunca Axl Rose estuvo en mejor forma aullando o mordiendo según las necesidades de la canción, mientras las increíbles guitarras de Slash e Izzy Stradlin entretejen un pared de riffs y solos sencillamente impresionantes. Poco después vendrían las calzas, los pianitos a lo Elton John y los coros femeninos de Axl, junto con las peleas internas y la ida al carajo de la banda. Pero en la época de "Apettite for Destruction" todo estaba en su punto justo para que Guns N' Roses fuera la banda más caliente del rock and roll, y éste uno de los mejores discos de la historia del hard rock. ¿Qué grasada los Guns? ¿Qué forro Axl Rose? Sí, sí... callate y subí el volumen.

63- Ride the lightning

Metallica (1984)
Temas clave: Creeping death, For whom the bells toll, Fade to black

Año 1992. Estadio de Vélez. "¡Hola mi amigossss!", dice la voz de James Hetfield, y el estadio entero se estremece de expectativa. Entonces la voz ruge: "Creeeping Deatha!!!!!". Y nuestros cerebros son aplastados de poderoso placer, cuando toda la banda te demuele la cabeza con la todopoderosa entrada de mi tema preferido de Metallica. Tema que, por otra parte, es uno de los integrantes de mi disco favorito de la banda de San Francisco. Para muchos fans de Metallica el elegido es "Master of puppets". Y, si bien es más pesado en su sonido, si bien es un verdadero manual de riffs trasheros, si bien Metallica jamás sonó tan potente como en "Master of Puppets", mi elegido sigue siendo "Ride the Lightning". ¿Por qué? En mi opinión los temas del segundo trabajo de Metallica están mucho mejor estructurados que cualquiera de sus discos previos o posteriores, al menos hasta el Álbum Negro. Eso lo hace mucho más accesible, sin perder un ápice de su "poder" (para hablar en términos metaleros). Los temas estan mucho más trabajados que en "Kill'em all", su debut. Hay más experimentación, hay una expansión del sonido, hay una evidente mejora en las melodías de voz y en los coros, y todo eso está perfectamente condensado en temas increíbles: "Creeping death", "Fade to black", "For whom the bell tolls", "The call of Ktulu", "Fight fire with fire"... Un verdadero clásico del heavy metal.

64- Tracy Chapman

Tracy Chapman (1988)
Temas clave: Fast car, Talkin' bout the revolution, Baby can I hold you

Allá por el verano de 1989, Tracy Chapman se hizo conocida en nuestro país gracias a que radios del tipo "Horizonte", empezaron a pasar a más no poder su canción "Baby can I hold you", un obra maestra de balada romántica. También sus otros temas sonaron en la radio, pero se la encasilló -esa lamentable costumbre del ser humano- como la "Chica que tocaba el lento de moda". Tremenda estupidez, por cierto. Porque Tracy estaba más que lejos de las canciones suaves para radio. Muy por el contrario: lo suyo tomaba aquella vieja tradición de gente como Bob Dylan o Joan Baez que, desde el folk y el formato cantautor, eran sinónimo de activismo político antisistema. Estados Unidos, por ese entonces, venía del terrible modelo Reagan, que destrozó a la clase obrera yanqui y a las minorías históricamente más castigadas de ese país: los negros y los hispanos. Y Tracy reparte palo y palo contra este modelo, en sus hermosísimas canciones y sus estupendas letras. Justamente deja muy en claro de qué viene la cosa en el tema con el que abre su disco debut: "Talkin' bout the revolution", donde dice "Hablan de la revolución/Suena como un susurro/Mientras esperan en las filas de beneficiencia/O lloran en las puertas de los Ejércitos de Salvación/Perdiendo el tiempo en las colas de los desempleados/O se sientan a esperar una promoción/Los pobres se van a levantar y van a tomar su parte/Los pobres se van a levantar/ y tomarán lo que les pertenece". No suena precisamente a chica que canta "lentos", ¿no? A medida que avanza el disco, las letras son cada vez mejores y con ellas las canciones. La desesperada historia de "Fast car" es sencillamente notable, mientras que "Across the lines" clama por cruzar las líneas que separan a negros de blancos, a pobres de ricos. "Behind the wall", cantada a capella por Tracy, describe una noche cualquiera en un barrio marginal... y es estremecedoramente real y simple. Después sí viene la famosa "Baby can I hold you", donde nuevamente Tracy demuestra cuan bello puede ser lo simple, y cuánto mejor le sientan esas virtudes a las canciones de amor. "Mountains o' things" es un palazo en la cabeza a los que dan por sentado todo lo que tienen y al materialismo exacerbado por la sociedad de consumo, más en comparación con aquellos que lo único que tienen son "montañas de nada". Le sigue "Why?" dueña de frases tan contundentes como: "¿Por qué mueren de hambre los bebés/cuando hay comida suficiente para alimentar el mundo?/ ¿Por qué si somos tantos/sigue habiendo gente sola?/¿Por qué se llama a los misiles guardianes de la paz/cuando apuntan a matar?". Le sigue "For my lover", una historia de amor muy pero muy diferente a las edulcoradas banalidades de cualquier cantante pop o romántico. Y cierran el disco dos canciones de amor, dulces y sencillas -la gran virtud de Tracy Chapman- como "If not now..." y "For you". El debut de Tracy Chapman es un discazo con todas las letras -de una profundidad y honestidad que escasea dentro del mundo del pop- muchas veces subestimado por desconocimiento o por el hartazgo que hay que "agradecerle" a las radios de hits, capaces de transformar la mejor cosa en mierda. No pierdan la oportunidad de desagraviar a Tracy, sus oídos se los van a agradecer.

65- Document

R.E.M. (1987)

Temas clave: The one I love, It's the end of the world as we know it, Welcome to the ocupation

A mi criterio el primer gran gran disco de R.E.M., y peleando cuál mellevo con "Automatic for the people" y "New adventures in Hi FI"... Repleto de temas increíbles, sólo puedo calificarlo de una manera: indispensable. Aquí la banda encuentra un foco temático, lo que redunda en temas más cohesivos y, en consecuencia, más maduros. El tema sobre el que la banda hace hincapié es la política. Y lo encaran desde el lugar del compromiso, pero también desde la rabia. Por eso hay temas muy punkies aquí como "Strange" o "It's the end of the world as we know it", donde la música expresa la urgente necesidad del cambio. Y otros en los que las letras castigan al sistema con acidez y dureza, como "Disturbance at the heron house", "Welcome to the ocupation" y "Finest worksong". También "Document" contiene el improbable hit "The One I love", una canción que no trata sobre lo que cualquiera incialmente supone. Pero, por sobre todas las cosas, lo que hay que destacar aquí es la belleza de los temas en general. Disco clave para todo fan de R.E.M.

66- Daydream nation

Sonic Youth (1988)

Temas clave: Teenage riot, Cross the breeze, Candle

El lugar donde se encontraron el instinto animal de los Stooges con el vanguardismo insuperable de la Velvet Underground se llama Sonic Youth. Nadie, desde Hendrix, logró sacar de una guitarra los sonidos que ellos consiguen. Si bien otros discos son más difíciles de digerir para el oyente no iniciado, en "Daydream nation" Sonic Youth demuestra su olfato pop para construir melodías que encuentran su raíz en lo mejor del garage de los 60's y del indie rock de los 80's. Las letras son retratos urbanos dignos de la la más selecta pluma de Lou Reed. Y todo ello vive dentro de un sonido que no tiene comparación sobre la faz del planeta. "Daydream Nation" es un viaje alucinante, una invitación a flotar en un universo de colores y texturas musicales que nunca fueron imaginadas, al punto que nadie se ha atrevido a imitarlas. Escuchar "Daydream Nation" es retroceder en el tiempo -hasta 1984- para proyectarse en el futuro, intentando tocar el infinito.

67- Doolittle

Pixies (1989)

Temas clave: Monkey gone to heaven, Here comes your man, Gouge away

Para en tender su importancia dentro del mundo del rock baste señalar que sin ellos, Nirvana jamás hubiera existido. Y "Doolittle" es, además del más accesible, el mejor de sus discos. Aparecido en 1989, muestra aquello que caracterizaba a los Pixies: dinámicas cambiantes, canciones simples, bajo bien al frente, guitarras distorsionadas, caos melódico en algunos casos, armonizaciones vocales entre el guitarrista/cantante Black Francis y la bajista Kim Deal, con ocasionales aportes del otro violero -Joey Santiago- y el batero David Lovering. Los temas son cortos (el más largo apenas supera los 3 minutos) y raros, poca gente los digiere enseguida, seamos sinceros. Pero, con las sucesivas escuchas se les va agarrando la vuelta hasta terminar sucumbiendo al encanto de "Monkey gone to heaven", "Here comes your man", "Wave of mutilation", "Gouge away" o "Debaser". Para quien jamás haya escuchado a los Pixies la única forma de darles una idea de cómo suenan es comparándolos con algunas cosas de Nirvana, es eso pero más abrasivo. Y, como dije, "Doolittle" es el disco más accesible junto a "Trompe le Monde", lo que convierte a cualquiera de esos dos en el punto de partida ideal para conocer a una de las grandes glorias del rock alternativo.

68- Ritual de lo habitual

Jane’s Addiction (1990)

Temas clave: Three days, Stop!, Then she did

Simple: una obra maestra. Uno de los 10 mejores discos de la historia del rock, creado y regado de los Angeles por una de las 10 mejores y más personales bandas que han existido. ¿Qué es Jane's Addiction? Originalidad pura: hard rock, dark, glam, psicodelia, funk, música étnica, cabaret, putas y drogas. Simplemente hay que escuchar, digerir el impacto inicial (a mucha gente no le gusta la banda de una, pero después de un tiempo se vuelven adictos) y volverse eternamente amante de Jane's Addiction. La banda se formó en 1984 en Los Angeles, y se separó en 1991, después de sacar tres discos soberbios: "Jane's Addiction", "Nothing's Shocking" y "Ritual de lo Habitual". En este último alcanzaron su pico creativo. Aquí amalgamaron con perfección asombrosa los ultra eclécticos elementos que componen su música. El disco abre con la poderosísima "Stop!" una ritmo funky ultracelerado que de pronto se sumerge en un clima mántrico, para explotar en la apoteósis final. Sencillamente inolvidable. El ritmo no decae, las adrenalínicas "No one's leaving" y "Ain't no right" son un torbellino de funk+hard rock+punk capaces de hacer bailar a una morgue entera. La tranquila "Obvious" es un respiro, previo al tema más conocido de Jane's Addiction: la divertida oda a la cleptomanía "Been caught stealing". Y de pronto, cuando ya con eso era suficiente para tener un clásico, llega lo mejor. "Three days", quizás uno de los tres temas que más amo sobre la faz de la tierra, es un increíble viaje de psicodelia, polirritmia, climas, música excelsa que produce placeres cercanos al sexo. Pero, sin darte tiempo a recuperarte de semejante tratamiento emocional, Jane's Addiction te tira a la cara "Then she did", otra obra de arte que taladra tu cerebro y tu corazón y te deja suspendido en el espacio. Al lado de estos dos temas, "Of course" y su interesante toque kleshmer quedan opacados, ya que todavía estás tratando de recuperarte. Y entonces llega el toque que cierra el disco: esa pequeña gema fantasmalmente romántica que es la delicada "Classic Girl". "Ritual de lo Habitual" es una experiencia ineludible para cualquiera que desee saber de qué se trata realmente el rock, hecho en total libertad y sin limitaciones artísticas.

69- Blood Sugar Sex Magik

Red Hot Chili Peppers (1991)
Temas clave: Give it away, Under the bridge, Suck my kiss

Impresionante disco de los Peppers, sin dudas su mejor trabajo. En 1991 la banda logró canalizar todo ese funk desenfrenado que habían mostrado en sus discos anteriores -y que en "Mother's Milk" empezaba a vislumbrarse entre el caos- en 17 canciones propiamente dichas. Parte de este "llamamiento al orden" tuvo que ver con que los Peppers debieron bajar un poco los decibeles respecto al descontrol de sus vidas personales... si es que prtendían seguir con vida. A eso se sumó el genio ilimitado y delirante de un guitarrista de 19 años llamado John Frusciante, quien reemplazó sus guitarras hipersonoras de "Mother's milk" por un acercamiento más sutil, un sonido más claro que permite disfrutar mejor de lo que está haciendo. También, además de que los temas funkies están mejor estructurados y en consecuencia son mucho mejores ("Give it away", "Suck that kiss", "Naked in the rain"), la banda comienza con las baladas algo en lo que muy pronto mostraría toda su maestría ("Under the bridge", "I could have lied", "My lovely man") y también experimentan con nuevos estilos con resultados impresionantes ("Breaking the girl", "The power of equality", "Blood, sugar, sex, magik"). Un disco indispensable.

70- Angel Dust

Faith No More (1992)
Temas clave: Midlife crisis, Everything's ruined, Caffeine

Después de romper la barrera del mainstream con su magistral "The Real Thing", Faith No More parecía estar en el clásico brete: cómo superar un disco tan pero tan bueno. La respuesta se llamó "Angel Dust", una magistral clase de cómo se hace rock alternativo, lecciones que ninguno de sus "alumnos" del nü metal parece haber aprendido ni siquiera aproximadamente. "Angel Dust" es tan pero tan consistente, dentro del delirio musical y lírico que lidera Mike Patton, que obviamente no vas a enamorarte de él de manera instantánea, menos aún si no estás acostumbrado a lidiar con géneros como el metal, el rap, el funk, el hard core y el acid jazz que respira este soberbio disco. Esto no es pop, definitivamente. Pero, una vez que lo digeriste, se incorpora en tu cuerpo y se vuelve una necesidad física. Todos los instrumentos se conjugan en lunática armonía, vomitando obras maestras del rock alternativo como "Midlife Crisis", "A small victory", "Everything's ruined", "Kindergarten", "Be agressive" o "Caffeine". La voz de Mike Patton es indescriptiblemente genial y versatil, pasando de una ametralladora hardcore a la elegancia de un cantante de jazz. En síntesis: un disco magistral.

71- Mother Love Bone

Mother Love Bone (1992)

Temas clave: Chloe dancer/Crown of thorns, This is Shangrila, Bone China

La banda de la que formaban parte los futuros fundadores de Pearl Jam (Stone Gossard y Jeff Ament) llegó a grabar un disco, antes de que Andy Wood, su cantante, muriera de sobredósis. Pero, aunque ya se perciben algunos de los riffs que serían el sello de Pearl Jam, la onda de la banda es muy distinta. Es hard rock sí, pero con toques glamorosos entregados por Andy Wood (fan confeso de Queen, Elton John, David Bowie y Kiss), cuyas letras, voz y manera de cantar nada tienen que ver con las de Eddie Vedder. El resultado fue desparejo aunque promisorio: para ser un primer disco hay muchísimos buenos temas. Desde la bellísima y épica "Chloe Dancer/Crown of thorns", hasta las estupendas "This is shangrila", "Stardog champion" y "Holly roller" donde la banda rockea al palo, desde la triste y premonitoria "Man of golden words" hasta la dulce "Stargazer" o la climática "Bone china", el único disco de Mother Love Bone es necesario para cualquier fan de Pearl Jam o del grunge en general, y está cargado de recuerdos para todos los tabasquenses de ley.

72- Nevermind

Nirvana (1991)
Temas clave: Smells like teen spirit, Drain you, Come as you are

Todavía recuerdo la primera vez que escuché los acordes de "Smells like teen spirit". Mi vida no volvería a ser igual desde entonces, eso es seguro. De hecho, esta canción la cambió, abrió la puerta. No puedo suscribir al concepto de que no había nada que escuchar cuando apareció "Nevermind", porque no es cierto. Tenías a Jane's Addiction, Faith No More, R.E.M., Hüsker Dü + Sonic Youth + Pixies (estas tres fueron enormes influencias para Kurt, de hecho vean el monito del arte de "Nevermind" y despues chequeen la tapa de "Doolittle" de los Pixies), Metallica... Pero sí puedo decir que "Nevermind" le abrió la puerta a nivel masivo a esas y un montón de otras bandas excelentes, y a una época particularmente feliz de mi vida, que pueden leer alprincipio del blog. Y puedo agregar que la furia visceral, la arrolladora angustia adolescente de Nevermind, no estaba presente en los discos de las bandas que enumeré, o no al menos en el grado en el que desborda el disco de Nirvana. Por otra parte, el gran logro de Kurt y compañía fue condensar todos los atributos del rock alternativo norteamericano, que por separado lo volvían anticomercial, en una serie de canciones imposibles de resistir. En Nirvana la velocidad y agresividad de Hüsker Dü, el sonido único de Sonic Youth, el alarido primal de los Pixies, más el espíritu punk del rock alternativo yanqui se aliaron al concepto pop de bandas británicas como The Beatles y The Kinks para producir "Nevermind", un desfile de enormes canciones: Smells like teen spirit, Come as you are, Drain You, Something in the way, On a plain, todas en realidad. Gracias Kurt por tanta sinceridad, por tantas grandes canciones, por tantos buenos momentos...

73- Badmotorfinger

Soundgarden (1991)

Temas clave: Jesus Christ Pose, Mind riot, Outshined

Antes de Nirvana, antes de Pearl Jam y Alice in Chains hubo una banda en Seattle que se puede acreditar el honor de ser los verdaderos padres del grunge: Soundgarden. ¿Influencias básicas?: Black Sabbath, Led Zeppelin, The Stooges y The Beatles. Soundgarden arrancó como una banda de, digámoslo de alguna manera, "garage punk metal" y fue evolucionando, agregando psicodelia, polirritmia y armonías propias de los Beatles, cosa que concretó en sus dos últimos discos. Badmotorfinger es el instante antes de llegar a ese punto. Denominado por muchos como "El Album Blanco del heavy metal", es un disco demoledor, artísticamente ambicioso, sónicamente aplanador y rebosante de originalidad. Es metal sí, pero desde un lugar a mil años luz de lo que se había hecho en el género hasta entonces: las tonalidades utilizadas, las innovadoras afinaciones, los complejos ritmos, las notables melodías, todo se conjuga en un trabajo tan brillantemente resuelto que, a pesar de sus complejidades, es totalmente accesible para el escucha promedio. Así hubiera sonado una combinación de Black Sabbath (el sonido), Led Zeppelin (la voz) y unos pequeños toques de psicodelia, en los noventa. Una alhaja.

74- Dirt

Alice In Chains (1992)

temas clave: Angry Chair, Would?, Rooster

Si por mi fuera, pondría la discografía de Alice in Chains, pero como estoy sometido a mis propias reglas elijo "Dirt". Y "Dirt" es impresionante. Es un viaje aterrador por la mente de un adicto a la heroína (Layne Staley). Las letras son soberbias, la música sombríamente brillante. No tiene una sola canción que no sea buena como mínimo (imposible que sea de otra manera si en el mismo disco se conjugan "Angry Chair", "Would?", "Rooster", "Them bones", "Dirt", "Hate to feel", "Junkhead", "Rain when I die", "Damn that river"). La alucinante voz de Layne Staley armonizando con la de Jerry Cantrell es de lo mejor que ha dado el rock alternativo en años. Los oscurísimos riffs de Cantrell se apoyan en una base sólida como una roca, a cargo de Seann Kinney y Mike Starr. Uno no es el mismo después de la línea de bajo de "Would?", ni puede escapar fácilmente al hipnotismo de "Angry Chair" o la intensidad de "Rooster". La densidad lírica, el peso específico musical de temas como "Junkhead" o "Dirt" convierten al segundo trabajo de Alice in Chains en, indiscutiblemente, uno de los mejores discos de los '90.

75- Temple of the Dog

Temple of the Dog (1990)

Temas clave: Hunger strike, Wooden Jesus, Times of trouble

Al morir Andy Wood muchos de sus amigos de Seattle quedaron destrozados. Chris Cornell, cantante de Soundgarden, le escribió un par de canciones. Se juntó con el baterista de su banda (Matt Cameron) y con Jeff Ament y Stone Gossard para tocarlas. Terminaron grabando un disco a modo de homenaje, al que se sumaron otros futuros miembros de Pearl Jam como Eddie Vedder y Mike Mc Ready. El resultado es extremadamente emocional, más si se conoce la historia detrás del disco. Un album para escuchar en invierno, disfrutando la melancolía y la tristeza por el amigo que se fue, pero también la energía y espontaneidad que surge de tocar entre amigos. Temas como "Hunger strike", "Call me a dog", "Times of trouble" y "Say hello to heaven" son el resultado de un montón de emociones encontradas. Se nota... y se disfruta. Otro disco que atesora mis mejores recuerdos.

76- Ten

Pearl Jam (1991)
Temas clave: Black, Once, Jeremy

Otro de los tantos ejemplos que nos da el rock del debut nunca superado. Es que el primer disco de Pearl Jam es sencillamente demasiado bueno. Haciendo honor a sus ilustres –y evidentes- influencias (Hendrix, Zeppelin, The Who, Neil Young), Pearl Jam despacha una canción demoledora -sónica y emocionalmente- detrás de otra, verdaderos himnos de esos que sirven tanto para que la multitud coree en un estadio repleto ("Jeremy", "Alive"), como para llorar un amor perdido en la soledad de tu cuarto ("Black") o para hacer pogo en algún lugar que ya no existe, como Tabasco ("Once", "Evenflow", "Porch", "Why go"). El disco arranca como una aplanadora con la paranoica "Once" y con "Evenflow", la historia de un homeless y una dura crítica a la economía norteamericana de aquel entonces. Le sigue la emotiva "Alive" -con un solo fantástico de Mike Mc Ready- y emparentada en su temática con "Why go": traumas infantiles. Después viene la emotivísima "Black" donde creo que Vedder alcanzó una de sus más sinceras interpretaciones. A continuación brilla el clásico "Jeremy", sobre una inolvidable línea de bajo, Vedder nos relata un caso real de soledad y suicidio adolescente. "Oceans" es un simpático y climático relleno, preludio de la arrolladora "Porch", que sienta la tónica existencialista del tema desde su primera frase: "What a fuck is this world". "Deep" cumple, en una arrolladora vorágine de tensión, energía y catársis, mientras que "Garden" y "Release" se sumergen en interesantes climas de guitarras, con el toque siempre emocional de la voz de Vedder, desgarrándose y una sensación de que los Doors estuvieron entre la discografía básica de Eddie. Nunca pudieron superarse pero el nombre del disco no puede ser más ajustado.

77- Dust

Screaming Trees (1996)

Temas clave: All I know, Make my mind, Dying days

La primera vez que escuché a Screaming Trees, fue allá por el '93 cuando nos tiraron por la cabeza su increíble canción "Nearly lost you" en el soundtrack de la película "Singles" (Vida de solteros). Bien, "Nearly lost you" conducía directamente al disco que la contenía: "Sweet Oblivion". ¿Y qué había allí? Grunge, mis amigos. Una de las mejores bandas surgidas de Seattle pero que jamás llegó a trascender como Nirvana y Soundgarden -dos bandas contemporáneas y amigas- quizás debido a la actitud errática de los miembros de Screaming Trees, más afectos a los goces del alcohol y una buena pelea que a salir de gira para promocionar sus discos. Sin embargo, esta actitud errática no les impedía sacar muy pero muy buenos discos. Como siempre repito, el término "grunge" fue acuñado por la prensa y ahunaba a las bandas surgidas de Seattle a fines de los 80's y principios de los 90's. Pero, si bien también compartían cosas como la ética punk e independiente y un circuito similar de locales para tocar, poco tienen que ver Nirvana con Alice In Chains, L7 con Mother Love Bone, Mudhoney con Pearl Jam o Screaming Trees con Soundgarden. En el caso de Screaming Trees la raíz de su música está mucho más cerca del garage, el hard rock, la psicodelia y el folk que del metal a lo Black Sabbath o el punk rock. La voz rasposa pero melódica de Mark Lanegan es muy atractiva cuando está bien explotada y la banda no es una máquina de innovar, pero sí compone buenas canciones. Pues bien, en mi caso recomiendo -si es que los consiguen, el disco previamente mencionado, más "Uncle Anesthesia" y éste, que fue su último álbum. "Dust" salió en 1996, cuando ya el grunge firmaba su certificado de defunción, y los Screaming Trees llegaban con el paso cambiado, luego de desaprovechar la oportunidad que tuvieron cuatro años antes con "Sweet Oblivion". Claro que si te gusta el grunge, los anacronismos te van a importar poco y nada. En ese caso tratá de conseguir "Dust", el mejor y menos hard rockero de sus discos (con sitar, tablas, cuerdas y mellotrones que lo hacen el más psicodélico de ellos) y un testimonio de cuán bueno fue eso que se llamó grunge.

78- Purple

Stone Temple Pilots (1994)

Temas clave: Pretty Penny, Big empty, Unglued

El debut, "Core", les sirvió para subirse a la gran ruleta del grunge, aunque debieron padecer comparaciones con Pearl Jam y Alice in Chains. En su segundo disco, "Purple", los Stone Temple Pilots salieron a la cancha a desmentir estas acusaciones. Y lo hicieron con un disco excelente, plagado de buenas canciones, pero también desbordante de inquietudes, de búsqueda. Aquí, los STP comenzaron a patentar ese estilo que los distingue, hecho de hard rock sí, pero también de mucho pop y psicodelia, con toquecitos aquí y allá de otros géneros (algo en lo que profundizarían aún más en "Tiny songs from the Vatican giftshop"). El disco abre con la potencia demoledora de "Meat plow" y "Vasoline", pero ya en esta última canción se ven las diferencias con "Core": el riff es bien hard rockero pero la melodía es adictivamente pop. A continuación llega la psicodelia de la mano de "Lounge fly", las guitarras no riffean, si no que sostienen un fraseo alucinante de Weiland, mientras la primera viola vuela por detrás, generando climas de lo más inquietantes. Por otra parte, como buen tema psicodélico, tiene un interludio totalmente onírico que va creciendo en intensidad hasta explotar en un solo zeppeliano, mientras la bata panea de atrás hacia adelante en un efecto enloquecedor. Sin dudas, es uno de los mejores momentos del disco. A continuación llega el gran hit de "Purple", la super radiable y elegante "Interstate love song", imposible no amar ese tema. La canción que le sigue -"Still Remains"- potencia aún más la calidad de "Interstate love song"... pero por contraste: es muy floja. El disco se recupera enseguida del bajón gracias a la excelente "Pretty Penny", un tema acústico que es un decidido homenaje a Led Zeppelin. Le sigue "Silver Gun Superman", un tema bien al estilo "Core" más que aceptable, que es el prólogo de otro de los grandes momentos del disco: "Big Empty". Este tema magistral arranca a puro jazz -te podés imaginar a Weiland cantando en un bar repleto de humo, en plenos 50's- para de pronto explotar en un coro que es 100% hard rock, pero pegadizo como el mejor pop. Excelente. Y entonces regresa el rock, aunque esto es garage puro y a potencia hipersónica: "Unglued" es uno de mis favoritos de la discografía de STP. "Army ants" arranca bien, con guitarras volátiles y psicodélicas que dan paso a un hard rock poderoso, pero falla violentamente tanto en la melodía como el coro, que carecen de atractivos. El cierre le corresponde a "Kitchen Ware and Candy Bars", una balada melancólica y agradable con un sutil (muy sutil, aclaro) aroma a bossa nova, aunque después se pierde en un delirio hard rockero y guitarrístico. Hay también un tema escondido ("12 gracious melodies"), que no aporta demasiado a un disco que -como podrán apreciar- decae un poquito al final, pero que es esencialmente estupendo.

79- Mellon Collie and the Infinite Sadness

Smashing Pumpkins (1995)

Temas clave: 1979, Bullet with butterfly wings, Muzzle

"Mellon Colie and the infinite sadness" es, sencillamente, una obra maestra. Disco doble en el cual prácticamente ninguno de sus 28 temas es desechable y que, a pesar de su duración (más de dos horas), uno no se cansa de escuchar. Es rock de los '90 con espíritu de los '70, es angustia y melancolía adolescente, es el alarido entre la ansiedad y la esperanza de la generación X, es la potencia de riffs arrasadores y es la caricia suave de un piano solitario, es un generoso derroche de creatividad, tan pretencioso como logrado. El primer disco es "Dawn to dusk" que abre con un suave piano titulado con el nombre de la obra, una delicada introducción a "Tonight Tonight" que en sus orquestales arreglos de cuerdas nos da el espíritu de magnificencia del disco, y sus ambiciosas dinámicas -que cambian de lo orquestal a la suave melodía de Corgan para explotar en un coro que empieza como un ruego ("Believe in me") y se vuelve exigencia- nos dicen que estamos ante algo grande. Tras esto la banda nos demuele con "Jellybelly", un poderosísimo rocker biene en la vena de los Pumpkins de "Siamese Dream". No hay respiro porque le sigue uno de mis temas favoritos de la banda: "Zero", corto y contundente, basándose en un riff impresionante y con una letra excepcional, llena de frases como "Intoxicated with the madness, I'm in love with my sadness", ese coro ultrapegadizo en el que Corgan nos dice que "She's the one for me, she's all I really need" y un intermezzo impresionante con una verdadera declaración de principios: "Emptiness is loneliness, and loniless is cleanliness and cleanliness is godliness, and God is empty just like me". La potencia no decae con "Here is no why", también en la vena de los temas poderosos y antémicos clásicos de los Pumpkins, gran melodía, potencia, riffs y arreglos épicos de guitarras. Todo eso precede otro de los mejores temas que ha escrito Corgan en su carrera: "Bullet with butterfly wings". Repleto de dinámicas, el tema está en tensión constante, que va creciendo progresivamente, dispuesta a estallarte en la cara en cualquier momento, cosa que ocurre en uno de los mejores coros que se hayan escrito en los '90, alquimia perfecta de melodicidad pop, rabia punk y potencia metalera. También aquí hay frases de antología como "The world is a vampire sent to drain" o "What do I get for my pain? Betrayed desires and a piece of the game". Y ni que hablar de la explosión de la coda final, pura catársis distorsionada al son de la frase: "Despite all my rage I am still a rat in a cage". Una joya. Semejante tratamiento sonoro merece un respiro, es el que nos dan los Pumpkins con la melancólica "To forgive", de espectral belleza. La paz dura poco porque enseguida la banda ataca con otra explosión de furia rockera, la tremenda "Fuck you (and ode to no one)" que arraca con un riff machacante y amenazador, sobre el que Corgan parece escupir las palabras para que de pronto todo explote a puro rock y distorsión. Hermoso. Le llega el turno a la neoindustrial "Love", gran tema también, que insinúa un poco el camino que seguiría la banda en "Adore". A continuación dos temas frágiles y dulces como "Cupid de Locke" (con su arpa y sus arreglos de cuerdas) y "Galapagos" (una hermosa melodía cantada con pasión) nos brindan un nuevo costado de la ecléctica personalidad de los Pumpkins. Y entonces llega otro de mis favortios, la épica "Muzzle" que es un verdadero himno de estadio -tuve la suerte de cantarlo y disfrutarlo en vivo durante la gira de este disco- pegadizo y emocionante desde la frase inicial: "I fear that I am ordinary, just like everyone". Me encanta, lleno de grandiosidad setentosa. A continuación los Pumpkins muestran su costado progresivo y ambicioso con "Porcelina of the vast ocean", una canción de casi 10 minutos de largo, llena de climas y cambios constantes, un verdadero ejercicio de psicodelia y épica setentosa. El cierre es un temita de James Iha, "Take me down", muy tranquilo pero irrelevante.

Es el momento de "Twilight to starlight", el segundo disco. A diferencia del elegante comienzo del primer disco, "Twilight to starlight" arranca dispuesto a demolerlo todo con dos infernales temas metaleros: ""Where boys fear to tread" y "Bodies", riffs letales y un Corgan sacado aullando "Love is suicide" visceralmente (en "Bodies"), mientras la base sostiene todo golpeteando sin respiro. Luego la exquisita "Thirty three", una bellísima balada a la que le sigue la bella "In the arms of sleep", en el mismo tenor aunque no tan buena como "Thirty Three". La suave tónica gana un poco de ritmo con "1979" una canción a la que cualquier elogio le queda corto, un nostálgico tema new wave pero de los 90's con un coro inolvidable, que siempre me recordó a New Order y que me deja al borde las lágrimas cada vez que lo escucho, repleto de sensaciones de todo tipo. Quizás una de las mejores canciones de los '90. La furia rockera regresa de la mano de "Tales of a scorched earth", puro desgarro que termina perdiendo ante la magnificencia de "Thru eyes of ruby", épica y psicodélica. "Stumbleine" es un suave murmullo de guitarras acústicas y la voz de Corgan susurrando en medio de la noche. "X.Y.U." es el último ataque rockero del disco, una despedida a pura distorsión y uno de los mejores temas rockeros del disco donde se luce la guitarra texturada de James Iha. De allí hasta el final, todo es suave melancolía no exenta de humor ("We only come out at night") como "Beautiful", "Lily (my one and only)", "By starlight" y "Farewell and goodnight".

Disco clave de los '90.

80- Aenima

Tool (1996)

Temas clave: Stinkfist, Forty six and two, Eulogy

¡Qué buen disco, por Dios! Pienso de vuelta, tres segundos, y vuelvo a la misma conclusión: qué, pero qué buen disco. En 1993, Tool nos había enseñado como es descender a las profundidades más oscuras con su debut "Undertow". Lo que nosotros, pobres ingenuos, no teníamos ni idea era que eso era apenas un vistazo. Tres años y un bajista después, Tool creó "Aenima" y ahí sí nos hundimos en la Oscuridad definitiva... y fuimos felices. Dentro de un sonido ajustada y oscuramente perfecto, mucho más denso y pesado que el de "Undertow", los músicos de Tool llevan todo al límite de sus posibilidades instrumentales y estilísticas. Lo sorprendente es que, a pesar de su carácter exploratorio, todo está en su justo lugar, como si cada uno de ellos supiera a dónde quería llegar. Por eso hay aquí un disco que fascina por igual al fan del heavy metal como al del dark, el de la psicodelia o el del rock progresivo. Imposible que eso no ocurra con canciones tan definitivas como "Stinkfist", "Eulogy", "H", "Forty Six & Two" o con la potencia desintegradora de "Hooker with a penis" y "Jimmy", o esos verdaderos viajes hacia el corazón de la negrura como "Aenima" o "Third eye". Como dije en otro comentario, Tool no se parece a nada, es único. Oscuramente único.

PD: ¡Inolvidable recital-aventura junto a Marot!