Embrionic journey

Menos rock que Lita de Lazzari

2009-04-17T19:48:00.001-07:00

"Ay, estos muñecos de la Rolling Stone..." (Ian Curtis)

Que la Rolling Stone es un mamerto, no caben dudas. Pero hay veces que llegan a límites insospechados de patetismo. En este caso, confeccionaron la lista intitulada "Los 100 mejores cantantes de la historia del rock". Nótese que remarco la palabra en cuestión. Para realizar la elección combinaron periodistas especializados y ejecutivos de cmpañías disqueras -léase un combo de inimputables que jamás tocaron un instrumento- y -he aquí lo peor- verdaderos músicos, cantantes y estrellas del firmamento rockero. Entre ellas se destacan nombres como Bono, Ian Atsbury, Keith Richards, Sebastian Bach, Ginger Baker, Chris Cornell, Alice Cooper, Ronnie James Dio, Mick Fleetwood, Tony Iommi, James Hetfield, Ronnie James Dio... y unos cuantos más. Que estos muchachos hayan elegido a cierta gente, y dejado afuera a otra es realmente difícil de explicar. Que algunos de ellos se dejaran afuera a sí mismos, solo puede ser comprendido en un exceso de modestia o que se quisieron pasar de cools. ¿Cuál fue el criterio? ¿El virtuosisimo? ¿La onda? ¿El frontmanship? ¿La capacidad como compositor? La elección no deja nada claro. E igual no importa, porque hay nombres que simplemente no se pueden dejar afuera, sea cual sea el criterio. Y menos aún para poner personajes que... ¡no hacen rock! En fin, que la lista es una mierda. Ahí va...

1- Aretha Franklin (No es rock)
2- Ray Charles (No es rock)
3- Elvis Presley
4- Sam Cooke (No es rock)
5- John Lennon
6- Marvin Gaye (No es rock)
7 Bob Dylan
8- Otis Redding (No es rock)
9- Stevie Wonder (No es rock)
10- James Brown (No es rock)
11- Paul McCartney
12- Little Richard
13- Roy Orbison
14- Al Green (No es rock)
15- Robert Plant
16- Mick Jagger
17- Tina Turner (No es rock)
18- Freddie Mercury
19- Bob Marley
20- Smokey Robinson (No es rock)
21- Johnny Cash
22- Etta James (No es rock)
23- David Bowie
24- Van Morrison
25- Michael Jackson
26- Jackie Wilson (No es rock)
27- Hank Williams (No es rock)
28- Janis Joplin
29- Nina Simone (No es rock)
30- Prince
31- Howlin’ Wolf (No es rock)
32- Bono
33- Stevie Winwood
34- Whitney Houston (No es rock)
35- Dusty Springfield (No es rock)
36- Bruce Springsteen
37- Neil Young
38- Elton John
39- Jeff Buckley
40- Curtis Mayfield (No es rock)
41- Chuck Berry
42- Joni Mitchell
43- George Jones (¡¡¡¡¡Era un DJ!!!!)
44- Bobby "Blue" Bland (No es rock)
45- Kurt Cobain
46- Patsy Cline (No es rock)
47- Jim Morrison
48- Buddy Holly
49- Donny Hathaway (No es rock)
50- Bonnie Rait
51- Gladys Knight (No es rock)
52- Brian Wilson
53- Muddy Waters
54- Luther Vandross (No es rock)
55- Paul Rodgers
56- Mavis Staples (No es rock)
57- Eric Burdon
58- Christina Aguilera (No es rock)
59- Rod Stewart
60- Björk
61- Roger Daltrey
62- Lou Reed
63- Celine Dion (No es rock)
64- Axl Rose
65- David Ruffin (No es rock)
66- Thom Yorke
67- Jerry Lee Lewis
68- Wilson Pickett (No es rock)
69- Ronnie Spector (No es rock)
70- Gregg Allman
71- Toots Hibbert
72- John Fogerty
73- Iggy Pop
74- James Taylor (No es rock)
75- Dolly Parton (No es rock)
76- Steve Perry
77- Merle Haggard (No es rock)
78- Sly Stone (No es rock)
79- Mariah Carey (No es rock)
80- Frankie Valli (No es rock)
81- John Lee Hooker (No es rock)
82- Tom Waits
83- Patti Smith
84- Darlene Love (No es rock)
85- Sam Moore (No es rock)
86- Art Garfunkel
87- Don Henley
88- Willie Nelson
89- Solomon Burke (No es rock)
90- The Everly Brothers
91- Levon Helm
92- Morrissey
93- Annie Lennox
94- Karen Carpenter
95- Patti LaBelle (No es rock)
96- B.B. King (No es rock)
97- Joe Cocker
98- Stevie Nicks
99- Steven Tyler
100- Mary J. Blidge (No es rock)

De "Los 100 mejores cantantes del rock", hay al menos 43 que no hacen ni hicieron rock, sino pop, soul, r&b, blues y cualquier otra cosa. Y, por ponerlos a ellos, quedaron afuera nada más y nada menos que:
1- Grace Slick
2- Graham Nash
3- David Crosby
4- Stephen Stills
5- Rob Tyner
6- Ray Davies
7- Jimi Hendrix
8- Steve Marriott
9- Ian Gillan
10- David Coverdale
11- Ronne James Dio
12- Bon Scott
13- Ozzy Osbourne (si estamos juzgando frontmanship)
14- Peter Gabriel
15- Roger Waters
16- David Gilmour
17- Debbie Harry
18- Joey Ramone (está Iggy, está Lou Reed, está Dylan y no está él)
19- Jhonny Rotten
20- Chrissie Hynde
21- Bruce Dickinson
22- Rob Halford
23- Ian Atbsury
24- Ian Curtis
25- Robert Smith
26- Peter Murphy
27- Sting
28- Michael Hutchence
29- Dave Gahan
30- Tracy Chapman
31- Perry Farrell
32- Michael Stipe
33- Mike Patton
34- Chris Cornell
35- Layne Staley
36- Eddie Vedder
37- James Maynard Keenan
38- Scott Weiland
39- PJ Harvey
40- Mathew Bellamy
41- Brett Anderson
42- Jarvis Cocker
43- Liam Gallagher

"This one's for ya, Rolling Stone!" (Grace Slick)

Estos son los mismos garcas de siempre...

2009-04-03T11:28:00.000-07:00

... que con cara de amianto posaban para las fotos delante del cajón de Alfonsín.

The Radiohead Experience

2009-03-26T12:25:00.000-07:00

No iba a ir. No pienso pagar 300 mangos para ver a nadie -salvo que alguien resucite a Morrison, Hendrix o Lennon- y además a Radiohead ya lo había visto. No solo eso, en las condiciones en que los había visto -en primera fila, dentro de una carpa con capacidad para 1000 personas- lo hacían por completo insuperable. Claro, todo esto me lo repetía a mi mismo una y otra vez en los días previos al recital, pero a medida que se acercaba la hora mis convicciones flaqueaban y crecía mi certeza de que me iba a querer matar por no haber ido. A todo esto, hará cosa de un mes, mi amigo Matías me cuenta que conocía una chica, novia de un pibe que laburaba en la organización, que le había dicho que nos podía hacer entrar. Le dije que me subía a esa movida. ¿Qué mejor ingreso que uno bien punk rock antisistema? ¡Fuck Ticketek! Claro, todo esto lo pensaba con una sonrisa irónica en los labios, porque estaba absolutamente seguro que la chica no nos iba a hacer entrar. En mi memoria todavía flotaba el partido definitorio de Boca en el Apertura'92, cuando no saqué entradas porque un compañero de Facultad me garantizó que ibamos a entrar gratis merced a las buenas artes de uno de los de seguridad de La Bombonera que era amigo de él. Todavía recuerdo la carita de este muchacho cuando llegamos al lugar en el que lo había citado y el quía nunca apareció. Bien, algo así esperaba.
Sin embargo, llegó el día y la oferta se mantenía firme. No solo eso, llegamos al lugar al que nos habían citado, y la chica estaba allí esperándonos. Un par de llamados de celular y apareció el novio en cuestión. Así que empezamos a trasponer vallados y controles como por arte de magia, con la sensación latente de que en cualquier momento se nos cortaba el chorro y no revoleaban de una patada en el orto. Pero no... De pronto, estábamos allí adentro, frente al escenario. Y fue recién entonces cuando REALMENTE caí en la cuenta de que iba a ver a Radiohead.

Había gente a paladas, más aún de la que pensé podía llegar a haber. Ya los había visto en primera fila, así que descarté sumergirme en la marea humana, y me quedé atrás, charlando con Matías, hasta que Kraftwerk dejó de aburrirnos con su música sin alma y Radiohead apareció en escena. Repito: yo no esperaba que aquel recital en Gales pudiera ser superado, menos aún estando lejos del escenario -a la altura de la torre de sonido- y no lo hizo. Pero sí lo equiparó. Y lo hizo no solo porque fue un recital de puta madre, sino porque al verlo desde dónde lo hice, pude disfrutarlo de manera distinta a mi primera experiencia con los cabeza de radio. Pude escuchar toda la banda, hacerlo con tranquilidad, gozar de la puesta en escena a pleno. Y asombrarme hasta el empacho de lo clara que la tienen estos tipos, de lo definido de sus conceptos estéticos, de cómo hacen una puesta en escena increíblemente grosa -y artística- con recursos mínimos o con los mismos recursos que diez mil bandas repiten hasta el hartazgo de la misma monótona manera (las pantallas con imagenes, las luces). No acá. No ellos. Radiohead combina a la perfección TODO para que lo que veas sea arte en vivo. Hay concepto detrás de cada detalle. A eso sumémosle la capacidad para deconstruir las canciones y remodelarlas sobre el escenario en tiempo real. En fin... No alcanzan las palabras para explicar la experiencia que es un show de Radiohead. Uno se va y no te importa si no tocaron alguna canción en particular -los vi dos veces y ninguna de las dos veces tocaron "Fake Plastic Trees", mi favorita- o si tocaron el disco nuevo entero... porque además de eso tocaron otras 16 canciones. Es decir, Radiohead hizo 25 temas en total. Y tocaron "Creep", concientes de para quién estaban tocando (¿la cazás, Billy?). Y Thom Yorke tiene una voz de puta madre. Y no pierden tiempo tratando de hacerse los amiguitos: en vez de discursos pedorros, tocan canciones, que para eso vamos. Y Johnny Grenwood es un ser de otro planeta. Y no te interesa que el pelotudo del sonidista arruine "Airbag" porque el resto del sonido es inconcebiblemente perfecto. Y la base es un reloj. Y suenan mejor que en los discos. Y Ed O'Brien es un sutil realzador. Y... por suerte fuí.

Hubo un Timpo que fue hermoso...

2008-12-11T17:47:00.001-08:00

Explorando en un par de bauleras familiares, empecé a recuperar cosas que creía perdidas hace demasiado tiempo. Entre ellas, volvieron a la luz, cubiertos de polvo y batallas, mis adorados soldaditos. Esos soldaditos, hoy vilipendiados como "juguetes bélicos" (¡vade retro!), eran mis juguetes preferidos, junto a la pelota. Nunca tuve afición por los autitos, que eran la tercera opción de cualquier infante hace treinta años, cuando -a Dios gracias- no había Play Station, ni Power Rangers, la televisión solo tenía cinco canales y uno podía jugar al fútbol en la plaza o en la vereda. Eran tiempos también, en que los soldaditos no eran tomados como formadores de violencia o de actitudes militaristas, sino simplemente, un medio para plasmar todas esas aventuras que bullían en nuestra imaginación, imaginación ricamente alimentada por libros e historietas, amén de las películas de "Sábados de Super Acción". Hoy, es imposible conseguir soldaditos de ningún tipo. O los pocos que se consiguen son muy berretas, o muy caros. Pero en aquellos tiempos gloriosos, uno iba al cine a ver "Simbad el marino", volvía flasheado, y al día siguiente el padre de uno podía aparecerse con esto:

"¡Simbad!", exclamaba uno. Y de inmediato se lanzaba a reproducir las hazañas que había visto en la película. Eran tiempos en los que los chicos sabíamos qué era un cowboy, qué era un romano, qué era un caballero medieval, qué era la Legión Extranjera. Hoy, te pasa que viene tu sobrino de diez años y te pregunta qué es un árabe. Pero en aquellos tiempos uno podía quedarse horas, tardes enteras, inventando aventuras, construyendo castillos con libros -si uno estaba en un departamento- o con maderitas -si uno estaba en un jardín- o incluso podía tener el fuerte y la caza del sheriff, un clásico de la época. Los soldaditos Timpo se conseguían en los kioscos. Como éste muchacho, quien me desveló desde la vidriera del kiosco de la esquina de casa durante un mes, hasta que junté las monedas necesarias para comprarlo:
Hoy, estos soldaditos no se consiguen. O sí, si estás dispuesto a a pagar cifras entre 70 y 90 dólares por cada uno de ellos. Cuando pienso que tenía literalmente decenas de ellos y que quién sabe qué les ocurrió, se me estruja el corazón. Pero no, no por la guita que podría sacar vendiéndolos. Jamás los vendería. Es por todas las batallas, por todas las aventuras que ya no podrán ser.

Yo lo tenía y hoy en Ebay sale ¡125 dólares!

Tenía literalmente una centuria de legionarios, divididos en cuatro manípulas, una de cada color (amarillo, verde, rojo y negro)

También tenía una cantidad importante de cruzados. Hoy solo me quedan tres, a caballo.

Videos del mes

2008-11-30T19:30:00.000-08:00

Ahí va diciembre, con lo último que me queda en el tintero de la gloriosa nación alternativa de los '90. Rock on!

“Sex type thing” – Stone Temple Pilots
Este fue el tema con el que me enamoré de la banda. Y no hay con qué darle.

“Disarm” - Smashing Pumpkins
Esa joya pop que es "1979", la potencia de "Zero", las dinámicas de "Bullet with butterfly wings", la épica de "Muzzle". "Mellon Collie" tiene tantos temas, pero preferí la delicada nostalgia de esta canción y este disco, justo antes de ser megaestrellas...

“Stinkfist” - Tool
Simplemente: ¡qué bueno que es Tool!

“Know your enemy” - Rage Against the Machine
Podría poner el primer disco entero, pero como solo puede elegir uno... All of these are american dreams!

“Green machine” – Kyuss
Un toquecito de stoner rock para cerrar.

Before sunset

2008-11-14T18:17:00.000-08:00

Este sería un atardecer cualquiera, sino fuera porque es en Marte (cliquear sobre la imagen para verla grande).

Videos del mes

2008-10-31T18:56:00.000-07:00

Y en noviembre, mes de mi cumpleaños, como no podía ser de otra manera, la cosa va a ser a puro grunge, y exclusivamente de Seattle.

“Smells like teen spirit” - Nirvana
Obvia, sí, pero esta canción me cambió la vida y a unos cuántos más. Y manteniendo la línea de obviedad, va con el video original, que es magistral. Obviamente, pueden obviar este tema.

“Gun” – Soundgarden
Oh bueno, Soundgarden tiene tantos pero tantos buenos temas... Pero este es uno de mis favoritos de los viejos tiempos. Y encima sacado de "Louder than live".

“Ain’t like that” - Alice In Chains
Ladies and gentlemen: the coolest singer on the face of Earth.

“Once” - Pearl Jam
¡Oh hermosos tiempos de Pearl Jam! Tengo una foto de este recital en la tapa de mi carpeta de mis tiempos de universitario. Y un tema que toda mi vida quise hacer con alguna de las bandas en las que estuve, pero no pude.

"Hallo of ashes” - Screaming Trees
Me costó mucho elegir un tema de los Screaming Trees. Mi mente -o lo que queda de ella- pensó automáticamente en hits como "Nearly lost you", "Shadow of the season" o "All I know", pero opté por "Hallo of Ashes", que prueba todo lo bueno y original que fue el último disco de la banda.

Bonus track:
Como auto regalo de cumpleaños anticipado, me entrego ami mismo este clasiquísimo, con el mejor dueto de los '90. Y soy tan bueno que lo comparto con todos ustedes.

“Hunger strike” - Temple of the Dog

Popurrí de alta velocidad

2008-10-29T07:51:00.000-07:00

Últimamente ando hasta las manos con los tiempos. Demasiado. Tanto, que no tuve tiempo de escribir ninguna de las cosas que tenía ganas. Por eso este popurrí, para al menos dejarlas planteadas.

- El Superclásico. Boca ganó uno de los más devaluados -según el plumerío- de los últimos tiempos. Craso error: ningún superclásico está devaluado per se, y menos si lo ganás de visitante, con un hombre menos y dejando a tu rival en el último puesto de la tabla. ¿Las perlitas? Los hinchas de River, que constantemente se autorevindican como incondicionales de su equipo, puteando a sus jugadores en el primer tiempo y dejando la cancha antes de que termine el partido. Después hablan de banderas negras... La otra perlita: ese taco excelso de Román (chequear a partirde los 2'15) en el último minuto del partido es un verdadero poema futbolero.

- R.E.M.: Lamentablemente mi situación financiera me va a hacer perderme ese recital. Así, en lo que va del año no pude ver a: R.E.M., Kaiser Chiefs, Mars Volta, Nine Inch Nails, Black Rebel Motorcycle Club, The Cult, The Hives, The Jesus and Mary Chain... Este sin dudas ha sido el año más "para atrás" de mi vida en cuanto a asistencia a recitales.

- Diegote en la Selección. Fue una verdadera crónica de una decisión cantada. ¿Alguien podía dudar de que Diego iba a ser el elegido? Ya era hora. Se lo merece como nadie y está en un gran momento anímico-mental-salud. Solo quienes, por edad o desinterés, no pudieron verlo defender la camiseta de la Selección, pueden estar en contra o no entender las razones de esta elección. Puedo equivocarme, pero le tengo una fe ciega. Eso sí, el grado de poder dictatorial de Grondona no deja de generarme una náusea profunda: la Selección es de su propiedad privada de él.

- Las AFJP. Un tema tratado como todo en la Argentina. A ver, las AFJP como institución fracasaron estrepitosamente. Si las AFJP quiebran, mi guita se la queda el señor AFJP y andá a cantarle a Gradel. Pero para un enorme sector de la población, la palabra Estado es sinónimo de curro e ineficiencia, al lado de la panacea que representa el sector privado. Entonces, en un principio, comparto la idea de reestatizar las jubilaciones, porque creo en el Estado y descreo del discurso deificador de lo privado. El problema es el de siempre. ¿De qué Estado estamos hablando? ¿Del sueco, del estadounidense, del chileno? ¡Nooooo, amigos y vecinos! Estamos hablando del Estado argentino que lleva años demostrando que sí, es ineficiente, chorro, clientelista, etcétera. En consecuencia, con uno o con otro me voy a quedar sin plata si es que llego a viejo. La única diferencia es que al Estado podré reclamarle que me devuelva la plata, mientras que al señor AFJP no, porque no voy a tener guita para tomarme un avión a las Bahamas.

- La sensación de inseguridad. Tema urticante como pocos, también es tratado the argentine way. Porque si bien los lectores de La Nazion piden Napalm sobre La Cava y Fuerte Apache (posta) y criminalizan la pobreza, también es agotadora la postura de la izquierda que de tan concentrada en cambiar el fondo -algo que lleva años- termina no cambiando nada, y encima trata las noticias como las trata: basta leer la exasperante levedad con que Página 12 trata la noticia del gendarme asesinado "por diversión" en Fuerte Apache para comprenderlo. Está claro que, como para la derecha solo los burgueses somos gente honesta y trabajadora, para la izquierda solo el proletariado tiene derechos humanos. En fin...

I'll give you something that you won't forget

2008-10-16T13:30:00.001-07:00

"Hace mucho que queríamos venir", dijo Weiland y doy fe que no fue demagogia. Porque allá por el '94 tuve mi entrada para verlos en Obras, y hubo que devolverla cuando se canceló la fecha, encarcelación de Weiland mediante. Bien, les tomó 14 años, pero volvieron para reivindicarse. Y vaya si lo hicieron...
Cuando vi a Weiland en el poster del Pepsi pensé: "Este muchacho no llega con vida al recital". Pero después entré yo en la competencia: el domingo me agarré una angina brutal y el martes a la noche estaba haciendo un revival de Fundaleu, con 40 de fiebre, el cuerpo sacudiéndose en chuchos de frío, y las sábanas empapadas. Lógicamente, si esperé 14 años, sabía que iba a estar ahí aunque sea con 40 de fiebre. Y estuve nomás.
Para la ocasión contaba con la asistencia de varios amigos, todos amantes de los STP, pero sin relación entre ellos: Mariano, Matías, Jero, Santz y Maga. Intenté encontrarme con todos, pero sin éxito. Mariano se ubicó al pie de una de las torres y alegó "ya no estar para estas cosas", por lo que no se mandó adelante. A Santz lo encontré -o mejor dicho me encontró él de casualidad- recién al final. Mi querido amigo Matías hizo honor a su apodo de "Torrado" y llegó tarde, así que nos encontramos a la salida. Con Maga nunca pude pasar de la comunicación vía SMS. Y con el que sí me encontré fue con Jero, con quien nos lanzamos hacia la batalla. Porque a diferencia de otros recitales en ese mismo estadio (Cornell, Patti Smith, Stooges, New Order), en los que la asistencia habrá rondado las 10 lucas, acá había el doble. Estaba hasta las manos, lo que me dejó en claro que el grunge acá tenía un público, pero le faltaban bandas locales acordes.
Como en Pearl Jam, fue hermoso meterse en el túnel del tiempo y ver bermudas, camisas leñadoras y remeras de las que ya no se venden. Pero fue más hermoso aún lo que entregaron los Pilots. Es que había mucho temor previo sobre el estado de Weiland; algunos rumores decían que se olvidaba las letras, otros que se quedaba sin voz a mitad del recital... Toda esa batería de paranoia fue desactivada por completo, apenas la banda apareció de la mano de "Big empty". Porque Weiland tenía su voz intacta, como también su showmanship. Cierto, como alguno dijo por ahí, su ronroneo a la hora de hablar entre tema y tema elevaba sospechas de empastillamiento, pero quien ha visto videos de la banda en vivo, sabe que el tipo es en general, digamos... sinuoso. Y el resto de la banda estaba en forma, así que se abocaron a incendiarnos la peluca.

Porque, queridos amigos y vecinos, la banda no estaba presentando disco alguno, ergo se despacharon con una ametralladora de clásicos y no tanto, como para que nos sacaramos la leche de años de espera. De hecho, por como venía el panorama, en un momento llegué a tener la esperanza de que por fin se me diera ver una banda que tocara absolutamente todos mis temas favoritos. Pegó en el palo, porque faltaron "Unglued" y "Pretty Penny". Pero tocaron nada más y nada menos que siete temas de su primer disco, y eso sí que no suele ocurrir. Y nos licuaron el cerebro de grunge con "Big bang baby", "Lounge fly", "Vasoline", "Carckerman", "Dead and bloated" y sí, sí, "Sex Type thing". Era como haber saltado al '94. También tocaron cosas como "Interstate love song", "Creep", y "Plush", singles que fueron cantados por el público palabra por palabra, aunque no se cuentan entre mis favoritos. Metieron los dos mejores temas de "Nº4" ("Down" y "Sour girl"), y sorprendieron con cosas como "Sin" y "Wicked garden". En fin, tocaron casi todo lo que había que tocar, y lo hicieron de puta madre, como para dejar en claro que, lo que se dice rock, se terminó a mediados de los '90.

Videos del mes

2008-10-07T10:03:00.000-07:00

Entramos en los '90 de la mano de algunas bandas que nacieron en los '80 pero alcanzaron su máximo nivel de grositud en la hermosa década del grunge y el brit pop. La excepeción es Depeche, que parecía condenado a desaparecer entre tantas guitarras distorsionadas y supo reinventarse a sí mismo.

“Rush” - Depeche Mode
Uno de los muchos temas que me parten la cabeza de "Songs of faith and devotion".

“Kool thing” – Sonic Youth
¡Hay tantos temas de Sonic Youth! Pero éste es unaprueba de la grositud de Kim. Y además me trae muybuenos recuerdos.

“Leave” - R.E.M.
Descomunal canción de uno de los discos más infravalorados de R.E.M. Siempre quise hacerla con Zelig.

“Midlife crisis” - Faith No More
Mi favorita de Faith No More, lejos. Patton sos demasiado groso.

“Chloe dancer/Crown of thorns” – Mother Love Bone
Algo se estaba gestando en el noroeste...

Bonus track:
“Three days” - Jane’s Addiction
Simplemente la mejor canción de todos los tiempos. Ergo, merecía una excepción a la pedorra regla de cinco videos por mes.

Cadena nacional

2008-09-27T19:04:00.000-07:00

Me sumé a la pequeña cadena de mi amigo Fede que consiste en exponer 6 simples cosas que te hagan feliz.

Las mías:
1- Estar en mi casa con mi mujer y mis hijos
2- Arte: Música, libros y cine
3- Jugar y ver fútbol, en ese orden.
4- Viajar
5- Charlar con mis amigos
6- Tomarme un café mientras miro por la ventana

Chapeau, Heath

2008-09-05T09:34:00.000-07:00

Hacía semanas que quería hacerlo pero, ustedes saben (o no), los niños y sus tiempos -y más con la edad de los nuestros- pueden volver imposible hasta la cosa más sencilla. Como ir al cine, por ejemplo. Pero claro, me negaba a tener que resignarme a verla en DVD.
Por eso, finalmente, anoche enganché una función a las 22, en el Unicenter, y dije: "me voy". Mi señora, que me conoce, que sabe de mi devoción por el personaje, se bancó apechugar solita con los tres infantes y así pude, finalmente, partir a mi encuentro con El Caballero Oscuro.
Qué decir... Qué bueno es cuando uno va a hacer algo con grandes expectativas y éstas son incluso superadas. ¡Esa sí que es una sensación!
Pues bien, "Batman, el Caballero Oscuro" consigue eso. Es una película magistral, perfecta. La mejor de superhéroes, por lejos, que se haya hecho hasta ahora. Y cuenta con el bonus del más grandioso Guasón de la historia del cine. Heath Ledger logra en esta que Jack Nicholson, nada menos, no llegue ni a atarle los cordones.
Sépanlo: no es para niños. Cómo podría serlo, estando Christopher Nolan detrás de cámaras. Es demasiado oscura, demasiado compleja, demasiado violenta.
El ritmo es impresionante, no te da respiro. Pero no es el ritmo de las películas de acción hollywoodenses, hecho de explosiones y persecuciones. Es ritmo cinematográfico. Es el pulso psicótico que le mete El Guasón. Es la tensión de una telaraña que se va armando alrededor de los protagonistas, sin que ellos puedan controlarla o siquiera darse cuenta, hasta que les explota en la cara. Es una caída hacia el vórtice de un huracán, lunático huracán como esa carcajada final del Guasón. Con ribetes shakespereanos, el filme se va crispando, oscureciendo, al compás de la decadencia moral de los protagonistas.
No es una mera película de superhéroes -de hecho: Batman no es un mero superhéroe-, es una obra maestra del cine policial. Es sencillamente im-per-di-ble. No digan que no se los avisé.

Videos del mes

2008-09-04T16:19:00.000-07:00

Cerramos los '80 con unos cuantos héroes. No, no está Depeche Mode, pero no se preocupen, va a estar en los '90 con un tema de esa época.

“Bizarre love triangle” - New Order
Sí, tal vez es obvio, pero es un clásico inoxidable.

“There’s a light that never goes out” - The Smiths
Una de las cinco mejores canciones de la década, lejos.

“No new tell to tale” – Love and rockets
Tremenda. Incluye flauta a lo Jethro Tull.

“Running to stand still” - U2
Pelea palmo a palmo con One, pero a esa ya la puse.

“Build” - The Housemartins
Una de las tantas demostraciones de grositud de los Housemartins.

¡Fuerza Titán!

2008-08-24T20:26:00.001-07:00

Con ese temple que te hace único, muy pronto vas a estar de vuelta inflando redes.

Mirá como me río

2008-08-19T18:57:00.000-07:00

¡Qué lindo, por favor! Pocas cosas que me gusten más que terminar con la gran mentira brasileña. Pocas cosas que me gusten más que dejarlos expuestos así, tan descarnadamente, tan humillados y calientes. Porque es en estas cuando se les nota que no saben perder, que pegan como cualquier hijo de vecino, que el jogo bonito es algo de allá lejos y hace tiempo, que no siempre pueden salir bien parados por más ayudas arbitrales que les regalen...
Cómo me gusta que aunque digan que a ellos solo les interesa el Mundial y menosprecien todo aquello en lo que no pueden brillar como nosotros -Copa Libertadores, Copa América, Juegos Olímpicos- cuando pierden se les nota que no es verdad en esas caritas de frustración, en ese descontrol expresado en patadas y protestas mariconas.
Dicen que Román no se ríe y Ronaldinho sí. Quedó claro que depende de las circunstancias...

And nothing else matters

2008-08-11T16:42:00.001-07:00

El jueves 7 de agosto nació Lucía.

Videos del mes

2008-08-02T19:44:00.000-07:00

"Hells Bells" - AC/DC
Comenzamos el costado metalero de la década del '80 como se debe...

“The Trooper” - Iron Maiden
La Dama de Hierro en su mejor época. Venerese la calza de Steve Harris...

“Creeping death” – Metallica
¡Hola mi amigos!

“Welcome of the jungle” - Guns ‘N’ Roses
We've got fun and games!

“Love removal machine” - The Cult
El riff es robado, el peinado de Duffy es aterrador, pero el tema es de la hostia.

Supermassive White Rock

2008-07-26T11:15:00.001-07:00

Este paparulo se encontraba como lo ha estado los últimos días: al borde del colpaso, producto de una ampliación en la familia, que forzó una ampliación en la casa, que forzó una ampliación en el presupuesto, que forzó una ampliación en el horario laboral, que forzó una ampliación en el stress de quien escribe. Cuestión que me llama mi primo Hernán y me pregunta: "¿Vas a ir a ver a Muse?". "¡Ah! ¿Vienen?", pregunté despistado, calculando que vendrían al Pepsi Music o algo así. "¿Cuándo tocan?", pregunto. "En dos semanas, decime porque estoy haciendo la cola para comprar las entradas", me apura.
La cosa, entonces, empezó así. No me imaginaba que iba a ver a Muse y mucho menos tan de un día para el otro. Lógicamente, me sumé a la adquisición de un pullman a módicos 30 dólares, y -como dijo Hernán- "agradeciendo a los oligarcas que se compraron todas las de 100 dólares" que nos hubieran resultado inaccesibles y dejándonos el remanente a los subhumanos.
El sitio era el Gran Rex, donde había estado por última vez viendo a Winton Marsalis, y donde mi última -y única en ese lugar - experiencia rockera había sido con el gran Lou, allá por el '96. No he visto muchos recitales de bandas grosas en teatro, apenas dos veces a Lou, dos a Fish (invitado por mi hermano) y una a Jethro Tull. Así que me sentí bastante raro. Por un lado se agradece poder ver y escuchar con infinita comodidad, pero por el otro no hay que olvidar que esto es rock, y la pasión es elemental. De todas maneras -me hago cargo- mi gataflorismo es importante, ya que no me gusta ir a ver bandas grandes estadios, pero me congela verla en teatros. La posta es en micro estadios como el Club Ciudad, o como Obras. En fin...
Cuestión que fuimos con Hernán, y nos encontramos con dos amigos, Lucho y Miguel, que también se habían apersonado y estaban un par de filas más adelante.
Yo sabía cómo sonaba y se veía Muse en vivo, por posesión de un DVD de la gira de "Absolution", pero las imagenes correspondían a estadios, no a un teatro.
Pues bien, cuando los muchachos arrancaron para matar con la seguidilla "Map of the Problematique", "Supermassive Blackhole", "Dead Star" y "New Born", instantáneamente tuve en claro varias cosas. La primera y más importante es que los tipos aman el mismo periodo de tiempo musical que yo: '67 a '75. Pero, a diferencia de lo que harían bandas como los Black Crowes, por ejemplo, que son más clacisistas y se ven y suenan como una banda de esa época, Muse -en términos de sonido, estilo y composición- suena como una banda actual. Pero abrevan todo en el periodo mencionado. Y ese todo es, por ejemplo, el descomunal volumen al que tocan. Sin embargo, a pesar de semejante descarga de decibeles, los tres tipos -bien a lo 70's- son terribemente virtuosos, entonces suenan precisos, redondos, perfectos. Y uno no pueda evitar pensar en Rush. Matthew Bellamy se declara admirador de Hendrix y Robert Johnson y, aunque su música es claramente blanca y le debe más por momentos al Volga que al Mississippi, la herencia de Hendrix se ve en las cosas que trata de hacer con la guitarra, particularmente en el uso del feedback.
Y no solo a Hendrix, sino a todo el periodo mencionado, le deben esa voluntad por descontruir los temas y lanzarse de lleno a zapadas de neta cepa setentosa. A lo que se suma el carácter épico, por momentos bombástico, de su música que le debe tanto a Zeppelin -a quien homenajearon ya en el segundo tema- como a Queen. Muse tiene las lecciones bien aprendidas: su música es claramente "progresiva" en su concepto e intención, pero no se pierde en el onanismo barroco del rock sinfónico setentoso, sino que utiliza elementos de música clásica -y de otros estilos también- pero siempre en el marco del rock y de hacer canciones, con estrofa, estribillo y puente. Y, para cerrar el párrafo referido a las virtudes de la banda, la voz de Bellamy es descomunal. De hecho, venía de ver a dos tipos que estan en el indudable top 5 de las voces del rock (Cornell y Dickinson), y Bellamy entra en ese Top 5 seguro. Es realmente impresionante.

Pues bien, volviendo al clima del recital. La cosa bajó un poco los decibeles con "Butterflies & Hurricanes", "Feeling Good" y "Sunburn". No porque sean malos temas, para nada, sino porque después de un arranque demoledor, le bajaban un poco los decibeles a la cuestión y eso enfrió un tanto el panorama. Vino un pequeño jam entre la bata y el bajo y volvieron con "Invincible", un tema de esos que le gustan más a las chicas... Me empecé a poner mal. Estaba incómodo en un asiento, casi forzado a ver un recital de rock como si fuera un crítico de cine y encima los muchachos se me estaban poniendo mimosos.
Entonces decidí aplicar una argentinada. Espero me entiendan: el rock está ante todo.
Me fui de mi asiento y me senté escaleras abajo, a la altura de los que habían garpado 150$. Y, casi como justificando mi accionar, en ese momento Muse disparó en andanada cuatro de mis temas favoritos: "Hysteria", "Starlight", "Time is Running Out" y "Stockholm Syndrome". Fue, claramente, el momento en que más disfruté el recital. Terminado ese set, la banda se despidió muy escuetamente (cabe aclarar que el contacto con el público es mínimo) y se fue por bambalinas. Era obvio que iba a haber bises. Y los hubo nomás: "Soldiers Poem", "Plug in Baby", y "Knights of Cydonia" conformaron un cierre digno, aunque se hubiera agradecido sobremanera un "Muscle Museum", pero bueno, todo no se puede.
La conclusión final es que fue uno de esos recitales que, no sé si a alguno de los que leen esto le ha pasado lo mismo, disfrutás realmente cuando ya pasó y terminaste de sopesar el calibre de lo que viste. O para ser preciso como Muse: a pesar de que faltó pasión debido a las características del lugar, la banda me licuó el cerebro. Y eso siempre se agradece.

God (Part III)

2008-07-15T17:42:00.001-07:00

No le creo a Kichner
No le creo a Miguens
No le creo a Cristina
No le creo a Llambías
No le creo a Moreno
No le creo a Buzzi
No le creo a D'Elía
No le creo a De Angeli
No les creo a 90 mil en el Congreso
No les creo a 220 mil en Palermo
Creo en mí
Y esa es la única realidad.
El problema es que no sirve para nada.

El problema es que los 80 mil son muy pocos y si fueron por el chori, los 220 mil son demasiados y fueron por un chori de otro tipo. Y se dan tan poca cuenta como aquellos a los que les dedican sus carteles.

No me sorprende la convocatoria del gobierno. Ya es mucho que 80 mil tipos se banquen escuchar el enésimo discurso delirante y paranoide que habla de golpismo, desestabilización y grupos de tareas. Si encima recortamos a los que fueron llevados por punteros, el número se vuelve aún más triste. Pero es el número que se merece este gobierno porque este gobierno es triste. Triste porque como bien dice Caparrós: "La idea de que este gobierno se merece apoyo porque sus enemigos son nefastos no me satisface". Yo quiero apoyar al gobierno porque me da motivos para apoyarlo, porque tiene propuestas, porque me demuestra en acto que es distinto a aquellos a los que desde la retórica dice estar enfrentado. Yo quiero un gobierno al que le pueda creer eso de la redistribución de la riqueza y la igualdad social, porque veo que lo hace, además de decirlo. Pero no, lo único que veo es el enfrentamiento rabioso y constante.

Y tanto enfrentamiento agota. Especialmente porque es el enfrentamiento entre dos facciones por un billete al que todos los que miramos -y la enorme mayoría de los que apoyan a una u otra facción- no vamos a tener acceso, como nunca lo tuvimos. Esa posibilidad jamás estuvo en los planes.

Entonces, me asustan las 225 mil personas. Me asustan porque en la masa es muy difícil dirimir los grises. Me asusta porque cuando llambías dice "Está todo el país presente" nadie se detiene cinco milésimas de segundo a sopesar el significado real de esas palabras. Me asusta porque cuando Llambías dice "No nos van a poner de rodillas", me pregunto a quiénes abarca ese "nos". A mí no, seguro. Pero a los pequeños productores tampoco. Ni al 99% de los tipos de clase media y media alta que fueron a Palermo. Me asustan porque digo, ¿no se dan cuenta? ¿Pueden aplaudir a un tipo que en la jeta les dice "que paguen el lomo a 80$?".

Estamos mal. Vamos peor.

La libertad tiene su precio

2008-07-06T20:10:00.001-07:00

Caminando por Florida encontré un muchacho que vendía películas truchas y que para mi sorpresa no solo tenía cosas como "Meteoro" (que le compré a Iván) o "Hulk", sino también "I'm not there" y "Persépolis", dos películas a las que les tenía ganas desde hace largo rato pero que mi falta de tiempo libre para ir al cine me había impedido ver.
Pues bien, gracias la piratería, tuve la chance de ver una de las mejores películas de los últimos años. Si "Persépolis" no es una obra maestra, pega en el travesaño, pica en la línea, pega en un palo y sale. Suscíntamente es la historia de Marjane Satrapi, una chica iraní que vive la caída del Sha, y el subsiguiente gobierno teocrático de los Ayatollah, que la fuerza a tener que irse a vivir a Francia para encontrar algo de libertad. La película es, justamente, un canto a la libertad. Pero no desde un lugar pedorramente hollywoodense. "Persépolis" está cargada de poesía, de humor, de tristeza, de una exquisita belleza, de la sabiduría que dan los golpes y de una enorme necesidad de vivir. El dibujo de Marjane Satrapi es notable en su expresividad y nos sumerge en la historia de una manera que no sé si hubiera sido posible si la película hubiera sido protagonizada por actores de carne y hueso. Y la historia en sí está fantásticamnte narrada, ya que te va sumergiendo en la opresión del gobierno de la Revolución a través de los pequeños detalles cotidianos, de la progresiva pérdida de libertad, del diario desencanto en el que suelen terminar las revoluciones, que llegan para dar luz a un mundo nuevo y terminan generando un infierno. No quiero extenderme demasiado en desmenuzar la película, ni en hacer un crítica. Solo quiero recomendarla decididamente a cualquiera que quiera ver CINE de verdad.

It's sad...

2008-07-04T19:01:00.000-07:00

Hoy pensaba en las canciones que me hicieron llorar. No son muchas. Pensaba también en cuáles de esas canciones me habían hecho llorar por las características emocionales propias de la canción, y cuales por que simplemente aparecieron en momentos emocionales complicados para mí. En general, como es lógico, se trató del segundo caso.
Pues bien, extrañamente hay una sola banda que tiene dos canciones que me llenaron los ojos de lágrimas. Es Pearl Jam. La primera canción de Pearl Jam que me hizo moquear fue "Black". Era 1992, mi novia Astrid me había dejado para irse a estudiar a Estados Unidos y estaba hecho un moño. Creo que el único dolor que considero hermoso es el dolor por amor, el dolor de raíz romántica. El corazón es un músculo elástico, y ni hablar cuando se trata de amores perdidos. Nuestro mundo parece desintegrarse y perder todo sentido y nos arrastramos como patéticas muecas de nosotros mismos, llorando por nuestro corazón roto y por la pérdida del ser amado. Muy en el fondo, disfrutamos ese dolor.
Claro, hay otros dolores. La siguiente vez que me hizo llorar "Black" fue en 2005. Hacía veinte días que había salido de FUNDALEU y estaba viendo a Pearl Jam. En aquel momento, me costaba creer que estaba vivo. Era una sensación de irrealidad constante. Me miraba las manos, los dedos, y los movía, tratando de captar que eran míos, y que los estaba moviendo porque estaba vivo. Es muy difícil de explicar lo que sentía en ese momento. Pero, estando en el recital, émpezó a sonar "Black" y me quebré. Empecé a llorar a mares, inconteniblemente. Estaba descargando toneladas de angustia. Prefiero llorar por amor...
Pero hay otra canción de Pearl Jam, que es una de mis favoritas y que me ha hecho llorar también. Se llama "Sad" y está en "Lost dogs". El 23 de diciembre de 2005, un mes después del recital de Pearl Jam, menos de dos meses después de que saliera de FUNDALEU, se murió mi primo Feni. Tenía 34 años y para mí era un hermano, sin un mínimo atisbo de exageración. De hecho, como teníamos casi la misma edad, era como un mellizo. Feni murió de un aneurisma. Fue de pronto, sin aviso previo. Un tipo deportista, sin vicios, pero que laburaba demasiado: era cirujano infantil y laburaba le pagaran o no. Tenía un corazón gigante, pero ese corazón le falló de pronto. Dejó a su mujer y a su hija, de la misma edad -en ese entonces- que mi mujer y mi hijo. No solo fue perder a un hermano, se le sumó ver reflejado en él, lo que podría haberme pasado a mí. La realidad es que fines de 2005 y principios de 2006 no fueron los tiempos más sanos para mí, mentalmente hablando. Bien, la letra de "Sad" es para mí como si se la cantara la mujer de mi primo a Feni.

"If just one wish could bring him back..."

Videos del mes

2008-07-01T06:38:00.001-07:00

Terminamos los '70 y empezamos a introducirnos en los oscuros '80. Claro, por suerte los '80 no fueron solo lo que pasan por Aspen...

“So lonely “- The Police
Traten por un segundo de olvidarse de la imagen enyoguizada de Sting, para recordar qué buena banda era the Police...

“I believe in miracles” - The Ramones
¿Pensaron que me había olvidado de ellos? ¡Ja! Solo que mi tema favorito de esta banda es los '80.

“Shadowplay” - Joy Division
Otro enorme tema de Joy Division, y van...

“Bela Lugosi’s Dead” - Bauhaus
Esto es gótico, el resto es gilada.

“A night like this” – The Cure
Hace más de veinte años que amo esta canción exactamente igual que la primera vez.

Un alegrón

2008-06-29T19:00:00.000-07:00

Soy hincha de Boca rabioso, como habrá podido comprobar cualquiera que haya leído este blog. Pero claro, Fede, mi mejor amigo de la infancia era hincha de Independiente, a lo que se sumaba que durante mucho tiempo les envidié dos cosas: Bochini y la mística copera. Por eso, muchas veces fui a ver a Independiente -bah, en realidad, fui a ver a Bochini- durante los '80. Por suerte, les arrebatamos la mística copera, y tenemos a nuestro propio Bochini (Román, para quien no haya visto jugar al Bocha), con lo que ya no les envidio nada, y ahora la simpatía que me queda tiene que ver con mi amistad con Fede.
Pero claro, la vida me regaló otros dos grandes amigos, Matías y Agustín. Con Matías somos amigos desde hace 25 años, con Agustín desde hace 12. Ambos son de Racing. Y, a través de ellos, por verlos sufrir la mayor parte de las veces, festejar las menos, pero apasionarse siempre, fue que mi simpatía se inclinó hacia la Academia. Y también, por ver a esa hinchada increíble, estoica y fiel como no hay dos. En 2003, cuando Racing cumplió cien años, escribí esto:
"Hoy la Academia cumple cien años de existencia, cien gloriosos años teñidos de celeste y blanco, construidos con fintas y gambetas, y también con alguna lágrima. Porque el hincha de Racing sabe de la gloria y del dolor, como pocos. Por eso, como pocos, entiende del sentimiento, de la pasión interminable, del amor a prueba de balas. La Academia, club señero si los hay, primero en todo, si hasta se dio el lujo de conseguir lo que nadie ha podido superar: ¡siete campeonatos al hilo! Porque el amateurismo existe, ¡vaya si existe! En esos tiempos en los que lo que importaba era el noble amor a la pelota y no los sponsors o el partido televisado, Racing bordó un sueño de fútbol bien nuestro y, de tanto dar cátedra, se volvió Academia. Y llegó el profesionalismo y Racing volvió a ser el primero: en ganar un tricampeonato, en ser campeón de América, en ser dueño del mundo. Los Maschio, Cejas, Chueco García, Corbatta, Basile, Cárdenas, Perfumo, Fillol, Rubén Paz, el imborrable José, esos nombres que son sinónimo de glorias pasadas e inolvidables. Los Milito, Bastía, Mariano González son la promesa del mañana. ¿Treinta y cinco años sin salir campeón? ¡Qué mejor manera de templar a fuego el sentimiento celeste y blanco! ¡Qué mejor manera de dar cátedra una vez más, esta vez a los otros hinchas y en materia de la pasión! Hoy cumplís 100 años, Racing, y como decía tu hincha más entrañable "las nieves del tiempo blanquearon tu sien", es cierto, pero agigantan tu gloria. Felicitaciones, Racing. Con admiración genuina. Un hincha de Boca".
Hoy Racing bordó otra hazaña del corazón y me hizo gritar un gol ajeno como si fuera de Boca. Y este hincha de Boca se alegra otra vez, porque Racing sigue donde debe estar, donde Agustín y Matías y toda la Guardia Imperial merece que esté. Racing es de Primera, y de Primera no se va. ¡Chapeau!

La pelota no se mancha

2008-06-25T06:52:00.001-07:00

Hace 10 años laburaba como redactor de una revista infantil y se estaba haciendo una suerte de enciclopedia de la Argentina que tocaba numerosos temas: desde historia y geografía, hasta ciencia y deportes. Una conocida escritora infantil tenía a su cargo la parte de Deportes y estaba eligiendo los grandes campeones y figuras del deporte argentino: así aparecían el Diego, la Selección del '86, Reutemann, Fangio, Vilas, Sabatini, Porta... Pero faltaban el campeón del '78 y Monzón.
En una reunión de redacción señalé ambas ausencias, imaginando de todas maneras por dónde venía la mano. Monzón quedaba afuera por dos motivos: estaba en la cárcel por matar (accidentalmente) a su mujer y además ella no consideraba un deporte al boxeo. Y el Mundial '78, según su visión de las cosas, no podía estar bajo ningún concepto ya que había sido "propaganda del Proceso".
Respecto a Monzón, mi respuesta fue: "Flaca, el Diego se da con merca, ¿lo vas a sacar por eso? ¿Vas a negar la dimensión deportiva (que es de lo que estás hablando) por las desgracias de su vida personal? Además, vos no podés decretar que el boxeo no es un deporte. Si no, dejá afuera al rugby también, que puede llegar a un alto grado de violencia y no lo pongas a Porta". Obviamente no le hizo mella, como tampoco lo haría mi opinión respecto al '78.
A ver, todos sabemos en qué contexto se desarrolló ese Mundial, todos sabemos que la ESMA estaba a apenas unas cuadras del lugar en el que se jugaba la final, todos sufrimos el mismo asco al ver las imagenes de la Junta festejando en el palco, nadie tiene dudas de que el Proceso pensó en utilizar el Mundial como una formidable propaganda para el regimen. Todo eso está claro.
Pero de allí a menoscabar el logro deportivo, por esos motivos, hay una distancia importante. Por un par de razones.
La primera de ellas es futbolística. Argentina fue el mejor equipo del torneo, claramente. Incluso en el partido que perdió con Italia, lo hizo inmerecidamente. Los jugadores no estaban al tanto de lo que ocurría -con la excepción de Tarantini, que tenía un familiar desaparecido- y por otra parte estaban jugando para darle una alegría al hincha, no a Videla y cía. Argentina no tuvo el camino fácil: perdió con Italia, lo que hizo que tuviera que irse a jugar a Rosario, empató en un partido durísimo con Brasil, y tuvo que ir al alargue con Holanda, con un tiro en el palo a segundos del final. Por otra parte, repasemos rivales: Holanda, Francia, Italia, Brasil, la Polonia de esa época que era una maquinita... Jodido. Pero a casi todos ellos los superó con autoridad, jugando muy bien al fútbol.
Después está el famoso partido con Perú. Hay varias lecturas para ese partido. Lógicamente, los detractores de la Selección del '78 dan por descontado que estaba arreglado. Pero cualquiera que recuerde un poco más allá, puede enumerar un par de conceptos importantes. Argentina tenía que hacerle 4 a Perú, pero le hizo 6. Apenas dos meses antes le había clavado 4 en un tiempo y en Lima. Perú perdió todos los partidos de la segunda rueda: 1-0 con Polonia y 3-0 con Brasil. De hecho, llegó al partido con Argentina después de perder con Polonia y Brasil. Es decir, llegó a enfrentar a la Argentina derrumbado anímicamente, vapuleado futbolísticamente y eliminado de la competencia. Ergo: golear a Perú no era una misión imposible ni mucho menos. Con un panorama semejante, Argentina le metió 6 a Serbia en el último Mundial. Pero encima, antes de los primeros quince minutos de juego, Perú le metió dos tiros en los palos a la Argentina. Dos tiros que si entraban, andá a cantarle a Gardel. Cualquiera que haya jugado alguna vez, sabe que los tiros en los palos no son algo arreglable. Uno la puede tirar a las manos del arquero, o reventarla por encima del travesaño, pero nadie está capacitado técnicamente para darle adrede a un palo con la pelota en movimiento. Amén de que, quien revea el partido, se va a dar cuenta de que los peruanos le metían rigor a la marca, no era que los jugadores argentinos pasaban caminando. A lo que voy es: ¿puede haber habido un arreglo? Qué duda cabe, estamos hablando del Proceso, tratando de asegurarse el peso propagandístico que podía tener una Argentina finalista del Mundial. Pero la realidad dicta que, en primer lugar, el arreglo no ha podido ser demostrado aún. Y, en mi opinión personal, de haber existido se me ocurre que no todo el equipo peruano estaba arreglado, porque si no, no se explican ni los dos tiros en los palos, ni la vehemencia con que jugaron los peruanos. Y hay algo que me queda clarísimo: si algunos jugadores peruanos fueron a menos, los jugadores argentinos no tenían la más mínima idea.
Justamente, la vida de cronista deportivo me ha llevado a conocer a muchos de los jugadores del '78. Y qué quieren que les diga: tipos como Fillol, Luque, Kempes, Bertoni, Ardiles, el Tolo Gallego, son tipos nobles, rectos, a los que realmente les duele que los quieran poner en un papel que estuvieron lejos de protagonizar: el de cómplices de la dictadura.

La otra gran razón podría denominarse como política, aunque no estoy del todo seguro si ese es el término adecuado. En este plano, entiendo que la realidad es que en 1978, la cantidad de gente que sabía lo que estaba pasando era menor. Sacando de la película a aquellas partes interesadas (los que sabían y apoyaban que así fuera; y los que sabían, y luchaban contra lo que estaba ocurriendo), había una enorme masa de gente que no sabía de la existencia de desaparecidos, ni de los campos. Y no es algo tan extraño que así fuera. Durante la Segunda Guerra Mundial, millones de alemanes no tenían ni idea de la existencia de los campos de concentración ni de la Solución Final. Pensaban que los judíos habían sido deportados, pero no se les cruzaba por la cabeza otra posibilidad, porque no les cabía en la cabeza -además- una posibilidad tan horrorosa.
Siguiendo esa línea de pensamiento, no puede caerse en esa postura condenatoria de "deberían haber sabido, deberían haber tomado posición". No podían saberlo. E, incluso, en el caso de saberlo no tenían por qué tomar posición. E incluso si hubieran tomado posición, se torna absurdo boicotear un hecho deportivo porque los milicos quisieron utilizarlo políticamente. Aclaro esta última apreciación, por que sé que puede ser tomada para el churrete. La utilización política de eventos deportivos es un clásico de la Historia. Lo ha hecho Mussolini con el Mundial de Italia y Hitler con los Juegos Olímpicos. Y también lo hizo Alfonsín en el 86 y el Turco en el 90, llevando a Diego & Co. al balcón de la Rosada. Yo pregunto, ¿alguien fue tan pelotudo de creer que Alfonsín o el Turco tuvieron algo que ver con el éxito deportivo de esas selecciones? A lo que voy: es cierto que si los boludos volaran sería todo el tiempo de noche, pero la gente no es taaaan pelotuda. Nadie pensó que la dictadura tenía algún merito en lo que hicieron Kempes y los suyos dentro del campo de juego. Nadie. La propaganda no funcionó.
Por otra parte, como bajo toda dictadura, existía una mayoría silenciosa, que trataba de seguir haciendo su vida lo más "normalmente" posible. Alguno podrá reclamarle cobardía, pero no todo el mundo tiene por qué ser valiente. Ya lo graficó Quino alguna vez con Felipe, puesto entre la alternativa de "Morir de pie o vivir de rodillas", él eligió su "Y digo yo, ¿no es posible subsistir sentado?". Seres humanos, no superhombres. Para esa porción de gente, mayoritaria ella, que en general no sabía lo que ocurría más allá de la propaganda oficial, el Mundial era una buena excusa para estar unidos con lo único que parece capaz de unir a la gente en este país: la Selección. Y entonces festejó y disfrutó conforme a la dimensión del evento: Argentina campeón del mundo por primera vez.
No se puede buscarle la quinta pata al gato siempre. No me cierra el concepto bushiano: estabas a favor o en contra de la dictadura. Si no tomabas posición eras cómplice. Dejemos la ausencia de grises para Hebe, o para Patti. Porque si se asume esa postura, todo lo que haya sido hecho en cualquier campo, entre 1976 y 1983, es pausible de ser repudiado como posible propaganda dictatorial o como escapismo burgués. Reutemann, Monzón, Vilas, Boca e Independiente campeones de América e Intercontinental, la Selección Juvenil '79, tanto como cualquier hallazgo científico, o como cualquier talento artístico que no se haya exiliado (una porción muuuuy grande). Utilizando ese criterio cualquier cosa se vuelve cuestionable. Y ahí es cuando, queda claro, se está meando fuera del tarro.

Artista del siglo

2008-06-24T10:43:00.001-07:00

Yo creía que Pomelo era imposible de desbarrancar de los charts, pero cómo me equivoqué...

A lo Boca

2008-06-23T05:29:00.000-07:00

Tarde helada y cancha techada sobre Dorrego. Raphael, delantero brasileño que juega en el Palermo FC (equipo en el que disputamos torneos los sábados) nos propone aprovechar el receso de nuestro campeonato y hacer un cinco contra cinco. Juntamos los cinco (para los que los conocen: Gustavo, mi primo Hernán, Tweety, Fer y quien esto escribe) que se animaban en una tarde en la que Italia-España invitaba a quedarse en casa, abrigaditos y mate en mano, y partimos para jugar contra "algunos compañeros del hospital", según definición de Rapha, médico él.
Claro, al llegar recordamos que a Rapha le gusta hacer este tipo de cosas. Porque los "compañeritos" resultaron ser otros cuatro brasileños, con pinta bien futbolera ellos y promesa de pintarnos la cara. Las cosas quedaban planteadas entonces para un Argentina- Brasil, con el orgullo a prueba.
Mi experiencia en partidos "internacionales" incluía enfrentamientos contra equipos de Uruguay, Colombia, Italia y Estados Unidos, pero nunca había tenido la suerte de enfrentar a un equipo brazuca.
Para qué. La cosa arrancó como para imaginar una pesadilla futbolística: a los 10 minutos los muchachos estaban 4-0 arriba, con tacos, caños y firuletes incluidos. Pintaba fiero y una ya les veía en la cara esas sonrisitas socarronas que los caracterizan cuando están bailando al rival. Y más si el rival es argentino.
Lógicamente, eso nos tocó el orgullo: no pensábamos perder este partido. Cuestión que nos ordenamos, empezamos a pelear cada pelota como si fuera la última, nos cerramos mejor atrás y salimos rápido del medio para adelante... ¡y les dimos vuelta el partido!
La alegría duró poco. El exiguo gol de ventaja se esfumó como por arte de magia gracias a una seguidilla de cuatro goles brasileños. Estábamos tres abajo, lo que nos obligó a una nueva remontada. Esta vez fuimos nosotros los que nos pusimos cuatro goles arriba. Sin embargo, ellos empezaron a acercarse y, faltando cinco minutos, estábamos apenas un gol arriba. En el interín, la cosa se había puesto áspera, y se debatía por cada pelota dudosa. Por suerte no hubo ningún posible penal...
Supuestamente, el partido terminaba a las 18 horas, sin embargo, los equipos que jugaban después de nosotros nunca vinieron. Fue así que, faltando un par de minutos para las 18, les planteamos poner una hora de finalización para el encuentro, cosa de evitar suspicacias si lo terminábamos a las 18, con nosotros 1-0 arriba. Se convino seguirlo hasta las 18.20.
Esos últimos veinte minutos fueron gloriosos, porque ellos se vinieron con todo a buscar el empate, tiraban de todos lados y Gus sacaba a destajo, mientras nosotros corríamos lo que ya no podíamos para mantener ese gol definitorio. Pero tampoco comemos vidrio, y observando cierto desalentamiento del rival ante la imposibilidad de empatar, empezamos a toquetar la pelotita y con un par de contraataques fulminantes estiramos la ventaja hasta hacerla irremontable: 4-0.
Qué quieren que les diga, fulbito de entre casa sí, pero me alegró la semana.

Huevos

2008-06-17T10:31:00.000-07:00

Ya está. Me llenaron los huevos.
Me llenaron los huevos ambas partes esencialmente por la soberbia absoluta y la incapacidad de dialogar.
Me llenaron los huevos porque la realidad es que más allá de lo que digan, a ambas partes solo les interesa su porción de la torta y -para variar -les chupa un huevo el pueblo o el país, más allá de que ambos los utilicen como caballito de batalla retórico.
Me llenaron las huevos ambas partes, jugando a ver quién la tiene más larga.
Me llenó los huevos el gobierno con su discurso paranoide y setentista.
Me llenó los huevos que un energúmeno como D'Elía tenga el espacio que tiene y las peligrosas incitaciones a la violencia que hace.
Me llenó los huevos "el campo" y sus defensores, que con atroz caradurismo se arrogan a sí mismos la titularidad de lo nacional y popular.
Me llenó los huevos la cantidad de idiotas útiles de clase media y pequeños productores que le hacen el juego a la Sociedad Rural y sus intereses.
Me llenó los huevos Bonafini hablando de que "acá no hay grises, solos blancos y negros".
Me llenó los huevos el gobierno cargándoles las tintas a los productores, cuando los que encarecen los alimentos son los industriales que elaboran las materias primas que los productores les venden.
Me llenó los huevos "el campo" parando el país y cometiendo -u obligando a cometer- obscenidades como tirar a la basura toneladas y litros de alimentos, en unmundo en el que hay millones que mueren de hambre.
Me llenó los huevos la eternización del aparato peronista.
Me llenó los huevos la inexistencia de una oposición de cualquier signo, capaz de plantarse y representar a alguien.
Me llenó los huevos que se denomine de izquierda a un gobierno que está infinitamente más cerca del fascismo.
Me llenó los huevos no poder rescatar ni un solo político decente, ni uno. Ni un solo dirigente que me de una mínima esperanza.
Me llenó los huevos vivir en un país de eternos pelotudos, incapaces de aprovechar las oportunidades que les brinda la historia, o aprender de los errores cometidos.
Me llenó los huevos la impotencia que me genera saber que solo puedo sentarme a ver cómo se consume la mecha antes de que el país vuele por los aires.

Say it again, Sam

2008-06-10T20:16:00.000-07:00

He aquí algunas de mis frases favoritas de la historia del cine. Faltan varias, lógicamente. Algunas eran demasiado largas, a otras no pude encontrarlas, y otras estaban en idiomas que requerían subtitulado, pero carecían de él (sueco, francés, japonés, etc). Pero bueno, acá van algunas que seguramente recordarán.

I am your father

Frankly, my dear, I don’t give a damn

I’ll be back

Say hello to my little friend

I’m going to make him an offer he can’t refuse

You talkin’ to me?

Do you feel lucky?

He’s looking at you, kid

Bond, James Bond

Here’s Johnny!

The stuff that dreams are made of

Warriors, come out to play!

Smells like… victory

We re gonna need a bigger boat

They pull me back in

Tu hamburguesa de rock

2008-06-10T09:24:00.001-07:00

La enésima prueba de que Diego Capusotto es un genio.

¡Qué grande Benigno!

2008-06-06T07:24:00.000-07:00

No quiero dejar que la tristeza por la eliminación me haga olvidar de postear algo que tengo hace rato en gateras. Un toque de humor bizarro para los videos de este sitio.

Con el orgullo intacto

2008-06-06T06:19:00.001-07:00

Cuando, una vez consumada la derrota de Boca, empezaron a sonar petardos y bombas de estruendo cerca de casa, no sentí lo que hubiera sentido en otro momento. Lejos de la bronca, lo que me generó esa serie de sonidos fue vergüenza ajena por un lado, y un tremendo orgullo por el otro. Vergüenza ajena no porque alguien festeje la caída de un archirrival: esto es fútbol, y el folclore dicta el festejo ante el dolor del enemigo más odiado. Sí vergüenza ajena porque llegar al extremo de oblar dinero para pirotecnia celebrando un triunfo ajeno como propio, me parece una exhibición desmesurada de falta de amor propio. Y también vergüenza ajena porque sé positivamente que no solo los plumíferos de Núñez celebraron nuestra caída, sino también muchos, pero muchos hinchas de otros equipos, que se amuchan en una lamentable legión de "anti Boca". El súmun llegó con el gaste de un hincha de ¡Quilmes! a quien no tuve más remedio que pedirle que primero regrese a Primera. Después nos dicen soberbios, pero tammbién hay algunos a los que les gusta meter la cabeza en la boca del león...
La verdad es que el festejo plumífero es lógico y previsible, pero también me causa cierta pena. Digamos que después del episodio con las aves negras, en esta misma Copa, sumada a la seguidilla de eliminaciones, a cuál más lamentable, es como que el festejo debería ser tan inevitable como moderado. Pero no, hay un descarado derroche de caradursimo.
En el caso de los "anti Boca", qué decirles. La verdad es que siempre, pero siempre, -con la excepción de tu grato nombre, lógicamente- quiero que gane un equipo argentino, más aún si el rival es brasileño. Pero bueno, hay veces en que la envidia nubla la vista por completo.
Y ahí viene la segunda sensación. Es que todo esto no hace sino remitir a la remanida "Ladran Sancho...". Porque una vez más fue Boca el equipo argentino que llegó más lejos en la Copa, a pesar del enooorme listado de contratiempos que sufrió (lesiones de jugadores clave en momentos clave y suspensión de la cancha para instancias definitorias, por mencionar un par), porque digan lo que digan Boca es el mejor equipo de Argentina y de América de los últimos diez años, porque cambian los técnicos y los jugadores pero Boca ganó 16 títulos de 1998 para acá (más que algunos que ahora nos gastan ganaron en toda su historia), porque otros boconean pero lo miran por TV...
De hecho, la superioridad de Boca sobre los plumíferos de Núñez es tal que, no solo los fuerza a festejar únicamente títulos locales, sino que pueden hacerlo merced a la generosidad boquense. ¿Cómo es eso? Fácil. Basta repasar los títulos locales de ambos en el siglo que corre para darse cuenta que River solo obtuvo torneos Clausura y que esos torneos los obtuvo cuando Boca estaba jugando la Libertadores (2000, 2002, 2003, 2004 y seguramente 2008). Cuando Boca no jugó la Libertadores 2006, el torneo Clausura fue para el xeneize. De hecho, en general, y a pesar de estar peleando en ambos frentes, Boca logró al menos estar entre los tres primeros puestos en esos torneos. Los Apertura, cuando Boca no juega la Copa, son generalmente nuestros (2000, 2003, 2005). Me temo que no hace falta agregar mucho más a eso.
Pero, volviendo estrictamente al tema que nos ocupa, que es esta reciente eliminacón de la Copa, decía que fuera de la lógica tristeza por la ilusión extinguida, siento un gran orgullo por este equipo que, sin dudas fue el mejor del torneo. Y fue el mejor del torneo principalmente por su actitud, por la manera de plantarse en cada partido, por ser local en cualquier cancha. Eso habla de grandeza, habla de mística. Pero se sabe, esto es fútbol y el campeón no siempre es el mejor equipo. Esto que le ha cabido alguna vez a algunos Boca campeones, le cabe a aquel que gane la Copa en esta oportunidad.
De hecho, atendiendo a las razones estrictamente futbolísticas, creo que Boca se eliminó solo. Es que padeció dos defectos graves durante todo el torneo, que nunca pudo solucionar: nunca encontró el cerrojo atrás, y le falló demasiado la llave adelante. Durante todo el semestre, Boca padeció demasiado en defensa, incapaz de controlar el juego áereo rival, sufriendo cada pelota cruzada, pagando cada error con un gol en contra. Es cierto que Caranta no fue el Caranta del año pasado, se lo vio dubitativo, tierno para cortar los centros, incapaz de adueñarse del área chica. Es cierto que Cáceres arrancó muy flojo y que Maidana se manda al menos una cagada por partido. Todo eso es cierto. Tanto como que hay dos enormes atenuantes.
El primero es que se marcan estos problemas defensivos como responsabilidad de Ischia, se dice que el tipo no trabaja el tema. Pero esa aseveración soslaya un detalle fundamental: en casi todo el semestre, Ischia no pudo armar la misma defensa dos partidos seguidos. Y cualquiera que haya jugado al fútbol sabe que es indispensable una continuidad de nombres para poder lograr coordinación defensiva. Pero se lesionó Ibarra, se lesionó Cáceres, se lesionó Paletta y se lesionó Morel. Y así, un día jugaba Maidana de lateral y otro día de central, un día estaba Alvaro, otro Monzón, otro Roncaglia...
A eso hay que sumarle otro concepto estrictamente futbolero: la manta corta. Boca ataca y mucho. Como todo equipo que así lo hace -River es otro caso- es muy difícil mantener el equilibrio. Es casi imposible no quedar expuesto atrás, generándole espacios al rival. Es el precio que se paga a una actitud netamente ofensiva. Cuando Bianchi armaba equipos equilibrados, se lo tildaba de defensivo. El gataflorismo hace estragos.
El que sí es un tema es la falta de gol. Hace mucho, pero mucho tiempo que no veo un equipo de Boca que genere tantas situaciones de gol por partido. Boca tuvo mucho volumen de juego en la mayor parte de los partidos del año -más allá de los giles que no entienden nada y siguen con la aburrida cantinela de que jugamos para tirarle centros a Palermo-, armando buenos circuitos de toque con Román, Dátolo y Chávez, con variantes, llegando por afuera o triangulando. En general, Boca debería haber ganado muchos partidos por goleada (Fluminense, Cruzeiro, Atlas, Huracán, Olimpo, Arsenal, Independiente, entre otros) pero terminó empatando, ganando ajustadamente, o incluso perdiendo. Y eso se debió a la enorme cantidad de goles dilapidados, algunos de ellos de manera realmente increíble. Es ahí donde realmente veo un problema al que no le encuentro demasiada explicación, aunque me queda claro que lo pagamos carísimo...

Videos del mes

2008-06-02T07:29:00.000-07:00

“Redemption song” – Bob Marley
El Bob más groso de todos los Bobs -perdón Dylan, pero así lo veo yo- nos regaló esta joyita que tiene poco de reggae y mucho de folk, pero sobre todo mucho de obra maestra. Aquí una versión más cruda que la habitual.

“Xanadu” – Rush
Estos tres animalitos que nos regaló Canadá son una de mis principales cuentas pendientes en vivo. Espero verlos algún día y que toquen esta canción...

“Comfortably numb” – Pink Floyd
Siempre es difícil elegir una sola canción de determinados héroes. Pero bueno, esta es la que más me gusta, fundamentalmente porque reúne todos los elementos característicos del Pink Floyd clásico: canta Roger la parte enferma, canta David la parte emotiva, tiene un solo conciso y efectivo de David, y -por añadidura- posee formato de canción, lo cual lo hace más accesible que otros temas de la banda.

“Land” – Patti Smith
Descomunal canción que me quedé con las ganas de escuchar cuando esta deidad nos deleitó en tierras argentas.

“London calling” – The Clash
La mejor de las muchas enormes canciones de los Clash. Eternamente zapada con Zelig.

Indy no pierde las mañas

2008-05-30T07:48:00.000-07:00

Necesito que quede claro: soy un fanático rabioso del cine de aventuras. En este tipo de películas además, soy muy clásico: me gusta que haya un héroe con puños de acero, de esos que nunca pierden el sombrero, me gusta que los malos sean viciosamente malos, me gusta que ocurran cosas imposibles que mi razón acepta porque está totalmente sometida al universo interno de la película. En síntesis, megusta que las películas de acción sean como Indiana Jones.
A eso se le suma un amor particular por Indy. Siempre me fascinó la Historia, desde muy chico. En primer grado yo generaba juegos con mis amigos que incluían: jugar a Taras Bulba, a Alejandro Magno, a Aníbal Barca... No confundía egipcios con cruzados, ni a Carlomagno con Alejandro. Y, lógicamente, tenía clarísimo que, cuando fuera grande, iba a ser arqueólogo. Así que pueden imaginar lo que fue para mí cuando me senté en un cine y conocí a Indy.
Está claro que Lucas y Spielberg -que son cualquier cosa menos boludos- tenían muy claro con que elementos confeccionar el personaje. Lucas quería resucitar el género de aventuras, ese que parecía absolutamente muerto a fines de los ’70. El género de aventuras que, en la oscuridad de las matineés de los ‘50, y también en las series clásicas de televisión de los años ‘40 y ‘50, como “Spy Smasher”, “Mashed Marvel”, “Perils of Nyoka” o “Secret Service in the Darkest África”, había embelesado a ambos amigos. Lucas estaba decidido a rescatar del olvido a esos aventureros de los años dorados de Hollywood, que en tierras lejanas e inexploradas, buscaban tesoros, al tiempo que salvaban chicas bonitas y le arruinaban a los nazis sus planes de dominación mundial. Y para realizar su sueño, Lucas había ideado a Henry “Indiana” Smith, un eminente arqueólogo que, cuando no estaba enseñando en la universidad, se convertía en un aventurero de la estirpe que Lucas había adorado en su infancia. Steven Spielberg quedó fascinado con la idea, más aún porque él soñaba con dirigir una película de James Bond, y visualizaba a Indiana Smith como una suerte de Bond, pero ubicado temporalmente en los años ’30 y sin la tecnología del agente británico.
Para alegría de Spielberg a quien no le gustaba el nombre, el Smith quedó en el olvido y fue reemplazado por Jones, manteniendo el “Indiana“, con el que George Lucas homenajeaba a su perro favorito. Lucas le encargó el guión a Lawrence Kasdan, quien había coescrito el de “El Imperio Contraataca”, pidiéndole un personaje que combinara el Erroll Flynn romántico pero cínico de El burlador de Castilla, con el Bogart duro e inescrupuloso de el “El tesoro de la Sierra Madre”. El diseño de la imagen del personaje cayó en las manos del dibujante de historietas Jim Steranko. Claro que Lucas tenía varios puntos muy definidos de antemano: Indiana debería usar un látigo, como El Zorro; un sombrero fedora y barba de tres días, como Humphrey Bogart en “Sierra Madre”; y una campera de aviador, evocando a Charlton Heston en “Secretos de los Incas”. Steranko aportó lo vistió de khaki, le colocó un cinturón Sam Browne (ancho, de cuero, con hebilla grande y una banda en diagonal sobre el pecho) y un viejo revólver en su respectiva cartuchera, igualito a Alan Ladd en “China”.
Después, hubo que buscar quién encarnara a Indy. Por suerte, a último momento se cayó Tom Selleck, y el elegido fue Harrison Ford. Nadie podría hacerlo mejor.
Tres maravillosas películas construyeron un clásico inoxidable. El tiempo pasó y un día, Lucas y Spielberg sintieron que todavía tenían historias para contar -que no me vengan con boludeces de "billetes para contar", los dos tipos no los necesitan- y 18 años después Indy se encuentra en un mundo distinto. Ya no hay nazis, ahora los villanos son lossoviéticos, ya pasó la Segunda Guerra Mundial -en la que el doctor Jones se había destacado como agente secreto, un guiño a Spielberg- y estamos a mediados de los '50. Son tiempos de Guerra Fría, macarthismo, ovnis, jets, terror nuclear, Marlon Brando y sus rebeliones sin causa... Inmejorables tiempos para ubicar una nueva aventura del gran Indiana.
El resultado es estupendo. Al principio, choca un poco ver a Indy avejentado, pero ese impacto se esfuma de inmediato. Es el mismo grandioso personaje, con menos destreza física, pero más mañas y más sabiduría. El paso del tiempo está excelentemente manejado, con humor y con vueltas de tuerca dentro de la historia que la enriquecen. Y el contraste entre el viejo héroe y este nuevo mundo, repleto de los elementos enumerados más arriba, le da un nuevo sabor a la historia y al personaje, que los revitalizan. Sintetizando, porque no quiero revelar nada de la trama: convoco a todos los fervientes seguidores del gran arqueólogo a visitar el Reino de la Calavera de Cristal. No podrán arrepentirse.

¿Me la querés complicar, fenómeno?

2008-05-29T07:13:00.001-07:00

Ay, ay ,ay. Contra un equipo brasileño, que además juega bien en serio, no se pueden cometer errores, y menos si son de fútbol cinco. Igual lo banco a Migliore, porque no es mal arquero. Pero la cosa va a estar jodida allá, qué duda cabe. Porque estos muchachos juegan mejor que el Cruzeiro o el Atlas. Tocan mucho, son rápidos, triangulan de lo lindo y tienen buenos pies en Thiago Neves, Conca, Cicero y los laterales volantes. A diferencia de otros equipos brasileños, también se saben cerrar bien atrás cuando defienden. Esta claro, es un rival muy coplicado. Pero...
Primero y ante todo: esto es Boca. A diferencia del resto de los equipos, Boca va a salir a jugar allá como si estuviera en La Bombonera, sabiendo además que le alcanza con ganar 1-0 para pasar. Y habrá que ver qué hace el Flu: si sale a tratar de hacer pesar la localía, o si especula con que el 0-0 y el 1-1 lo clasifican. Sería hermosa la segunda opción, porque si se meten a aguantar el resultado, Boca lo gana seguro. Y en el plano defectos del rival, podría decir que Washington me pareció impresentable, que el arquero sacó un par pero me huele a vendedor de humo, y que atrás toman muy mal las marcas, aunque eso suele suceder con los equipos brasileños.
De todas maneras, como siempre, la fe está intacta.

Shhhh

2008-05-22T07:45:00.001-07:00

Tomen nota. Así se hace. Exactamente así. Se llama mística.

Los líricos

2008-05-16T08:19:00.000-07:00

The Marott armó su ranking y me hizo una pequeña trampita, al incluir los cantantes con guitarra. En mi primer ranking los dejé afuera porque me centré ante todo en lo que yo explique que debe ser un vocalista, alquien que tiene mucho de performer. Pero, eso me obligó a dejar afuera a otros héroes, que son los que me influenciaron desde otro lugar: la parte lírica. Más allá de que sin dudas hay gente como Morrison o Perry Farrell que también se han destacado como letristas, generalmente el tipo que toca la guitarra y canta a la vez, suele hacer las letras. Y las letras suelen ser demasiado buenas. He aquí algunos ejemplos, escuchen la música, sí, pero también las letras:

1- Bob Dylan
Dylan es un poeta y un escritor, punto. La riqueza en el uso del lenguaje lo ponen en otra categoría. Un grande más allá de su limitada capacidad vocal.

2- John Lennon
Evolucionó de la letra pop, simplona, a la letra artesanal, de una sencillez temática y una claridad expresiva inigualables. ¿Puede alguien describir mejor los celos?

3- Lou Reed
Un inconcebible narrador de historias urbanas y creador de climas densos. Si no es el mejor letrista, pega en el palo.

4- Ray Davies
Maestro absoluto del costumbrismo inglés, generaciones enteras aprendieron a escribir letras escuchando a los Kinks. ¿O me equivoco, Damon Albarn?

5- Neil Young
Como bien señaló Marott, una voz única, no justamente dotada, sino más bien frágil y vulnerable en apariencia, pero capaz de desatarse... como un huracán. Escuchen la primera estrofa: ¿puede alguien resumir mejor toda la canción en un par de frases?

6- Bob Marley
El profeta podía ser dulce, romántico, sexy, místico o combativo, y siempre, pero siempre sin perder la capacidad de emocionar. Un groso. Esta es para Marotín.

7- Nick Drake
Su voz y sus letras evocan imágenes de un otoño eterno. Y esa es mi estación favorita...

8- Roger Waters
Maestro de la depresión. Las palabras y su manera de marcarlas eran una unidad expresiva única.

9- Robert Smith
Romanticismo gótico en su máxima expresión, Robert hizo de sus quiebres y meandros una marca registrada.

10- Kurt Cobain
El delivery de Kurt era visceral, pero líricamente el tipo era delicado, casi evocando el espíritu de Nick Drake. Acá una versión muy especial de "Aneurysm" ...

Bonus track: Bono
No puedo dejarlo afuera si hablo de líricos. Alguien que escribe la letra de One merece estar presente sí o sí.

Rockanroll nennne

2008-05-15T11:45:00.000-07:00

Me meto en el sitio de la Rolling Stone y así me entero que Whitesnake tocó ayer en el Luna Park. Cada cual roba como puede y no soy nadie para cuestionarle al bueno de David si necesita hacer un billete. Tampoco me voy a detener en exceso en la nota de Sebastián Feijoo, quien se excede un tanto en su mal disimulado fanatismo al calificar a Coverdale de "mejor cantante de la historia del hard rock", cierta ignorancia al decir que lo negativo del grunge fue que "se llevó buena parte del entusiasmo por la guitarra", cuando lo que en realidad y por suerte se llevó fue el exceso de pirotecnia onanista, para volver a usar la guitarra para hacer canciones y también cosas bastante más interesantes. En lo que quise detenerme, aquello que me arrancó una sonrisa y me hizo evocar instantáneamente a Pomelo, fue el playlist que aquí reproduzco.

Diez héroes diez

2008-05-13T09:24:00.000-07:00

Inspirado por mi amigo Agustín e impulsado por mi compulsión a los listados, decidí hacer un Top 10 de los mejores vocalistas del rock. Ahora bien, antes de que repasen la lista y me empiecen a enrostrar ausencias, pienso señalar algunas cuestiones que considero básicas a la hora de hablar de lo que yo entiendo debe ser un vocalista de rock. Y aún así, la tiranía del número y del gusto personal, hará que se ausenten unos cuantos que muchos-entre ellos, yo mismo- consideraran indispensables. Pero bueno, decidí acotarlo a diez, así que…

Cinco reglas básicas del buen vocalista de rock:

1- Te dedicarás a cantar, sin usar guitarra u otro instrumento al mismo tiempo, salvo ocasionalmente. Esto deja afuera de la lista a John Lennon, Kurt Cobain, Roger Waters, Thom Yorke y muchísimos más. Para mí, el instrumento del vocalista es la voz.

2- Serás claramente un frontman: ergo, estás ahí adelante, comandando todo, sos el vínculo entre la banda y el público. Obligarás a que todas las miradas se depositen en vos, forzando a los otros miembros de la banda a tener que hacer solos para que les presten atención.

3- Deberás ser muy, pero muy cool. Tu aspecto debe llenar la vista, dominar la atención, y generar una legión de imitadores. Sí, la imagen es todo.

4- Tu voz, siendo tu instrumento, debe ser única e inmediatamente distinguible. Es una marca, como el sonido del guitarrista. No solo tenés que estar dotado aunque sea mínimamente desde lo técnico, sino que el registro y/o el timbre deben tener alguna peculiaridad que lo distingan.

5- Tendrás que tener actitud. Ser un niño salvaje, ser un paladín del rock, ser una bestia sexy, ser un drogón reventado, ser un poeta torturado, ser un lunático indescifrable, o todo junto, pero eso hace al carisma, sin el cual es imposible aspirar al puesto.

Dicho esto, acá van los diez elegidos, pura y exclusivamente en orden cronológico, y no de preferencia personal. Acompaña un videito de cada uno, para verlos en acción:

1- Jim Morrison
Poeta, místico, sexy, cool, borracho, drogón, blues man, ¿hace falta más?

2- Iggy Pop
La Iguana le enseñó y le sigue enseñando a generaciones enteras lo que debe ser un cantante de rock. Una bestia salvaje fuera de control. Podrán imitarlo, pero igualarlo jamás.

3- Robert Plant
Otro que generaciones enteras han intentado imitar, sin éxito. Ese registro, ese contoneo, esa imagen en el borde mismo de la androginia, esa presencia escénica... una verdadera divinidad griega del rock.

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4- Ian Curtis
Al leer las letras de Ian Curtis, uno cree estar leyendo algo escrito por un tipo con muchos años vividos, sensación que se hacía carne en su voz de barítono, aunque tuviera 22 años. Todo en Ian Curtis transmitía intensidad, tensión, angustia que necesitaba ser liberada. Si hasta el tipo hizo de su epilepsia un baile...

5- Bruce Dickinson
Simplemente, el paladín del metal por definición. Dueño además de una voz que desafía el paso del tiempo, de las giras y de lo que venga.

6- Perry Farell
Probablemente uno de los tres mejores frontmans de la historia del rock y el creador de lo que debe ser un vocalista de rock "alternativo". Perry es absolutamente inigualable, único e imposible de comparar con nadie.

7- Mike Patton
¿Qué se puede decir de este delirante? Una voz descomunal y una capacidad para usarla que no tiene parangón dentro del rock.

8- Chris Cornell
Bueno, ustedes han leído mis posts sobre este muchacho. No tengo mucho más que agregar a esto...

9- Layne Staley
Y llegamos al cantante más cool de la historia del rock. Pero Layne no se limitaba a chorrear onda por cada poro, simplemente traten ustedes de llegar al coro de "Man in the Box" o de "Would?" y después hablamos...

10- Eddie Vedder
Muchos tal vez me discutan a Vedder y otros tantos lo vana defender a ultranza, justamente porque creo que el tipo genera amor u odio sin términos medios. Pero más allá de la sobreactuación a la que tendía en sus primeros tiempos, el tipo tiene una voz de la hostia y le pone una entrega conmovedora.

Gracias por otra alegría

2008-05-08T19:25:00.000-07:00

¡Ja ja ja ja ja ja ja! ¡Ay Dios! No puedo parar de reírme ¡Ja ja ja ja ja ja ja! ¡Gallinas desnaturalizadas: tuvo que ir un cuervo para enseñarles a poner huevos! ¡Ja ja ja ja ja ja! ¡Qué buena semana, por favor!

27 de febrero de 1997

2008-05-07T12:09:00.000-07:00

Inspirado por mi gran amigo Marott, quien se puso evocativo en su blog, me puse a rastrear hasta que encontré un recuerdo totalmente inesperado y por ello doblemente grato. Aunque incompleto, los invito a compartir conmigo algo que había consignado en mi post "Rock on!" y que ocurrió una extraña tarde febrero de 1997, en el Convention Hall de Asbury Park, New Jersey...

Tool – “Stinkfist” Live at Asbury Park 1997

Tool - "Sober" Live at Asbury Park 1997

Tool – “Prison Sex” Live at Asbury Park 1997

Tool –“H” Live at Asbury Park 1997

Tool – “Eulogy” Live at Asbury Park 1997

Tool – “Intolerance” Live at Asbury Park 1997

Tool – “Opiate” Live at Asbury Park 1997

Es para vos...

2008-05-05T07:08:00.001-07:00

Este clásico me resultaba difícil. No lo veía bien a Boca atrás, y estaba claro que veníamos dilapidando demasiadas situaciones de gol. Pero, por otro lado, el River de Simeone me parecía muy ganable, esencialmente porque es un equipo inconsistente, que no termina de tener en claro a qué juega y que depende en exceso de una buena tarde de Carrizo, o de sus dos delanteros. Pero, la cosa empezó a facilitarse cuando Simeone decidió no poner a Abreu e insistir con el invento Sánchez; cuando dejó afuera a Augusto para jugar sin volante por derecha; o cuando nos obsequió la presencia de Gerlo en vez de Ferrari. De un plumazo nos liberó de tres problemas: una torre que ayudara a defender y que además generara peligro en nuestra área; todo lo que aporta el mejor volante de River, además de desequilibrar su propio mediocampo y dejar el callejón abierto para que lo explote Dátolo; la salida y manejo que aporta Ferrari, en contraste con la nada absoluta que es Gerlo como jugador (???) de fútbol. Gracias, Cholo.
Claro, no puedo negar mi preocupación cuando ví que Román estaba en una tarde flojita, lejos de sus jornadas gloriosas ante River (ante el que siempre es figura) y que Rodrigo necesita urgente que le den un DVD con goles de Mastrangelo, Graciani, el Manteca, el Chelo y Guillermo, a ver si aprende de una vez por todas cómo debe definir un puntero derecho. Porque el problema de este muchacho es realmente grave: define al cuerpo y por arriba un mano a mano en el que tenía todas las opciones, algo que repitió con Cruzeiro y Newell's. A ver, Rodri: gambeteas al arquero, se la tirás por arriba, lo fusilás, o se la cruzás por abajo al segundo palo. Cualquiera de esas, menos las que elegiste.
Sin embargo, lo veía al Titán comiéndoselo crudo a Tuzzio, lo veía al León Battaglia cortando todo y más, lo veía a Morel quitar y salir como si fuera Beckenbauer, lo veía a Cáceres jugando como se espera que juegue y me empecé a sentir más seguro. Había actitud, esa que faltó en el último clásico. Y, por su lado, River no mostraba nada. Pero nada, en serio. Hace milenios que no veo un equipo tan desordenado tácticamente (miento, he visto equipos de La Volpe, pero hay cosas que es mejor olvidar). River se anula solo por la disposición de sus jugadores en la cancha: Falcao queda a kilómetros de los volantes; es imposible ganar el medio con un solo jugador (Ponzio), Abelairas le pega bárbaro, pero ¿de qué juega?; el Burrito necesita jugar más arriba, donde lo pone Simeone lo mata, porque ya no tiene la velocidad y la reacción de otras épocas; y Buonanotte y Sánchez se superponen en vez de complementarse. La verdad es que nos facilitaron el trabajo. En mi vida ví a River llegar una sola vez a nuestro arco en todo el partido... ¡y eso fue a los 39' del segundo tiempo!
Fue así que, con un Riquelme intermitente, un Palacio que puso huevos pero definió horrible, y Dátolo y Ledesma discontinuos, Boca se apoyó en la actitud fundamentalmente, para ganar un clásico que terminó siendo sencillo, fácil diría. Un clásico al que le faltó aunque sea un gol más, para tener un score más ajustado a lo que se vio en la cancha. Pero bueno, el gol es algo que no sobra ultimamente por la Boca. Lo que sobra, es alegría.

UNO X UNO: Boca
1- Caranta (5): Espectador de lujo
20- Maidana (6): Bien, controló su sector y no se mandó ninguna cagada grosera (suele mandarse una por partido).
6- Cáceres (7): Sacó todo por arriba, la revoleó cuando hacía falta y se deglutió a Falcao. Impecable.
3- Morel (8): Un fenómeno. Impasable y saliendo de atrás con categoría. Contagio puro. Una desgracia su lesión.
18- Monzón (6): Muy bien, se bancó los firuletes improductivos de Sánchez y lo mandó a vender humo a Núñez.
8- Ledesma (5): Se nota que hace rato que no juega. Muy impreciso en las entregas, aunque ayudó bastante en la marca.
5- Battaglia (10): Descomunal partido del León. No solo metió un golazo, fue un pulpo en el medio, distribuyó con criterio y fue el abanderado de la actitud del equipo.
23- Dátolo (6): Alternó buenas y malas, pero le puso actitud y las buenas que tuvo fueron de lo mejor de Boca en ofensiva.
10- Riquelme (5): Lejos de la figura estelar que suele ser en los clásicos, igual se las arregló para meter un par de estocadas, le marcó el camino a Dátolo para ganar el medio, metió una rosca perfecta para el gol de Battaglia, y contagió a sus compañeros.
14- Palacio (5): Se valoran las ganas, el esfuerzo, la colaboración con el equipo, pero Rodrigo sigue sin rendir contra River. Y debe mejorar la definición, urgente.
9- Palermo (7): No se le dio el gol. De hecho, no tuvo muchas situaciones. Pero se lo devoró a Tuzzio, le metió un pase gol increíble a Palacio, y jugó como se deben jugar estos partidos.

Chávez (6): Bien el pibe, encarador y atrevido. Promete mucho.
Roncaglia (6): Entró a hacer al aguante y se la bancó.
González (4): No termina de convencer el uruguayo, demasiado acelerado para su propio bien.

UNO X UNO: River
1- Carrizo (7): El único que mostró personalidad. En el gol no tuvo nada que hacer, pero sí le tapó el mano a mano a Palacio, además de otras buenas intervenciones.
14- Gerlo (3): Horrible. Y eso que Palacio no tuvo una gran tarde. Inexplicable que este muchacho juegue en la primera de River.
2- N. Sánchez (2): ¿Jugó? Nadie se dio cuenta.
6- Tuzzio (2): Perdió toooda la tarde con Palermo.
3- Villagra (3): Otro que no aportó ni en defensa ni en ataque.
25- Ponzio (4): Perdió a Battaglia en el gol, y perdió la desigual batalla en el mediocampo. En su defensa hay que decir que no se puede se el único recuperador en mitad de cancha (salvo que seas Battaglia, obvio).
38- Abelairas (4): Lo dicho,le pega como los dioses, pero ¿de qué juega?
10- Ortega (4): El Cholo lo mata poniéndolo de volante derecho, así mucho no iba a poder hacer.
21- A. Sánchez (2): La justa dimensión de un jugador hiperdimensionado. No entendió lo que es un River-Boca y no entiende la diferencia entre jugar al fútbol y jugar al fulbito.
30- Buonanotte (5): Quizo mostrar el camino, pero le faltó compañía. Se fue diluyendo en la impotencia.
9- Falcao (4): es un excelente delantero, qué duda cabe. Pero si tiene que jugar todo el tiempo de espaldas al arco y no le llega nunca la pelota...
Augusto (5): Para mí es el mejor volante de River. Inexplicable que haya estado en el banco, aunque se agradece.
Rosales (4): Qué lejos está de aquel gran jugador de Newell's...
Abreu (4): Tuvo la única de River y cabeceó hacia arriba lo que era cabezazo hacia abajo...

Videos del mes

2008-05-01T07:23:00.000-07:00

“The Musical Box” – Genesis
Si estamos en los '70, no puede faltar un toque de rock sinfónico. Y que mejor que esta enorme canción de Genesis, en los tiempos en que mandaba Gabriel, y Phil Collins se dedicaba a hacer lo que no debería haber dejado de hacer.

“Old man”- Neil Young
Neil tiene dos facetas, una folk y una hard rockera. "Old man" pertenece a la primera y, en mi gusto personal, se encuentra en el mismo nivel que "Rocking in the free world", que pertenece a su costado hard rockero. Como a esa canción ya la posteé antes, vamos con "Old man".

“Space oddity” – David Bowie
Empecemos con el glam y con el capo absoluto de David (pronúnciese "Daeved"). Durísimo elegir una sola canción de Bowie, pero vamos con su primer gran tema.

“20th Century Boy” – T Rex
Descomunal rocker de Bolan, el single que fue incluido en la reedición de su disco "Tanx", con un riff primal, a la vez rockerísimo y sexy. Clásico instantáneo.

“Burn” – Deep Purple
Sí, están "Highway Star", "Child in time", obviamente "Smoke on the water" y muchas más. Pero para mí, este es el mejor riff que dibujó Blackmore, por lejos. Y si le sumamos el look de Glenn Hughes, ni hablar...

¡¡¡Caiate, caiate, caiate que me desesperás!!!

2008-04-03T07:56:00.000-07:00

La verdad es que La Volpe consigue sacarme. No debería, porque uno ya sabe quién es el que está hablando. Pero justamente esa es su única virtud: ser campeón de la lengua. Gracias a su labia, consigue la atención que sus condiciones como técnico no pueden lograr ni por asomo. Pero, a ver, este tipo le dice a Bianchi que no puede dirigr en México porqueno conoce el medio, y él vino al fúbol argentino sin conocerlo, y así terminó odiado por sus jugadores, y estrellando la Ferrari del Coco. Él tilda a Bianchi de ser de cabotaje, cuando Bianchi ganó cuatro Libertadores -que yo sepa son torneos internacionales- y tres Intercontinentales, como para dejar en claro que el amado fútbol europeo de La Volpe sucumbió ante el 4-3-1-2 que él defenestra, y además no se las ganó a cualquiera, se las ganó al Milan (dos veces) y al Real Madrid. Como si no alcanzara con los 14 títulos del Virrey para cerrar la inmensa bocota de La Volpe, hay que agregar que los consiguió con los dos equipos con los que La Volpe fracasó estrepitosamente. Y también sería bueno recordarle a La Volpe que antes de hablar de los fracasos europeos ajenos se pregunte por qué él jamás dirigió en Europa. Amén de que si empezamos a enumerar títulos, el contraste entre el monigote éste y el técnico más ganador del fútbol argentino, habla por sí solo.
Respecto a Román... en fin. Capaz que todavía no se dio cuenta quién lo dejó afuera de la Libertadores 2007, además de abrocharlo en el torneo local. Avísenle que el DVD de la Libertadores lo consigue en cualquier Musimundo. Y recuérdenle a este muchacho, que por sus "fracasos" en el Villarreal, Román fue nominado dos veces consecutivas al Balón de Oro, que llevó al Villarreal a la semifinal de la Champions, y que en la Selección fue el artífice de la mejor campaña en Mundiales desde el '90, del último triunfo ante Brasil (golazo incluido), y campeón mundial juvenil jugando en altísimo nivel (no de suplente del suplente, o de boquilla, como La Volpe). Este buen hombre debería saber que uno es dueño de sus silencios y esclavo de sus palabras. Particularmente cuando estas palabras no vienen avaladas con hechos, la única manera de que no suenen a hueco.

Videos del mes

2008-04-01T06:55:00.001-07:00

Bien, acá entramos en los '70. Recuerden que el orden de los temas es estrictamente cronológico.

“Things behind the sun” – Nick Drake
Obviamente, no existen "videos" propiamente dichos de Nick, así que apelamos a este recurso, para una canción sublime.
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“My God”- Jethro Tull
El tema que más me gusta de Jethro Tull se llama "Sossity, you are a woman". Como no lo encontré, acá va mi segunda elección.

“Baba O’Riley” – The Who
¡Qué decir de este pedazo de rocker que no haya sido dicho! Mejor callarse y subir el volumen.

“Stairway to heaven” – Led Zeppelin
Sí, lo sé, la elección puede ser obvia, pero qué se le va a hacer. Probablemente mi tema favortio de Zeppelin es "Friends" pero, además de no encontrar esa canción, creo que "Stairway to heaven" resume a la perfección todos los costados de Zeppelin.

“Children of the grave” – Black Sabbath
Bueno, elegir un solo tema de Sabbath es casi imposible, pero creo que este es emblemático. La letra oscurísima y esa cabalgata del bajo hiperdistorsionado son heavy metal puro.

Vuelve

2008-03-29T07:25:00.001-07:00

Solo faltan dos meses, para que vuelva el gran héroe del cine. Gracias George y Steven por pensar en nosotros, los niños en cuerpos de adulto.

Esto es Boca

2008-03-28T06:37:00.001-07:00

"¿Cómo?", dice Rodrigo después de devorarse la cancha, después de dejar en claro su enooorme dimensión de jugador. "Esto es Boca", le contesta a los payasos chilenos que llegaron al delirio de considerar que Boca - Colo Colo es un clásico de algún tipo. Bastan las palabras para silenciar semejante absurdo: clásico de Boca es River (como dijo el Titán), o Real Madrid, o Milan, o Sao Paulo, pero ¿Colo Colo?. Le falta -al igual que al fútbol chileno- mucho camino por recorrer, muchos títulos por ganar, muchas jornadas épicas (como la de anoche), mucha garra, mucha mística. Esa mística que los muchachos pusieron en cancha ayer, para dejar en claro cuál es la verdad en el único lugar posible: el verde césped. Esa mística que construye escenarios de esos que solo se ven en Hollywood. ¿O no es de película jugar 70 minutos con uno menos y pasarle por encima a tu rival a pura personalidad? ¿O no es Hollywoodense el enorme Titán, cargándose el equipo al hombro, inventando un penal, errándolo, y a puro amor propio emparchando el error apenas un minuto después? ¿O no es cinematográfico que el "muchacho", el héroe de la película, sea ese rubiecito con cara de bueno, que vuela por toda la cancha y mete el tercero, por el que luchó toda la noche?
¡Qué lindo es el fútbol cuando es así, como anoche! Tan lleno de vaivenes emocionales, de condimentos -expulsiones, penales errados, errores arbitrales, desventaja en el marcador, goles épicos- que le dan dramatismo bien entendido. Y qué orgullo me da cuando veo a ese equipo, con esos jugadores, con esos huevos, con esa camiseta. Qué orgullo ser de Boca, carajo. Esto es Boca, el Campeón de América. ¿Se entiende Colo Colo? Tu clásico buscalo en Santiago. En América, hay uno solo, y como bien dice Martín en la foto de abajo: "Ojo, miren bien, porque se despertó el campeón".

Ladran Sancho...

2008-03-11T09:44:00.000-07:00

¡Gracias Titán querido por seguir cerrándole el orto a tanta gente! No tanto a los hinchas de otros equipos, muchos de los cuales hablan desde la envidia, sino a los autodenominados hinchas de Boca que tienen el descaro de criticarte y de querer reemplazarte con el primer cuatro de copas que llega al club. ¡Qué reverendos hijos de puta! Ni memoria corta tienen. Porque no te pido que recuerden los goles al Madrid, ni el récord en torneos cortos, ni siquiera el gol a las gallinas el Día de la paternidad.
Solo les recuerdo que desde que volviste hiciste ¡90 goles en 159 partidos!, que metiste goles en finales de Sudamericana, Recopa y torneo local, que estás siempre cuando las papas queman, que los hinchas de otros equipos siempre empiezan mofándose de tus movimientos y terminan siempre igual: sufriendo cuando se la mandás a guardar, que sos nada más y nada menos que el máximo goleador de Boca en el profesionalismo, que sos el máximo goleador de Boca en el plano internacional, que sos uno de los quince máximos goleadores de la historia del fútbol argentino. Solo les pido a esos hijos de puta mal llamados hinchas de Boca que se acuerden cuando la nueve la tenía el Pampa Sosa, el Coya Gutierrez, Perazzo, Acosta, Centurión, Da Silva... ¿Cómo se puede ser tan necios, tan desagradecidos, tan ignorantes? No importa. Si hay algo que aprendí de vos es esa voluntad indestructible para salir adelante, para transformar la adversidad en logro. Mientras esos pelotudos hablan vos la metés. No hay mejor manera de llamarlos a silencio. ¡Gracias Titán,por otros 181!

Videos del mes

2008-03-10T09:37:00.000-07:00

“Little girl blue” – Janis Joplin
En realidad mi tema favorito de Janis es "Me and Bobby McGee" pero como no pude encontrar ningún video, va esta, que es mi segunda elección.

“Kick out the jams” – MC 5
Esto es ROCK.

“TV Eye” – The Stooges
Y esto, ni hablar.

“Lola” – The Kinks
Acá también es un plan B. Mi canción preferida de los Kinks es "Too much on my mind". No la encontré, así que va "Lola"... que no es poco.

“Wooden ships” – Crosby Stills and Nash
Uno de las millones de joyas compuestas por CSN.

El padre de todos los pasos, la madre de todas las batallas

2008-03-08T16:55:00.000-08:00

Mi primer contacto con Iron Maiden fue allá por 1983. Yo tenía 13 años y escuchaba cosas como los Beatles y Pink Floyd, por herencia familiar, "Thriller" de Michel Jackson porque era el disco del momento, y otras cosas que surgían de la radio. Pero no tenía ni la más remota idea de lo que era el heavy metal. Un día, fui a lo de un compañero del colegio, chileno él, y entré al cuarto del hermano. En la pared había un poster gigantesco en el que una suerte de zombie aterrador, vestido con un uniforme inglés de caballería, sostenía en una mano una bandera destrozada, y en la otra una espada ensangrentada. "Iron Maiden" se leía arriba, en una tipografía que tenía mucho de germánico, y abajo, unas letras rojas rezaban "The Trooper". "¡Uau!", pensé en ese momento, pero no me atreví a más. Todavía era muy pendejo.
Tres años después, ya no lo era tanto. Y entonces cayó a mis manos otro disco. En el que el mismo zombie brotaba de una tumba, energizado por un rayo preternatural. "Live after death" decía esta vez. Sería escucharlo para saber que estaba ante el mejor disco en vivo de la historia. Entonces iniciaríamos una cofradía de cultores de Maiden junto a mis amigos Matías y Mele. Lógicamente que compraríamos los discos pertinentes, pero antes de hacerlo escucharíamos "Live after Death" hasta saber cada nota, cada grito de Dickinson, cada rugido del público. Y desearíamos una y otra vez haber podido estar en Long Beach y ver ese recital de antología.
Pues bien, 23 años después, el sueño se hizo realidad. Mele no estaba ahí para presenciarlo -vive en México-, tampoco estaba otro cuya presencia se imponía (Agustín, mi hermano en el rock, actualmente en París). Pero me tomé la libertad de invitar a Matías y también a mi primo Hernán, otro gran amante de Maiden con quien había ido a verlo las últimas dos veces.
Llegamos a Ferro y nos encontramos con la desorganización pertinente, traducida en una sola cola para que entraran 30 mil tipos. Sin embargo, tras caminar cuatro cuadras hacia atrás, doblar en una esquina y hacer otras tres cuadras, llegamos a las vías que pasan detrás de la cancha de Ferro, a un baldío siniestro (digamoslo suavemente) en el que unos chaboncitos fumaban paco y miraban la cola con ganas de hacer una redada de billeteras, apenas desalentados por el importante número de huestes metaleras que hubieran hecho complejo el emprendimiento. De todas maneras, no estuvo de más el comentario de Matías: "Te la regalo ser los últimos de esta fila".
Cuestión que, afortundamente, la cola avanzó rápido. Fuimos testigos de hermosas postales de la iconografía más paradigmática del heavy metal: todos los estereotipos estaban allí, juntos y listos para dar un paso en la batalla, paso que no sería uno más, sino el definitivo. Otra postal memorable fue la de la pila -nos llegaba a la cintura- de parafernalia metalera -CUERO Y METAL- confiscada a las huestes por unos poco comprensivos personajes de seguridad: el último sol de la tarde le sacaba destellos a las tachas de los cinturones y muñequeras apiladas. Los héroes no podrían regresar con ellas o sobre ellas.
Una vez dentro, fuimos tratados a una suerte de Avril Lavigne metalera por la banda de la hija de Steve Harris. Nuestro respeto al héroe del bajo impidió presenciar escenas de sana intolerancia. Finalizado el innecesario set, se apagaron las luces y se prendió la máquina del tiempo. Bastó ver aparecer un Spitfire en las pantallas, para saber con qué iban a largar. Y entonces Churchill empezó con "We shall go on to the end, we shall fight in France, we shall fight on the seas and oceans, we shall fight with growing confidence and growing strength in the air, we shall defend our Island, whatever the cost may be, we shall fight on the beaches, we shall fight on the landing grounds, we shall fight in the fields and in the streets, we shall fight in the hills; ¡we shall never surrender!"... y nosotros con el delirio.
Churchill no había terminado de hablar y yo les dije a Matías y Hernán: "Muchachos, lo siento pero me voy adelante. Nos vemos en el auto". Y como un desaforado me sumergí en la marea humana, intentando aproximarme a ese escenario en el que la banda ya atacaba con "Aces high". Para cuando "Two minutes to midnight" nos confirmaba que se venía una reproducción exacta de "Live after death", ya estaba a diez metros de un escenario que lucía tan egipcio como hace 25 años, con un Eddie faraón de fondo, flanqueado por el Eddie cyborg de "Somewhere in time" y por el Eddie de "Seventh son of a seventh son". Llegó la hora de "Revelations" y yo ahí adelante, sin poder creer que fuera cierto, que no me iban a cagar, que a estos tipos realmente les interesa darle felicidad a sus fans, entregándoles eso que soñaron escuchar durante más de veinte años. Y, como para que no nos quedaran dudas, el propio Bruce -enorme Bruce, con su prodigiosa voz intacta- nos lo confirmó, anunciándonos que iban a tocar "Live after death" y "un par de cositas más".
Entonces, el telón del escenario se corrió, dando lugar a uno nuevo, en el que aparecía aquel poster que había visto 25 años atrás en la casa de un flaco chileno. Solo que un cuarto de siglo después "The Trooper" es uno de mis cuatro temas favoritos de Iron Maiden. Enloquecido, aullé ese coro sin letra, intentando que ese momento glorioso no fuera arruinado por los pelotudos que gritaban "¡Argentina, Argentina!" o que le tiraban cosas a Dickinson cuando, vestido con el uniforme pertinente, sostenía una destrozada Union Jack.
Pero claro, yo estaba ahí por un motivo esencial, soñando con escuchar una canción en particular, por eso cuando el telón volvió a cambiar, esta vez en versión cubierta de barco fantsma, y Bruce dijo "This is what not to do if a bird shits on you", empecé a gritar como un desaforado. Evidentemente quienes estaban a mi alrededor no habían entendido lo que se venía, ya que no reaccionaron de la misma forma. Claro que en cuanto largaron con "The Ryhme of the Ancient Mariner" se desató la locura absoluta en Ferro. ¿Cómo explicar la grositud de ese momento? Imposible, tendrías que haber estado allí. Tendrías que haber visto las caras de esas huestes metaleras en pleno orgasmo simultáneo y masivo. Tendrían que inventar una palabra nueva para definir ese momento. A ver, para el que no entienda: mi canción favorita de Maiden -y de muchos otros- tocada por primera vez en por lo menos veinte años. Punto.
Pero la banda estaba decidida a no darnos respiro, entonces todos sabíamos que venían "Powerslave" y "The number of the beast". Y vinieron nomás, con el campo entero delirando en un mosh de proporciones pantagruélicas. Finalizadas ambas joyas y mientras sonaba "Heaven can wait" (canción de Somewhere in time" que nunca me emocionó demasiado), quien suscribe acusó sus casi cuarenta años de edad, y emprendió un prudente retroceso, en busca de un breve descanso que me permitiera afrontar el glorioso final con las energías pertinentes. Porque es cierto, se sucedieron clásicos como "Run to the hills", "Can I play with madness", "Iron Maiden", o "Moon child"; también es cierto que sonó "Fear of the dark", el mejor tema del disco homónimo. Pero lo que yo quería eran los dos integrantes que faltaban a mi Top 5 de canciones de Maiden (siendo las otras tres "Rhyme of the ancient mariner", "The trooper" y "Number of the beast") que llegaron para la apoteósis final de una noche perfecta: "The clairovyant" y "Hallowed be thy name". Para ese entonces todas mis ansias de heavy metal habían sido saciadas. Los científicos dicen que es imposible viajar en el tiempo. Los que estuvimos en Ferro el 7 de marzo de 2008 sabemos que no es verdad.

Eje del mal

2008-02-14T14:29:00.000-08:00

"Titán tiene armas de destrucción masiva y representa un peligro para el mundo occidental y para nuestro estilo de vida", declaró hoy el presidente estadounidense al enterarse de la noticia.

Titán tiene varias veces el petróleo de la Tierra
Según observaciones realizadas por la sonda Cassini, de la NASA, la luna de Saturno es rica en crudo, carbón y gas; multiplica varias veces el total existente en nuestro planeta

WASHINGTON (EFE).- La luna Titán de Saturno tiene reservas de hidrocarburos superiores a todas las de petróleo y gas natural conocidas en la Tierra, según observaciones realizadas por la sonda Cassini, reveló hoy el Laboratorio de Propulsión a Chorro (JPL) de la NASA.

Según científicos del Laboratorio de Físicas Aplicadas de la Universidad de Johns Hopkins, esos hidrocarburos caen desde el cielo y forman grandes depósitos en forma de lagos y dunas.

La misión de Cassini - con su robot de descenso Huygens en su interior- llegó a Titán el 14 de enero de 2005 después de un viaje de siete años. Es un proyecto conjunto de la NASA, la Agencia Espacial Europea y la Agencia Espacial Italiana.

"Titán esta cubierta por material que contiene carbono. Es una gigantesca fábrica de materiales orgánicos", manifestó Ralph Lorenz, miembro del equipo científico que controla las operaciones del radar de Cassini en el laboratorio.

"Estos enormes yacimientos de carbono son una importante ventana hacia la geología y la historia meteorológica de Titán", agregó.

Según Carl Sagan. La temperatura media en Titán es de 179 grados centígrados bajo cero y en vez de agua, su superficie está cubierta por hidrocarburos en la forma de metano y etano. Sus dunas están formadas por "tolines", un término acuñado en 1979 por el astrónomo y astrofísico Carl Sagan para describir moléculas orgánicas primitivas.

Hasta ahora Cassini ha realizado una exploración cartográfica del 20 por ciento de la superficie de Titán y se han observado centenares de lagos y mares.

Según JPL, cada uno de varias docenas de esos cuerpos "líquidos" o lagos de metal, contiene más hidrocarburos que todas las reservas de gas y petróleo conocidas en la Tierra.

Por otra parte, sus dunas paralelas al ecuador contienen un volumen de materiales orgánicos centenares de veces mayores que las reservas de carbón de la Tierra.

"Estos cálculos globales se basan en las observaciones de los lagos de las regiones polares septentrionales. Hemos creído que en el sur podrían ser similares", señaló Lorenz a los medios de comunicación.

Reservas terrestres. Las reservas probadas de gas natural en la Tierra, recuerda la ESA, suman un total de 130.000 millones de toneladas, suficiente para suministrar 300 veces la cantidad de energía que Estados Unidos utiliza anualmente para usos domésticos.

Cada uno de los cientos de lagos en Titán tiene por lo menos esa cantidad de energía en forma de metano y etano.

Impenetrables al radar, los lagos y mares de hidrocarburos tienen una profundidad desconocida, pero los científicos la calculan extrapolando lo que se observa en los lagos terrestres, en los que la profundidad del lago es normalmente menor a diez veces la altura del terreno circundante.

La luna. Titán está a 1,2 millones de kilómetros de Saturno y tiene un período orbital que corresponde a 16 jornadas terrestres. Su diámetro es de 5150 kilómetros, más grande que Mercurio, Plutón y que la Luna, que tiene cerca de 3.500 kilómetros.

El interés de los científicos espaciales en este satélite de Saturno está más que justificado: se cree que las condiciones que allí imperan serían similares a las que existieron hace 3800 millones de años en la Tierra, justamente cuando aquí comenzó la vida.

Videos del mes

2008-02-04T14:53:00.000-08:00

“Alone again or” – Love
Formidable tema de Love, para el que las palabras están de más.

“All along the watchtower” – Jimi Hendrix
Hendrix agarró un estupendo tema de Dylan y lo llevó a niveles imposibles de igualar.

“Itchycoo Park” – Small Faces
Mod drogón del mejor. El coro es más pegajoso que moco de infante.

“Sunshine of your love” – Cream
Por ahí me gusta más "Tales of Brave Ulysses" pero no lo pude encontrar en una versión que me cerrara, así que va este clasicazo.

“Gimme shelter” – The Rolling Stones
El mejor tema de los Stones, lejos. Y Jagger cuando era un groso de verdad.

Whatever happened to my rock and roll

2008-01-29T14:29:00.000-08:00

Zelig fue la banda con la que más cerca estuve de "pegarla", pero sobre todas las cosas, fue la mejor banda de la que formé parte. Lamentablemente, por un lado no acompañó la suerte, pero por el otro, a la suerte hay que ayudarla y nosotros -mezcla de desconocimiento y desidia- no lo hicimos, así que todo terminó a fines de 2004. Eso no quita que extrañe la banda y extrañe rockear todos los días de mi vida. Acá van las que a mi juicio fueron nuestras mejores canciones, algunas se escuchan mejor que otras, algunas están grabadas en estudio y otras son en vivo, en algunas canta Carlos y en otras canto yo, pero todas, todas -creo- merecieron mejor suerte.

Window
Primer tema de nuestro primer disco. En vivo sonaba infinitamente más poderoso. Aún así fue elegido tema de la semana en Rock and Pop, dos veces.

82nd street song
Segundo tema del primer disco. La versión de estudio se vio beneficiada por la presencia de una guitarra acústica además de la eléctrica.

Lucy says
Una suerte de homenaje a la Velvet, siempre fue uno de los temas preferidos por nuestro "público". Al estilo "Yesterday" de los Beatles -salvando las inconmensurables distancias- se me ocurrió mientras dormía, me desperté y anoté los acordes en un cuaderno.

Cartas
También del primer disco, era otro favorito del público. Con Carlos en voz principal y yo en coros. Nuestro invitado especial metió su voz en la intro. ¿Lo reconocen?

Carne
Del primer laburo. Tema catártico como pocos, uno de mis favoritos personales.

Not again
Me fascinaba este tema, pero Carlos lo fraseaba mejor. Así que lo cantó él y yo le metí coros, con lo que quedó muy bien. En estudio le metimos un violín que se funde en el solo de viola. Quedó copado.

Hush
Tema que solíamos usar para abrir los recitales. Enfermito como pocos, salió redondo, aunque en el estudio no logramos plasmarlo como era en vivo. El solo de Agustín es asesino.

Manhattan
Este mastodonte iba a ir en el segundo disco, pero no llegamos a grabarlo porque se produjo la debacle de 2001 y nos quedamos sin guita. Esta es una versión en vivo de 1999. Incluye terrible solo de Agustín. Carlos es la voz líder y yo hago coros.

Smile
Este era el tema de difusión de nuestro segundo disco y es definitivamente una de mis canciones favoritas de la banda. Fue la que elegimos para hacer nuestro único video. El laburo de viola de Agustín en este tema es formidable.

Nothing
El otro candidato a video, y canción favorita de Carlos. Hermoso solo -cortito y efectivo- de Agustín y tremendos coros de Ale.

Sunday
Esta fue en realidad la primera canción de la banda. La escribimos en conjunto con Carlos y nunca terminábamos de encontrarle un sonido que nos convenciera. Cuando finalmente lo logramos, a mediados del 2004, la empezamos a trabajar, pero la banda se separó poco después. Así que solo la tocamos dos veces en vivo, esta fue la primera de ellas, de allí la ausencia de la percusión pensada para el estudio, y también ciertas crudezas...

Pruebas al canto

2008-01-29T13:53:00.000-08:00

Un amigo estuvo visitando el sitio de Chris Cornell, se metió en la página de fotos y se bajó una del recital en Buenos Aires. ¿Y quién estaba allí, en primera fila, barbita grunge, mano extendida en gesto de "no podés ser tan groso"? Efectivamente, el autor de este blog. Y bueno, serán los quince minutos de fama. Efímera, por cierto. Pero es lo que hay...

Videos del mes

2008-01-17T11:39:00.000-08:00

Bueno, empezamos el año con una seccioncita dedicada a canciones que me agradan sobremanera. Meteré una listita de cinco por mes, así hacemos sesenta en el año. Arrancaré con mis bienamados 60's y el orden será estrictamente cronológico. ¡Enjoy!

“It’s all over now, baby blue” – Bob Dylan
Esta canción de Bob me parece sencillamente insuperable.

“I am the Walrus” – The Beatles
Para mí el mejor tema de los Beatles, algo que no es precisamente fácil de elegir, y la prueba de que el genio de la banda era Lennon (ojo, no soy de los que critican a Paul, solo que para mí Lennon era el más groso).

“Venus in Furs” – The Velvet Underground
¡Bienvenidos a la oscuridad!

“The End” – The Doors
Jim sos lo más. Sabelo.

“Somebody to love” – Jefferson Airplane
¡Quiero viajar a través del tiempo y casarme con Grace Slick!

When the truth is found to be lies

2008-01-16T05:53:00.000-08:00

Yo pensaba que la cosa se había cortado en Padme, pero no... Como para dejar en claro que Vader es el ser más groso de la galaxia, le tiró los galgos a la diosa suprema del rock (Grace Slick para quien no lo sepa) y parece que hubo onda.

La mejor banda nerd del mundo

2007-12-18T12:43:00.000-08:00

Conocí a Gomez en 1998, cuando vagando por una disquería me llamó la atención el arte de tapa de uno de sus discos, que resultó ser "Bring it on". Me acerqué a uno de los tipitos que te hacen escuchar los discos y le pedí que me hiciera un paneo. Alcanzó el primer tema ("Get miles") para que me comprara este disco y "Liquid skin". Desde entonces me volví un adicto incondicional a Gomez, esa banda de muchachos sin carisma alguno pero creadores de canciones inconcebiblemente buenas, a quienes espero ver en vivo algún día.

“Get miles” (de Bring it on)

“We haven’t turned around” (de Liquid Skin)

“Shot shot” (de In our gun)

“Nothing is wrong” (de Split the Difference)

“See the world” (de How we operate)

Reflexiones post Cornell

2007-12-18T07:02:00.000-08:00

Si tocaba ésta dejaba de ir a recitales.

Si la tocaba con estos muchachos colapsaba de emoción

Por ahí leí que el show del Flaco fue "guitarrero". Perdón, pero yo entiendo que un señor mayor hace un show guitarrero cuando hace esto:

"¡Fornícame, dios del rock!"

2007-12-12T08:32:00.000-08:00

El sábado podía pasar cualquier cosa, aunque yo esperaba lo peor. Tenía la entrada para, finalmente y luego de esperar ansiosamente durante más de 15 años, quedar cara a cara con quien para mí califica entre los tres mejores cantantes de la historia del rock y quien fue mi héroe personal durante los hermosos días del grunge. Pero claro, después de verlo en su etapa Audioslave, hiperproducido, tostado, con claritos en el pelo y musculosas ajustadas, mis temores eran grandes. Esa imagen de estrella de rock estaba demasiado lejos de mi imagen de héroe del rock -dos conceptos muy distintos- de bermudas rotosas, borcegos, el pelo larguísimo tapándole la cara y la Gibson colgando. Y mis temores aumentaban desde el costado más importante: el musical. ¿Haría la gran Corgan y tocaría solo cosas de sus discos solistas? ¿Haría un show versión crooner al que le metería un par de canciones -tranquis, eso sí- de Soundgarden en plan edulcorado? En mi fuero interno, tras años de seguir la carrera de este muchacho, declaraciones de principios incluidas, abrigaba una esperanza de que no fuera así. Pero temía ilusionarme. Así que fui con expectativas bajísimas, dispuesto a darme por hecho si escuchaba un "Black hole sun" y un "Fell on black days", y a contentarme con ver al tipo de cerca, y comprobar si en vivo canta todo lo que canta en disco.

A eso había que sumarle que hasta casi el mismo día del recital no contaba con acompañante alguno. Todos aquellos a los que otrora les gustara Soundgarden, hoy se reían y me anunciaban un show más semejante a Ricky Martin. Afortunadamente, mi hermano en el rock, Agustín decidió venir, a pesar de compartir mis inquietudes. Pero bueno, de última iríamos, nos reiríamos un poco como solemos hacerlo y la pasaríamos bien de todas maneras.

Llegamos temprano para conseguir entradas, cosa que resulto de lo más sencilla. No sobraba la convocatoria, así que conseguimos el ticket para Agustín sin necesidad de hacer cola. Adentro toda la maquinaria Personal estaba a full tratando de ponerle onda a un evento por demás extraño -meter en un mismo escenario a Spinetta, Happy Mondays y Cornell es por lo menos bizarro- a puro peluquín de colores y stand de boludeces. Así que tras recorrer un poco el lugar y tantear a algunos de los distintos artistas que se presentaba en escenarios diversos nos aprestamos a ver al Flaco.

El show arrancó a pura depresión, llevándonos a hacer la batería de chistes irónicos mezclados con crítica constructiva que nos caracterizan con Agustín. A ver: Almendra, Pescado Rabioso, Invisible... Todas gemas que convirtieron al Flaco en uno de mis héroes del rock vernáculo. Pero su carrera solista, en general, siempre me pareció MUY aburrida. Amo el jazz, y amo el rock, pero detesto la combinación de ambos. Me parece que es un híbrido que no satisface a nadie, con excepción de quienes lo están tocando. Y lo que teníamos en el escenario era esa música soporífera, con músicos sesionistas con la clásica actitud "mirá como pelo, soy re pro", sin transmitir emoción alguna, cero vibración. Lo que bajaba del escenario era un compendio de música sin alma, tocada sin pasión. Afortunadamente, la segunda mitad del show levantó un poco la puntería. Fue como si el Flaco hubiera advertido que no estaba tocando en un teatro para sus fans más acérrimos, sino en un festival en el que tenías amantes del pop, el dance y el reviente (Happy Mondays) por un lado, y adoradores del grunge y el metal (Chris Cornell) por otro. Y que la paciencia tiene un límite. Así que aparecieron un par de clásicos -esos por los que el Flaco muestra una inexplicable vergüenza- como "Starotza" de Pescado y una versión aggiornada de "Ana no duerme" de Almendra (con Dante y Valentino aportando viola y rap, respectivamente), además de esa linda gemita pop que es "Seguir viviendo sin tu amor". Así finalizó el Flaco.

Llegaba el turno de los Mondays. ¿Qué podría pasar con estos héroes del reviente madchesteriano? ¿Las desafinadas de Shaun Ryder superarían las de Ian Brown hace unos meses? ¿Y qué onda Bez, el bailarín oligofrénico? ¿Seguiría presente?

Las dudas se esfumaron en un abrir y cerrar de ojos, cuando la banda arrancó lista para matar haciendo el hiperclásico "Kinky Afro", con Bez tan oligofrénico como hace 20 años, Shaun Ryder más afinado aunque más quieto y luciendo un mortal look Ubaldini de Manchester. Y por supuesto la indispensable presencia de Rowetta, bancando todo el show desde lo vocal. Shaun es un capo. Parado delante de la bata, cual si estuviera en la puerta de un pub de Manchester, gasesosa en una mano, chicle del Vasco Olarticoechea cosecha '86 en la boca, y la otra manito en el bolsillo, el tipo sostiene todo con esa actitud mínima, dejándole a Rowetta la parte pesada del cantar, y a Bez el entretenimiento. Y funciona. Especialmente porque las canciones son inoxidables. El beat inconfundible de Manchester que impulsa al baile hasta a un cementerio entero lo sostiene todo. Y así desfilaron hits al por mayor: la mencionada "Kinky Afro", "God's Cop", "Halleluya", "Loose fit" y "Step on" nos alegraron la noche, con esa cualidad que tan bien definió Agustín de "situarte en un tiempo y lugar determinados" (manchester, infes de lo '80, en este caso). Y esa es una de las características que más amo del rock. Si a eso le sumamos que los Mondays hicieron enojar a Fito Páez porque le tapaban su show (¡hacete de abajo, llórón!), la cosa no pudo ser más completa. Así, sorprendidos por un show infinitamente mejor de lo que imaginábamos, nos aprestamos a esperar a Cornell.

Apareció la banda, haciendo una intro y ya nos gustó que el arranque pintara rockero. Entonces

entró él, y no lucía como la versión Audioslave. Cierto, no era la bestia grunge de "Louder than live" o "Motorvision", pero sí tenía el aspecto normal que se aprecia en las fotos. Lo que no fue normal fue el comienzo, porque cuando uno apenas esperaba lo que conté al principio, el animal abrió con "Drown me in you" y "Outshined" de Soundgarcen, seguido inmediatamente por "Show me how to live" (probablemente la canción que más me gusta de Audioslave). ¡Para qué! Con semejante comienzo me daba por hecho, pero nos esperaba más, mucho más. Cornell demostró que la tiene clara y que -a diferencia del pelotudo de Billy Corgan- era perfectamente consciente de que los que estábamos allí queríamos ver a Soundgarden y, si quedaba tiempo, a Audioslave. Entonces apenas tiró tres o cuatro temas solistas "Can't change me", más dos temas nuevos, más la canción del soundtrack de Bond. Punto. El resto fue glorioso. Porque sí, estuvo "Black Hole Sun", como era de esperar, pero de pronto apareció "Spoonman" y "4th of july", y para el delirio absoluto, dos gemas que nuestra imaginación más afiebrada no hubiera podido considerar seriamente dentro del play list: "Slaves and bulldozers" y "Rusty cage". A esa altura yo prometía que si tocaba "Jesus Christ Pose" podía dar por cerrada mi vida recitalera y no ir a ver a nadie más. También tocó cosas de Audioslave ("Cochise", "Like a stone", "Be yourself", que estuvieron superlativas. Pero entiéndanme: yo soy fan de este tipo por Soundgarden. Soundgarden es LA banda grunge que más amé. Y el tipo nos regaló esas siete canciones. Absolutamente en la gloria, con Agustín gritábamos pletóricos de histeria rockera aquella frase que apareciera en la película The Doors: "¡Fornícame dios del rock!". Y Cornell respondía con una voz que no tiene parangón, inconmensurable y descomunal voz. Respondía con eso, y anunciando que, como su amigo no había venido, íbamos a tener que ayudarlo nosotros a cantar la siguiente canción. ¿Cómo qué canción? El único dueto que tiene Cornell: "Hunger Strike" de Temple of the Dog. Al borde de las lágrimas de la emoción me convertí en uno más de los muchos Vedders que ahullábamos "I'm going hungry". Aunque a esa altura ya no lo estuviera. Todos mis apetitos rockeros habían sido saciados y cómo. "Espero que la próxima vez no me tome tanto tiempo en venir" se despidió. Amén.

Misterios del rock nacional 1

2007-12-07T10:31:00.000-08:00

El otro día caminaba por Capital y veo un gran afiche, con la imágen de Bob Dyl... er, perdón, de Andrés Calamaro. Pero al leer el texto que acompañaba tal imagen me encuentro con lo siguiente: "Honestidad Brutal. Tributo a Andrés. El 8 de diciembre en...". No seguí leyendo. Simplemente pensé cuál puede ser la lógica que lleva a alguien a gastar su tiempo y su dinero en hacer un tributo a un tipo que está vivito y coleando, y que toca constantemente en vivo. Pero no solo eso. Porque siempre se puede explicar desde el fanatismo absoluto, que tiene nada de racional. Lo que me inquietó luego hasta niveles de cierto temor, fue imaginar al público de Honestidad Brutal. ¿Van a ver un tributo a Calamaro, pudiendo ir a ver a Calamaro? ¿Van a ver el tributo y no a Calamro? ¿Van a ver a ambos? ¿Van? En fin...

Cine para una isla desierta Vol 4

2007-11-15T17:25:00.000-08:00

76- La leyenda del jinete sin cabeza (1999)

La dirige: Tim Burton

Actúan: Johnny Depp, Christopher Walken, Christina Ricci, Christopher Lee

Veamos: Tim Burton + Johnny Depp + Christina Ricci + Christopher Walken + Christopher Lee, todos juntos en una película de ¿terror? = tiene que producirse una catástrofe para que la película no sea por lo menos buena.

Por suerte esa catástrofe no se produce y el resultado es esta estupenda, aunque muy libre adaptación del relato de Washington Irving. No llega a ser excelente porque le falta la originalidad y profundidad de otros personajes de Burton como Beetlejuice, Edward Scissorhands o Jack. Pero los climas y escenarios oscuros que tan bien maneja Burton, esos que parecen salidos de un libro de historietas, están en toda su dimensión. Y lo mismo ocurre con la somnolienta ambientación de Sleepy Hollow, que es una fiel reproducción de lo que transmite el relato de Washington Irving. La caracterización que hace Johnny Depp de Ichabod Crane también es magistral, se nota que Johnny leyó bien el librito de Irving. Claro, aquí está la primera diferencia: donde en el libro Crane era un maestro de escuela cobarde, racional y un poco torpe, aquí es un detective cobarde, racional y perseguido por los fantasmas de un pasado oscuro. Detective que es enviado desde Nueva York para investigar los misteriosos asesinatos que están teniendo lugar en los bosques que rodean la aldeíta de Sleepy Hollow, en plena Nueva Inglaterra. Asesinatos que tienen en común la decapitación de las víctimas.

Crane viaja a Sleepy Hollow y se encuentra con una vieja leyenda que habla del fantasma de un jinete Hessiano (un cuerpo de mercenarios alemanes que servía en el ejército inglés) que se dedica a coleccionar cabezas ajenas. Nuestro detective, racional él, no cree nada y se pone a investigar, seguido a sol y sombra por la inquietante Katrina Van Tassel, una lugareña que le empieza a revolotear en la cabeza y que le genera atracción y rechazo en iguales dósis. ¿Por qué? Es que la bella Katrina también oculta un secreto, como parece hacerlo todo Sleepy Hollow...

A pesar de lo increíblemente bien lograda que está la atmósfera tenebrosa de Sleepy Hollow la película no es aterradora, más bien es... encantadora. Es que Tim Burton tiene esa capacidad para sumergirte en mundos que duran una hora y media pero que te dejan encantando por siempre. Y eso es lo que uno le agradece eternamente.

77- La lengua de las mariposas (1999)

La dirige: José Luis Cuerda

Actúan: Fernando Fernán Gómez, Manuel Lozano

Cómo me gusto esta película! ¡Cómo me conmovió! Toca fibras muy profundas sin caer jamás en los sentimentalismos baratos de Hollywood.

La historia es, esencialmente, la de un pequeño pueblito de Galicia en vísperas de la Guerra Civil, y se centra de manera particular en la relación entre Moncho y su profesor de escuela, don Gregorio. Con apreciable destreza y a través de una serie de viñetas de enorme belleza y sencillez, el director José Luis Cuerda nos interna en la dimensión de ese pueblito, de sus habitantes, nos muestra sus vidas, sus ideas, su sentir y sus miserias. Al mismo tiempo asistimos a la pérdida de la inocencia de Moncho, a quien don Gregorio tratará de enseñarle algo más que matemáticas o historia, intentará mostrarle qué es ser un hombre de bien. Una vez que el espectador se ha involucrado emocionalmente con los personajes, el director le dará un giro de tuerca a la historia que trastocará las vidas de éstos y nuestra percepción del filme. El final será entonces tan profundo como desgarrador.

78- Sexto sentido (1999)
La dirige: M. Night Shyamalan

Actúan: Bruce Willis, Haley Joel Osment, Toni Collette

Bien, está claro que la carrera del amigo Shyamalan se reduce a esta película, ya que el resto fue una sucesión de fiascos. El gran truco de este filme es la estupenda vuelta de tuerca, que le da el sentido al filme. Claro que, afortunadamente, la película puede ser vista más de una vez, ya que mantiene su suspenso aún sabiendo el desenlace, en base a estar excelentemente estructurada. En el plano personal, hay pocos temas que me hagan cagar más de miedo que el de los fantasmas. Y el hecho de que un chico pueda ver gente muerta, y nadie pueda ayudarlo, es sencillamente escalofriante porque dispara los terrores más atávicos. La verdad es que habiendo visto toneladas de películas de terror, ésta me aterró utilizando recursos de lo más convencionales.

79- Réquiem para un sueño (2000)

La dirige: Darren Aronofsky

Actúan: Jared Letto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans, Ellen Burstyn

Harry, su novia Marion y su mejor amigo Tyrone son adictos a la heroína. Marion es una chica adinerada, hija de un padre dominante que la mantiene pero del cual quiere escapar. Y lo hace, inyectándose heroína en las venas. Tyrone es un joven negro, lo que cual en Estados Unidos ya implica fuertes posibilidades de andar por los bordes de la sociedad. No sabe muy bien lo que quiere y sí aquello que extraña y no puede recuperar: a su madre. Por eso se inyecta heroína en las venas. Harry no sabe donde está parado, solo sabe que seguir conviviendo con su madre y su simposio de recuerdos de tiempos mejores era demasiado para él, por eso prefiere patear las calles de Coney Island en busca de emociones. Y las encuentra, cada vez que se inyecta heroína en las venas. Claro, Sara Goldfar, su madre, no tiene la más remota idea de en qué anda su hijo. O mejor dicho, lo sabe -ya que constantemente tiene que ir a recuperar el televisor que él se roba para comprar heroína- pero no quiere verlo. Su vida se paralizó al morir su marido y cuando Harry se fue de la casa. Su unico sostén, lo único que le permite levantarse en la mañana y sobrellevar su soledad, es el televisor y su programa favorito, una especie de talk show de autoayuda. Hasta que un día recibe un llamado en el que se le dice que ha sido seleccionada para aparecer en ese programa. Y su vida da un vuelco fenomenal. ¡Ahora millones de personas podrán conocerla! Sabrán que existe, podra contarles sobre lo maravilloso que era su marido y lo dulce que es su hijo. Podrá SER. Y nada mejor para la ocasión que lucir aquel ajustado vestido rojo que tanto excitaba a su hombre. Claro, los años pasaron y el vestido rojo ya no entra, así que Sara Goldfar visita a un dietólogo inescrupuloso que le receta cuatro pastillitas mágicas. Cuatro pastillitas que la harán adelgazar en una semana. Cuatro pastillitas que son la puerta de entrada al infierno.

Harry, por su parte, concibe un plan. Sabe que Marion tiene talento para el diseño y le propone abrir una boutique. Para financiar el proyecto, Harry y Tyron comprarán una cantidad de heroína, la fraccionarán y la revenderán a un mejor precio. Todo parece ir bien, una esperanza se dibuja en el futuro. Pero la adicción no está hecha de esperanzas.

Es que hay una adicción que todos comparten en esta película. Todos son adictos a la peor de las drogas: la desesperanza. Esa desesperanza generada por un sistema que empuja al aislamiento, a la soledad, al vacío, a la ausencia de cualquier valor y contención.

He visto muchas películas sobre drogas, pero ninguna tan buena como esta. La dirección de Darren Aronofsky es impecable, increíblemente buena. El tipo -tal como lo demostrara en "Pi", otro filme de aquellos- simplemente ha creado una manera de filmar la locura, de plasmarla en celuloide con sus ritmos enfermizos y sus explosiones distorsionadas de irrealidad. Su insistencia en filmar la repetición de los actos cotidianos que llevan a los cuatro protagonistas a la locura, es tan efectivo como aterrador. La formidable edición de los últimos devastadores minutos son un ejemplo cinematográfico de cómo crear una tensión insostenible. Y a eso hay que sumarle las actuaciones, una mejor que la otra. Particularmente Ellen Burstyn, que no deja dudas de que ella ES Sarah Goldfar. Increíble. No sé si ganó el Oscar en 2000 -año en que se hizo la película- pero si no lo hizo es una de las más flagrantes injusticias en la historia del cine.

Esta no es una película simpática, ni mucho menos. Es brutal y te deja hecho un moño. No hay nada alentador aquí, sino más bien lo contrario. No podría ser de otra manera cuando los protagonistas se empeñan en destruir sistemáticamente cualquier tipo de esperanza. Pero no verla, mis amigos, es un error imperdonable.

80- Memento (2000)

La dirige: Christopher Nolan

Actúan: Guy Pearce, Carrie Ann Moss, Joe Pantoliano

Esta opinión fue escrita por mi amigo Santiago, que en este caso funciona como crítico invitado.

Los créditos iniciales de “Memento” van para adelante pero la acción va en sentido contrario. Es una foto de Polaroid que, en vez de ir revelándose de a poco, su imagen va desvaneciéndose de a poco. Rewind. Sí, la escena va para atrás, como si el editor la estuviese rebobinando. Esta escena más que atractiva de ver te muestra dos cosas: que el segundo inicial del film, por más que sea rebobinado, es exactamente el final de la película, y que te prepara para lo que será una nueva y original manera de narrar una historia.

Leonard Shelby se encuentra perdido todo el tiempo ya que siempre se olvida de todo. Es que tiene un síndrome, uno que le hace olvidar hechos recientes, lo que le obliga a sacar fotos de gente y anotar nombres, con tal de acordarse de ellos minutos después, cuando su mente vuelve a ponerse en blanco. Sólo puede recordar cosas que le sucedieron antes del “accidente”, aquel donde violaron y asesinaron a su esposa y a él le dieron tremendo golpe que lo dejaron con este problema mental. Leonard busca al asesino, sólo que no sabe quien es y si algo averigua, seguro se le va a olvidar.

Entonces, decide convertir su cuerpo en un anotador ambulante, tatuándose datos del asesino por todo su cuerpo, a medida que los averigua. Pude tener sus iniciales, el número de matrícula, a que se dedica, color de piel, etc. Leonard debe encontrarlo a pesar de su problema y varias veces dudará si está haciendo lo correcto, si está buscando a la persona indicada. Pensarán que se quedarán tranquilos, ya que pueden ver el film sin preocuparse de fijarse en muchas cosas, ya que sólo el protagonista tiene ese problema. Pero se equivocan.

El excelente guión escrito por Christopher Nolan, basado en una historia de su hermano, está planteado para que el espectador se ponga en el lugar de Leonard. ¿Cómo?. Muy fácil (o muy difícil), narrando la historia para atrás. Empezando por el final y terminado con el comienzo, por fragmentos. De esta manera, estaremos tan confundidos como el protagonista, hasta que en el próximo fragmento nos los explican. Entre fragmento y fragmento que va para atrás hay otros, en blanco y negro, que van para adelante. En algún momento, esos dos hilos narrativos se juntarán. Creo que nunca había visto un guión escrito así. Es increíble y formidable, lo mejor del film.

Lo que a su vez trae una desventaja, lo complicada que puede llegar a ser. He visto esta película hace un tiempo en DVD y gracias a Dios por ello. Tuve que verla dos veces para entenderla mejor porque el problema de “Memento” es que no se le puede dejar de prestar atención en ningún momento. Si la hubiese visto en cine, sería mejor verla con alguien para después comentarla. Si pestañas, podés perderte algo. Hay todavía cosas que me quedaron sueltas, pero sí entendí el final y eso no me impidió disfrutar de ella.

“Memento” tiene excelentes actuaciones a cargo de los tres actores que están presentes en casi todo el largometraje. Como Leonard está Guy Pearce cargando un papel lleno de dudas e incertidumbre, logrando la perfección. La morocha hermosa que es Carrie-Ann Moss (“The Matrix”) puede también mostrar talento a un personaje misterioso. Para el final, Joe Pantoliano como Teddy, amigo o no de Leonard, que nunca se sabe de que lado está. Hay varios diálogos jugosísimos gracias a la manera de narrar que tiene el guión. Nolan, también director, nunca se extralimita con la dirección, por más que sea tan complicada.

81- Casi famosos (2000)

La dirige: Cameron Crowe

Actúan: Billy Crudup, Patrick Fugit, Philip Seymour Hoffman, Frances McDormand, Kate Hudson

Antes que nada: me encantan las películas de rock. Cameron Crowe ya me había dado una alegría en este sentido con Vida de solteros.

En segundo lugar: Cameron Crowe no es ningún Maestro del cine, sus obras dificilmente se conviertan en clásicos y desde el enfoque de un purista sus películas podrían ser calificadas de regulares y hasta malas (depende con qué pie se haya levantado el purista ese día).

Pero, eso sí, Cameron Crowe ama al rock por sobre todas las cosas, Cameron Crowe fue y sigue siendo un fan, Cameron Crowe entiende "de qué se trata" esto del rock.

Y en "Casi famosos" rinde un homenaje a esa sufrida raza llamada Fans del Rock y sus Estrellas. A aquel que todos en mayor o menor medida hemos sido (o seguimos siendo) en algún momento de nuestras vidas. Al que empapelaba su cuarto con posters, a aquel para el cual absolutamente TODOS los discos de su banda favorita eran insuperables, al que sabía cada letra como si fuera el himno de su país, al que seguía a su banda favorita como fuese y a donde fuese.

Ese homenaje de Crowe, por otra parte, está cargado de ternura y de nostalgia. Y así se convierte en una celebración de la ingenuidad omnipresente en el fan, que lo lleva a dar todo por un autógrafo, por estar cara a cara con su héroe aunque sea una vez en la vida y por un segundo.

Eso es Casi Famosos, una película de un fan del rock para los fans del rock. Y nosotros la recibimos con cariño.

82- Alta fidelidad (2000)

La dirige: Stephen Frears

Actúan: Catherine Zeta-Jones, Jack Black, Todd Louiso, Lisa Bonet, John Cusack, Tim Robbins

No pude evitar sentirme identificado con el protagonista en numerosos pasajes, sencillamente porque soy un melómano al que le gusta hacer rankings de todo tipo -como el actual- y que está absolutamente convencido que para cada momento de mi vida hay una o más canciones que actúan como banda de sonido. La película trata, linealmente, sobre eso. La vida de un melómano (Rob, John Cusack) que busca reconquistar a su novia perdida, para lo cual emprende un "viaje de investigación" a través del Top 5 de las peores rupturas de su vida amorosa. Eso lo llevará a varias situaciones hilarantes y a otras tantas con las que te vas a sentir plenamente identificado (la de Catherine Zeta Jones, por ejemplo, al menos en mi caso). El objetivo de Rob es indagar qué hizo mal antes para ver si está repitiendo errores con su novia actual. Pero el fondo de la cuestión es que el tipo se da cuenta que se quedó emocionalmente estancado en la adolescencia y que... bueno, ya estoy por empezar a decir demasiado.

¿Por qué me gustó?

1) La banda de sonido es increíble (¡dos temas de la Velvet!).

2) Los dos ayudantes de Rob en la disquería -Barry y Dick- de la cuál él es dueño son memorables.

3) Parece Bruce Springsteen en un cameo notable.

4) El guión tiene algunos diálogos de antología, aunque pueden ser específicos para "especialistas" y/o enfermos de la música.

5) Hay un par de escenas para llorar de la risa (la del disco de Bob Dylan y aquella en la que Tim Robbins va a la disquería).

En síntesis, una comedia "simpática", que no creo que llegue a ser un clásico pero ¿a alguien le importa?

83- Snatch, cerdos y diamantes (2000)
La dirige: Guy Ritchie

Actúan: Brad Pitt, Benicio del Toro, Alan Ford, Vinnie Jones

Me habían hablado mucho de esta película pero siempre me colgaba y no la veía. Hasta que un fin de semna del 2002, en un rapto de inspiración, la alquilamos. Y, quizás por méritos de la película, quizás por que no tenía expectativas al respecto, me pareció excelente. Una suerte de comedia policial cargada de humor negro que gira alrededor de un diamante robado, "Snatch" no tiene desperdicio por donde encares la cuestión.

¿Querés buenas actuaciones? Hay de sobra: Brad Pitt demuestra una vez más que es un excelente actor más allá de los prejuicios que muchos tienen a partir de su cara bonita, Alan Ford la "deja así chiquita" en su papel de Brick Top, Vinnie Jones (Bullet Tooth Tony) es el más duro de los duros y la dupla de inútiles bien intencionados integrada por Lennie James (Sol) y Ewen Bremmer (Mullet) es memorable.

¿Querés buena dirección? La de Guy Ritchie es notable: dinámica, atrapante, sorprendente. Sin ella, y a pesar de lo arriesgado de filmar a lo "video de rock", la película perdería un 50% de su genialidad.

¿Querés un buen guión? También es mérito de Ritchie, con varios diálogos de antología y un refinadísimo humor negro, como el que solo puede darnos un inglés.

¿Los personajes? Imperdibles: el psicótico Brick Top se hace odiar y temer en la misma medida, la breve aparición de Benicio del Toro encarnando al mafioso judío Franky Four Fingers es suficiente para hacerte entrar en la película con una sonrisa, Bullet Tooth Tony hace quedar a Harry el Sucio como un nene de pecho, el ex agente de la KGB Boris "The Blade" Yurinov (Rade Serbedzija) es un ser sin escrúpulo alguno y testarudo hasta para morir, y Mickey (Brad Pitt) es un gitano irlandés de esos que preferirías no conocer si querés evitar metrte involuntariamente en problemas. En fin, ninguno de ellos tiene desperdicio alguno.

Y la trama te tiene todo el tiempo con el corazón en la boca, sin poder deducir jamás que va a ser de los dos pobres Turkish (Jason Statham) y Tommy (Stephen Graham), quienes no paran de embarrarla una y otra vez. No duden en alquilarla, van a ver una película distinta y se van a divertir más que en cualquier montaña rusa.

¡Ah! Y van a empezar a respetar muchísimo a los inocentes chanchitos...

84- El Señor de los Anillos (2001, 2002, 2003)
La dirige: Peter Jackson
Actúan: Elijah Wood, Ian McKellen, Sean Bean, Hugo Weaving, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Liv Tyler, Christopher Lee, Viggo Mortensen

Simplemente quiero señalar que "El Señor de los Anillos" es una sola película dividida en tres, y no tres películas, como algunos reclaman por ahí. Pretender contar una saga como la de Tolkien -que además incluye "El Hobbit"- en menos tiempo del que fue hecho es realmente absurdo. Si para un fantochada como "Matrix" hicieron una trilogía no veo cómo se podía esperar menos de una obra del calibre de "El Señor de los Anillos".

Señores, Peter Jackson recrea un mundo en esta película. Y lo hace de manera impecable. Evidentemente es imposible meter más elementos, es imposible adaptar literalmente el lenguaje literario -valga la redundancia- al cinematográfico. Son dos lenguajes distintos con distintos requerimientos y posibilidades. Dentro de esa realidad, Peter Jackson logró un producto perdurable, que respeta en enooooorme medida al original, con el gigantesco mérito además de haberlo hecho por afuera de Hollywood y sus posibilidades macroeconómicas.

Niños y niñas que leyeron el libro, por favor, dejen de ser insoportables. No hay p... que les venga bien: que falta el diálogo entre tal y tal otro, que Pippin cuando va a cagar al baño se lleva una revista y no una pipa, que es muy corta, que es muy larga, que en realidad Aragorn tenía el pelo un poquito más claro... ¡Basta!

Niños y niñas que no leyeron el libro: dejen de lloriquear con que es muy larga o que no la entendieron. ¿Ahora resulta que es difícil bancarse 3 horas en el cine viendo una película épica, con espadas, fantasmas, romances, batallas y monstruos? ¡Cuántos estragos está haciendo el lenguaje del video clip en la cultura actual, por Dios! Con razón a la gente le cuesta tanto leer un libro...

Y encima decir que es difícil de entender. A ver: están los buenos y están los malos. El más malo de los malos se llama Sauron y quiere conquistar el mundo. Para eso necesita recuperar un anillo que le da poder. Ese anillo lo tienen los buenos, que arman un equipo que tiene como misión destruir el anillo para que no lo consiga Sauron. ¿Listo? Complicado, ¿no? En fin, a todos los que no se consideran a sí mismos miembros de la gran escuadra de gatafloras, les digo: "El Señor de los Anillos" será para los pibes de hoy lo que "La Guerra de las Galaxias" fue para todos los que andamos en los 30 años de edad promedio: una saga inolvidable, llena de magia y aventura, a la cuál volveran una y otra vez, hechizados para siempre por héroes con nombres propios (Aragorn, Legolas, Gimli, Gandalf, Frodo, Sam) y malos bien malos (Sauron, Saruman, Wormtongue, los orcos)...

85- Los otros (2001)
La dirige: Alejandro Amenábar
Actúan: Fionnula Flanagan, Renée Asherson, Jim Bentley, Eric Sykes, James Bentley, Nicole Kidman

Ví esta película en circunstancias particulares. Era febrero, estábamos de vacaciones con mi adorable chica y aprovechamos para ir mucho al cine. Por eso ví este filme junto a Amelie, Memento y Una mente brillante. La última me pareció mala, pero las dos primeras me parecieron excelentes. Quizás esa sobredósis de cine y buenas películas podría haber atentado contra el disfrute de ésta. Por eso decidimos ir a verla en trasnoche, en un cine viejo y con la obligación de volver del cine caminando hasta Ostende, que era donde estábamos. El resultado fue impecable, porque terminamos bastante asustados (aunque en mi caso no tanto como con Sexto Sentido) pero, por sobre todo, disfrutamos de una película fantástica.

"Los Otros" es un doble homenaje: a Henry James por un lado y a Alfred Hitchcock, por el otro. La historia esta evidentemente inspirada en "Otra vuelta de tuerca" el gran y aterrador clásico de fantasmas de Henry James. Y la manera de filmar, de crear suspenso y terror como se debe (esto es: a través de la sugestión, manipulando la psiquis y los nervios del espectador, sin necesidad de caer en golpes bajos ni obviedades sanguinolentas) remite al enorme Hitchcock.

Aquello que más nos aterra es todo lo que no podemos explicar, ni entender, aquello que está guardado en un cajón polvoriento de nuestro inconsciente y fue enterrado mucho tiempo atrás, cuando creímos abandonar la infancia, maquillándonos con la lógica y la madurez. Pero basta la sombra exacta, el chirrido inesperado, el susurro inexplicable, para convocar a todas esas presencias que nunca se fueron, simplemente estaban allí, latentes, esperando para atenazarnos nuevamente con sus garras escalofriantes. Amenabar es un verdadero medium, capacitado para evocar esos espíritus siniestros y mantenernos encandenados a la butaca durante dos horas de asfixiante tensión. Los amantes del género no podrán dejar de incluir a esta película entre los clásicos.

86- Amelie (2001)

La dirige: Jean-Pierre Jeunet

Actúan: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Serge Merlin, Dominique Pinon, Maurice Bénichou

Una joya. Así de simple.

Una pelicula de CINE. De esas que hay que ver en pantalla grande, porque guardan en sus entrañas toda la magia para la cual este arte fue concebido y están hechas con un amor reverente hacia él.

Visualmente no tiene el más mínimo desperdicio: los colores, los espacios, los lugares, las expresiones, los pequeños detalles, todo se conjuga en un verdadero festín para los ojos. Tu vista te va a agradecer largamente que la expongas al universo de Amelie.

La historia. No voy a contarles el argumento, prefiero que vayan desnudos de toda expectativa -como lo hice yo- y se dejen sorprender, se dejen enamorar por la bella Amelie. De todas maneras, como dijo alguna vez Borges, solo hay una historia con dos desenlaces posibles: alguien tiene un problema, lo resuelve o no. El secreto está en quién es ese alguien, cuál es el problema y cuál es el camino para resolverlo. Allí se ve el genio del artista, allí se ve la maestría de Jeunet (director y guionista).

Las actuaciones. Memorables, no tienen desperdicio.

Los personajes. Inolvidables, muchos de ellos son gente de lo más común, a las que el mero enfoque de Amelie transforma en seres mágicos. Y es que justamente, hay tanta gente, tantas historias fabulosas entre los que pasan junto a nostros como fantasmas. Y para conocerlas apenas bastaría detenernos un día en nuestra vorágine, sentarnos, escuchar, observar...

87- 24 Hour Party People (2002)
La dirige: Michael Winterbottom
Actúan: Lennie James, Steve Coogan

El tipo es periodista, estudió en Cambridge y tiene una vasta cultura, pero las notas que le encargan pueden ser volar en ala delta sin haber tomado clases, entrevistar a un enano que baña a los elefantes del zoológico o a un tipo que construyó canales a principios de siglo y que casi no recuerda nada de ello. Su único escape a ese mundo de notas absurdas es un segmento de su programa en el que puede pasar música. Hasta que un día de 1976, asiste a la primera visita de los Sex Pistols a su ciudad, Manchester. Y se le da vuelta la cabeza. Es consciente de que él y los otros 41 asistentes al recital son testigos de un momento histórico. A partir de ese momento decidirá arriesgarlo todo por esa fuerza arrolladora llamada punk rock. Así decide alquilar un local, bautizarlo The Factory y usarlo para promocionar bandas nuevas de Manchester. Y en ese lugar aparecen unos muchachitos llamados Joy Division cuyo talento impulsa a nuestro protagonista a dar un nuevo paso adelante: así crea Factory Records, así nacen los discos de Joy Division. Entonces nuestro mecenas demuestra claramente su voluntad de no venderse mediante el sencillo recurso de "no tener nada a que venderse". Es el primer ejecutivo discográfico de la Historia que no firma contratos con las bandas y que les da total libertad artística. Nuestro hombre se llama Tony Wilson y será el factotum de bandas como Joy Division, New Order, Happy Mondays y A Certain Ratio. Wilson también será el creador de The Hacienda, el boliche que dio nacimiento a la cultura rave. Sin embargo, el exceso de idealismo de Wilson, más la vorágine del rock and roll life style pasarán sus facturas...

Michael Winterbottom filma en formato DV (video digital) para darle clima de documental casero a la película, con lo que no solo logra su objetivo sino que suma al ritmo adrenalínico que requiere cualquier filme que se precie de retratar esa movida trascendental para el rock, el pop y el dance que se conoció como Madchester. A través de la formidable actuación de Steve Coogan como Wilson, y centrándose en las bandas surgidas de Factory Records y en la locura hedonística de The Hacienda (donde "hasta los blancos bailan"), la película propone un paseo por esa ciudad gris e industrial, golpeada por la política económica de Margaret Thatcher, que en una década pasó a convertirse en la meca musical de fines de los 80's, para incendiarse a velocidad supersónica en una marea de éxtasis, heroína y ritmos dance. Lo hace con un humor tremendamente británico y con una devoción absoluta hacia la música y los sentimientos que esta inspira. Para aquellos que ya tienen un conocimiento de lo que allí paso, la película es definitivamente excelente. Pero aún el que no tiene idea del tema la va a pasar bien de la mano de la estupenda banda de sonido y de la película en sí, que es muy divertida. El único defecto que tiene es que hubiera sido interesante que le dedicara un poquito más de tiempo a Joy Division y que el retrato que hace de Ian Curtis es un poco rígido, aparece como medio cabrón cuando era un tipo sensible. Pero bueno, todo no se puede.

88- El gran pez (2003)
La dirige: Tim Burton
Actúan: Ewan McGregor, Billy Crudup, Jessica Lange, Albert Finney, Helena Bonham Carter

Exagerar, esa es el arma" (Grafitti del mayo francés)

No hay caso: Tim Burton es un niño grande y eterno. Sus películas son universos de fantasía con sus propias reglas internas, siendo la primera de ellas la prohibición absoluta de verlas sin haber dejado la adultez en el guardarropas. Para ver sus películas hay que vestir de etiqueta y eso, para Burton, es sinónimo de inocencia. Y si no acatás esa regla te convertís en un William Bloom (Billy Crudup), el incrédulo hijo de Edward Bloom (Ewan Mc Gregor/Albert Finney), un tipo que -según su propio hijo- jamás le ha dicho la verdad sobre nada. Edward Bloom es un contador de historias, una especie escasa en este tiempo. Y, como Tim Burton, necesita de la inocencia para que eso que su hijo considera mentiras y patrañas de un padre inmaduro, se convierta en el más real de los mundos. Necesita imaginación para que su hijo entienda el verdadero significado de sus palabras cuando le dice: "He sido yo mismo desde el día en que nací". Porque de eso se trata la tarea del narrador de historias: de que lo imposible se vuelva posible: Pero es necesario para ello que las barreras se caigan, sino la fantasía es brutalmente asesinada. Si no Mark Twain y Jorge Luis Borges, Oscar Wilde y Fedor Dostoievski, Julio Cortázar y Edgar Allan Poe, Nikolai Gogol y William Shakespeare, Gabriel García Márquez y Roberto Arlt, todos ellos no tendrían razón de ser. Ni tampoco Woody Allen, Spielberg, Godard, Bergman, Lucas, Coppola... y Burton, por supuesto. Es la imaginación al poder, es soñar lo imposible, es olvidarse de todo lo aprendido para empezar a soñar, porque como decía Breton, la imaginación no es un don, sino el objeto de conquista por excelencia. De eso se trata "El gran pez", una película que no termina cuando la cinta deja de correr, más bien es allí cuando debería empezar...

89- Amor eterno (2004)
La dirige: Jean Pierre Jeunet

Actúan: Audrey Tautou, Gaspard Ulliel, Dominique Pinon, Chantal Neuwirth, André Dussollier, Ticky Holgado, Marion Cotillard, Dominique Bettenfeld, Jodie Foster

Esta era una película que tenía pendiente y que -lamentablemente- no alcancé a ver en cine. Y ese punto es clave, ya que una de las principales virtudes de este filme es su caracter eminentemente cinematográfico. Dicho en criollo: es una película para ver en cine. Jeunet apela aquí a muchos de los recursos que utilizó en Amalie: el uso de los colores, por ejemplo, más estridentes en Amelie, sepia en este caso. El uso de la luz para marcar contrastes: la campiña francesa parece bordada en un eterno atardecer de otoño, las trincheras del Somme están pintadas de gris y de oscuridad inabarcables. Los chispazos de humor, de ternura, de ingenuidad, de inocencia, le dan aire a la carnicería cotidiana de las trincheras. La película es un verdadero viaje desde lo visual, una experiencia exquisita en ese sentido, ya que -como se pudo comprobar en Amelie- Jeunet ama detenerse en los detalles, mimarlos con la cámara, pero sin por ese motivo perder ni ralentar el ritmo. Entonces nos regala imagenes de tierna belleza como en Amelie, pero les agrega aquí nuevos elementos: la brutalidad de la guerra -y una muy lograda poesía para encontrar lo bello en escenas que son de por sí estremecedoras-, el drama de la pérdida constante, la incertidumbre que genea una ausencia que parece definitiva, la imponencia en la reproducción de época. A eso, como en Amelie, le suma el entrelazamiento de un sinnúmero de pequeñas historias, que hacen a la gran historia que narra el film. Y después se apoya innegablemente en el conflicto ético sobre el que Stanley Kubrick edificó esa obra maestra llamada "La patrulla infernal". El resultado es una película muy lograda, infinitamente más compleja y ambiciosa que Amelie (lo que no implica que sea necesariamente mejor que Amelie), aunque construida casi con los mismos ladrillos. Quizás lo que puede llegar a afectar el disfrute es que esa ambición excesiva lleva Jeunet a incluir tantos personajes y tantas historias paralelas que -sobretodo quien no sepa francés- puede llegar a perderse un tanto. O también puede llevar a que -el terror supremo que buena parte del público le tiene a las películas francesas- el espectador sienta que es demasiado larga. Para que se den una idea de lo que es el subentramado de esta película: tan solo con la historia de Elodie Gordes (Jodie Foster) se puede hacer una película entera -muy interesante, por añadidura- y esa es una sola de las varias subtramas del filme. Eso a muchos puede molestarles, aunque a mí me pareció genial. Tanto como la enorme mayoría de las actuaciones, que son intachables.

¡Ah! A todo esto, ¿de qué trata la película? En 1917, en la batalla del Somme, cinco soldados franceses que ya no pueden soportar el infierno diario en el que viven, intentan un recurso desesperado: la automutilación. Infligiéndose heridas a sí mismos, especulan con hacerse pasar por heridos en combate y así lograr la tan ansiada vuelta a casa. Pero son descubiertos y la pena para este tipo de "delitos" es implacable. Son arrojados a la "tierra de nadie" entre las líneas alemanas y francesas, a morir como su suerte lo decida: de hambre, de frío, baleados, gaseados, por pisar una mina, o víctimas de una bomba. Uno de esos soldados es Manech, el prometido de Mathilde (Audrey Tautou), quien no regresará a Francia. Sin embargo, Mathilde se resiste a creer que Manech ha muerto y así, tras esperar 3 años a su amado, se lanza en una obstinada investigación, atando cabos que parecen imposibles, para intentar reconstruir los últimos minutos de su amado y probar que está vivo.

90- La Caída (2005)
La dirige: Oliver Hirschbiegel

Actúan: Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler, Heino Ferch, Christian Berkel, Matthias Habich, Thomas Krestchmann

Superman es perfecto: repleto de poderes que consisten en llevar todas las capacidades del hombre al extremo (fuerza, velocidad, vista, oído…), virtuoso al punto de poseer una relación casi platónica con Louis Lane, paladín de la Justicia a la que defiende por que no puede concebir un mundo sin ésta, incorruptible, dueño de una inteligencia propia de un gran científico… Superman fue creado para constituirse en un paradigma de lo que los norteamericanos consideraban perfecto, pero lo era tanto que se vieron en la obligación de traerlo de otro planeta. Es decir, Superman es un extraterrestre pero, ante todo, es un personaje de ficción. Durante mucho tiempo, demasiado, el cine retrató a Hitler como si fuera eso, un personaje de ficción, la antítesis de Superman, la encarnación absoluta del Mal. Y la corrección política se encargó de castigar cualquier intento de cambiar esa visión. Pero Hitler no fue ficción, Hitler no fue un extraterrestre, Hitler no fue el emperador Palpatine de la Guerra de las Galaxias. Hitler fue un ser humano, completamente real. Ese es justamente el punto.

Hay una anécdota. En 1942, durante una comida de gala para celebrar el cumpleaños de Goebbels, Eleonore Quandt -ex cuñada de Magda Goebbels- se presentó engalanada con un abrigo de piel de zorro. Hitler la miró y le dijo: "Digame, estimada señorita, ¿se da usted cuenta de cuántos animales inocentes fueron asesinados exclusivamente para que usted pueda lucir este tapado?"

"No encuentro excesivamente trágico el destino de unos cuántos zorros", fue la respuesta de Eleonore.

Hitler la miró unos segundos en silencio, y le contestó: "Eso es justamente lo que está mal, que ya no podamos entender la tragedia de las cosas. Bastaría con que todos nos diéramos cuenta que la destrucción de una sola vida es un hecho irrecuperable, para que todo fuera diferente y mejor". El 15 de enero de ese mismo año, ese hombre cuyas palabras parecen las de un miembro de Greenpeace había dado curso a la "Solución Final" que exterminaría a 6 millones de judíos.

Ese es el punto y eso es lo que muestra "La Caída" de manera escalofriante.

Son muchas las voces que se han alzado para criticar la película porque según el pensamiento políticamente correcto "humanizar" a Hitler es inmoral y puede generar simpatías hacia él en el público. Pero me permito un par de reflexiones. La primera de ellas está vinculada con el pensamiento políticamente correcto, que suele ser tan más papista que el Papa, que termina muchas veces favoreciendo aquello que busca combatir, o atrapado en dilemas éticos. Pues bien, en el caso de "La Caída", la crítica ejercida por el pensamiento político correcto es de una torpeza inaudita y lo único que hace es mantener a Hitler en ese lugar irreal, de ficción, una suerte de Hiper Villano, maléfico y brillante: un Lex Lutor. Así tenemos una encarnación del Mal que es casi Satanás hecho hombre. El pensamiento políticamente correcto deshumaniza a Hitler para convertirlo en un paradigma. Y eso es extremadamente peligroso. Porque nos priva de una de las máximas virtudes que tiene la Historia: aprender de nuestros errores para no repetirlos. Precisamente Hitler fue un hombre minúsculo, mediocre, fracasado, resentido y de escasa cultura e inteligencia. Sin embargo, consiguió acceder al poder por vía democrática y desencadenar la mayor tragedia de la Historia de la Humanidad. Esa es la lección que nos da la Historia. Eso es lo que hay que tener siempre muy claro. Son los mecanismos que permitieron que eso ocurriera los que hay que comprender. Es el funcionamiento de la mente de las personas en circunstancias determinadas lo que es esencial comprender. Y eso es lo que "La Caída" muestra. Hombres minúsculos, enjaulados en un bunker, atrapados como perros rabiosos que tratan de negar la realidad que tiene lugar metros arriba, en las calles de Berlín. Y muestra las reacciones de esa galería de lunáticos ante el hecho insobornable de su derrota. La película jamás puede generar simpatía alguna por esos personajes patéticos y enfermos, jamás. Incluso, el contraste entre algún gesto gentil -como el que describí líneas más arriba- y las cosas que estos personajes dicen y hacen no hace más que acentuar el grado de psicósis que exhiben. Y también el paralelo entre lo que pasa en el bunker y lo que tiene lugar en las calles de Berlín subraya el patetismo de Hitler y su séquito. En "La Caída" no asistimos al épico derrumbe de un héroe trágico, Hitler no aparece como una suerte de Ángel Caído. Lo que vemos es el lastimoso final de una rata enjaulada, en sus patéticos esfuerzos por prolongar un poco más su minúscula existencia.

PD: Las actuaciones, particularmente la de Bruno Ganz, son brillantes.

91- Last days (2005)
La dirige: Gus Van Sant
Actúan: Michael Pitt, Lukas Haas, Asia Argento, Scott Patrick Green, Nicole Vicius, Ricky Jay, Ryan Orion

Gus Van Sant reconstruye los últimos días de una estrella de rock que no quiere serlo, a la que él llama Blake, aunque todos sabemos que es Cobain. Por supuesto, siendo quien es Van Sant, la película está lejos de cualquier complacencia hacia los cánones hollywoodenses. Y está bien: Kurt no lo hubiera querido de otra manera. Van Sant deja la cámara libre para que recorra la casa de Cobain, encontrándose a su paso con los parásitos que vivían a costas de Kurt, y a quienes él les importaba poco y nada, excepto para conseguir la guita necesaria para drogarse convenientemente. Y por supuesto está Cobain, o lo que queda de él. Un fantasma murmurante que se va desmoronando progresivamente hacia la alienación absoluta y el final por todos conocido. El filme late a ritmo de angustia en tensión creciente. La angustia de Cobain por no poder escapar de sí mismo, y la angustia del espectador, que Van Sant alimenta inteligentemente, sin necesidad de golpes bajos, a puro trabajo de cámara, a sabio uso de los silencios y de los planos largos. Una joya.

92- Match Point (2005)
La dirige: Woody Allen

Actúan: ¡Scarlett, oh Scarlett! No sé, y otra gente más... Pero.. ¡¡¡Scarlett!!!

Primera aclaración: En muchos lugares se presenta esta película como una comedia. Y es cualquier cosa menos una comedia, es más bien una cruza entre un drama dostoievskiano y un thriller que se acerca temáticamente al film noir. No te vas a reír ni una sola vez, te lo aseguro.

Segunda aclaración: En muchos lugares se dice que es la mejor película de Woody Allen en 15 años. Se trata de una definición exacta.

Tercera aclaración: Sí es la película menos woodyallenesca en muchísimos años, al punto que podría pasar por la película de otro director. Y es que no solo no hay jazz de fondo, ni es en Nueva York, ni hay un alter ego de Woody, y todos los actores (salvo Scarlett Johansson) son británicos; el tema fundamental es que Woody encara un tema que no había tocado antes (el de la incidencia de la suerte en nuestras vidas), utilizando un género que no había utilizado antes (el thriller) y lo hace en una de sus películas más oscuras y pesimistas.

Cuarta aclaración: A pesar de lo expuesto, es claramente una película de Woody Allen. Porque está llena de guiños y referencias culturales características de Allen y, fundamentalmente, porque más allá del marco en el que se desarrolla la película, la clave está en desmenuzar las conductas humanas y sus consecuencias. Y esta vez analizadas a través del prisma del azar.

Woody parte de una metáfora que le entrega el tenis (cuando la pelota pega en la red, queda suspendida un momento en el aire y, según de que lado caiga, ganás o perdés) para contar la historia de un trepador dispuesto a todo. Sus actos y la manera que estos afectan a quienes lo rodean, le sirven a Allen para hurgar profundamente en el tema de la culpa, de la ética (o la falta de ella), de los límites que hay cuando se separan amor y sexo, de la mentira, de la omnipotencia. Hay mucho del Raskolnikov de Dostoievski en el personaje de Johnattan Ryhs Meyers (de hecho, hay una justificación filosófica de su accionar, dicha en una cocina, a la noche, que es un extracto literal de "Crimen y Castigo"). Sin embargo, mientras los personajes de Dostoievski se redimen a través del arrepentimiento y son salvados por el amor, los de Woody parecen imposibilitados de escapar a su sino trágico.

Las actuaciones son excelentes. La cara glacial de Rhys Meyers le da a su personaje un halo verdaderamente siniestro y cínico. Aún cuando su actitud pueda ser la de un pollito mojado, late dentro suyo una ambición desmesurada que apenas puede contenerse y que alimenta la tensión creciente. Y eso se percibe sin que diga una sola palabra: es actuación pura... y de la buena. Por su parte, Scarlett Johansson me sorprendió como mucho más que una cara y un cuerpo (muuuuy) bonitos. Pasa de ser una bomba sexy a mostrarse totalmente vulnerable cuando se derrumba esa fachada y desnuda sus inseguridades. Y lo hace con una naturalidad que la vuelve totalmente creíble. De hecho eso es lo que más me gusto de la película: todas las actuaciones son absolutamente creíbles, te compenetrás con esos personajes, sentís que -más allá de las clases sociales- conocés ejemplares de cada uno de esos caracteres, más allá de la unidimensionalidad de algunos papeles secundarios.

93- Munich (2005)

La dirige: Steven Spielberg

Actúan: Eric Bana, Goeffrey Rush, Daniel Craig

El otro día charlaba con una amiga sobre el cine de Spielberg. Ella me decía que no le gusta porque sus películas son siempre fábulas o, si son "serias", son demasiado metafóricas. Yo le decía que sus películas me gustan precisamente por eso, por contar fábulas. Y, si bien es cierto que suele apelar a las metáforas en sus filmes "serios", "Munich" definitivamente no es el caso. Se trata de la película más cruda y directa que ha hecho en su carrera.Después de los asesinatos de 11 atletas israelíes en las Olimpíadas de Munich a cargo del comando palestino "Septiembre Negro", el gobierno israelí de Golda Meir, decide tomar venganza asesinando a 11 importantes figuras políticas palestinas. La misión es encomendada a un grupo de cinco agentes del Mossad, comandados por Avner (un notable Eric Bana). La película nos mostrará el viaje de Avner y los suyos a lo largo y ancho de Europa, llevando a cabo su misión. Pero tambien nos introducirá en la mente y el alma de Avner, quien se ve inmerso también en un viaje hacia el deterioro moral y psicológico generado por sus acciones.

Spielberg busca dejar muy en claro la idea de que la venganza solo trae aparejada más muerte y más violencia, y que aquellos a los que se mata tienen también una vida, una familia, un hogar, ideas y sueños. De hecho, esas familias, esos hogares, esas ideas y esos sueños son los que los llevan a matar en primer término. Como en "La lista de Schindler", Spielberg utilizó el blanco y el negro para trazar una metáfora del Bien y del Mal, en "Munich" todo es gris. No hay buenos ni malos aquí, todos los protagonistas parecen estar justificados por aquello que dicen defender. Y, claro, nadie lo está realmente.La película padece de algunos defectos, pero son menores. Y, de hecho, aquello que muchos señalan como negativo en Spielberg, para mí es virtud: la capacidad de hacer llegar una idea a un público absolutamente masivo. Quien no entiende esto, no entiende al promedio norteamericano al que las películas de Spielberg están dirigidas. "Munich" es un alegato contra la venganza -además de contener numerosos palitos a la política yanqui en Medio Oriente-, algo a lo que los norteamericanos se hicieron tan propensos después del 11S. Y lo que les está pasando en Irak no hace si no demostrarles lo que Spielberg les recuerda en "Munich".

94- Buenas noches y buena suerte (2005)
La dirige: George Clooney

Actúan: David Strathairn, George Clooney, Robert Downey Jr, Patricia Clarkson, Ray Wise

Estamos en 1953 y el senador republicano Joseph McCarthy se encuentra en pleno apogeo, dedicado a "desenmascarar" comunistas infiltrados en posiciones de poder dentro de la sociedad y el gobierno estadounidense. Las listas negras alcanzan todos los estamentos de la sociedad estadounidense, las libertades civiles se ven seriamente amenzadas, mientras que la prensa se encuentra amordazada: nadie se atreve a decir una palabra que pueda llevarlo a ser expuesto como "rojo". Cualquier semejanza entre eso y la Patriot Act de George W. no es pura coincidencia. Se trata de la demostración de como el partido republicano suele manejar los asuntos internos de Estados Unidos, muy lejos de la libertad y la democracia que quieren venderle/imponerle al mundo. Pero también es cierto que, a pesar de todas las críticas que pueden hacérsele, la democracia norteamericana tiene algunos aspectos bastante sanos. Watergate fue un ejemplo. Y aquello que narra esta película es otro. Porque el periodista de CBS, Edward Murrow (maravillosamente interpretado por David Strathairn) se va a valer de un medio que estaba en pañales -la televisión- para desenmascarar y hundir a McCarthy. En el camino no solo saneará la democracia y demostrará el poder que pueden llegar a tener los medios de comunicación. También dejará en claro que, periodísticamente, estaba a años luz de sus colegas.

La segunda película de George Clooney como director vale realmente cada una de sus muchas nominaciones al Oscar, particularmente por la actuación de Strathairn, sobre la que gira y en la que se apoya todo el filme. Por otra parte, más allá de cierta retórica que ya forma parte del lenguaje hollywoodense, "Buenas noches, y buena suerte" es valiosa por lo que dice y por cómo lo dice, en un tiempo en el que Hollywood parece estar reexaminando finalmente su papel más allá del entretenimiento. Como nunca, casi todas las películas que compiten por el Oscar, cuestionan la política y los valores de Estados Unidos tanto en el plano interno, como en el externo. Y eso, para un cine acostumbrado a producir pochoclo, es un rasgo definitivo de madurez.

95- El noveno día (2005)

La dirige: Volker Schlöndorff

Actúan: Ulrich Matthes, August Diehl, Hilmar Thate, Germain Wagner, Jean-Paul Raths

“El noveno día” es una de las mejores películas que se estrenaron en 2005 y una de los tantos muy buenos filmes alemanes que aparecieron –aunque algunos demasiado fugazmente- por nuestras carteleras. Basada en una historia real, repasa una vez más el tema del nazismo. Esta vez desde la óptica de uno de los tantos sacerdotes católicos que fueron confinados en los campos de la muerte –Dachau, en este caso- por oponerse al régimen nazi. Tras ser testigo en carne propia de los horrores de los campos, para su sorpresa, es liberado. Claro, cuando regresa a casa descubre que los nazis pretenden que pague su libertad traicionando su fe. Tiene nueve días para cumplir con su misión y, si no lo hace, deberá volver a la pesadilla que es Dachau. Aunque, si hace lo que los nazis le piden, conservará su libertad y conseguirá la de los sacerdotes que están allá. ¿Qué es más importante: salvar la propia vida y la de otros, o no traicionar la fe y las convicciones? El debate ético, filosófico y teológico –los diálogos con el oficial nazi que le encarga la misión son de antología- que sostiene la película es memorable y deja en claro que hay determinados tiempos y situaciones que no puede ser analizados desde el maniqueísmo simplista de Hollywood. El cine alemán –y esta película- no lo hacen. Y se agradece.

96- Sin City (2005)
La dirige: Robert Ramirez

Actúan: Mickey Rourke, Bruce Wills, Jessica Alba, Clive Owen, Benicio del Toro, Rosario Dawson

Hay de todo en esta viña del Señor. Por ejemplo, un par de espectadores salían del cine criticando el concepto y los diálogos de “Sin City” ya que, según ellos, eran una burda copia de los que rigen el universo tarantiniano. Claro, son los problemas que genera desconocer la obra en la que se basa una adaptación cinematográfica e incluso, en este caso particular, los gustos personales de Tarantino, quien pagó –literalmente- para participar de la dirección de “Sin City”. Porque, justamente, Tarantino es un enorme admirador de la obra de Frank Miller y se inspiró –entre otras cosas- en la novela gráfica “Sin City” para crear “Perros de la calle” y, sobre todo, “Pulp Fiction”. Otro de esos admiradores es el director Robert Rodríguez quien acosó inagotablemente a Frank Miller para convencerlo de que podía traducir su estupenda novela negra del lenguaje del cómic al del cine. Y, tras mostrarle algunas escenas filmadas, no solo consiguió su aprobación, también logró seducir a Miller para que codirigiera. El resultado es esta fantástica traslación de la viciosa “Sin City”, y del genio lunático de su creador, a un medio que le permitirá al público masivo acceder a los oscuros callejones de esa ciudad en la que todo puede pasar. Recreando meticulosamente, casi cuadro por cuadro, esas historias de seres marginales en busca de venganza o redención que Miller trazó en blancos y negros intensos, Rodríguez logra un epítome del policial negro que fascinará al espectador tanto por su estética como por su contenido: un cachetazo a la moral neoconservadora estadounidense, hecho de irreverentes dosis de violencia, sexo y personajes que de tanto transitar por los bordes se nos vuelven necesarios. Y si en la piel de esos personajes encarnamos a gente que parece creada para interpretarlos como Mickey Rourke (se roba la película), Bruce Willis, Benicio del Toro, Clive Owen, Rosario Dawson, Jessica Alba, Brittany Murphy, Elijah Wood y Michael Madsen, tenemos cartón lleno. Pero, ¿es indispensable conocer la obra de Frank Miller para disfrutar de “Sin City”? La respuesta es no. De hecho, esa es su mejor carta de presentación. Porque, cinematográficamente, la película posee un valor único ya que ofrece una estética y una narrativa totalmente innovadoras, originales, cautivantes. Y logra reunir dos aspectos que no suelen ir de la mano: es tremendamente experimental en sus recursos pero, al mismo tiempo, es absolutamente accesible en el resultado final. En consecuencia, quien vea “Sin City” sin haber leído las historietas, se encontrará con un universo fascinante, al que vale dejarse arrastrar sin ofrecer reparos de ningún tipo. Y, seguramente, una vez que haya visto la película, querrá conocer los originales. Entonces quedará doblemente asombrado y comprobará por qué “Sin City” es una ciudad a la que es muy fácil entrar, pero de la que es casi imposible salir…

97- Children of men (2006)

La dirige: Alfonso Cuarón

Actúan: Clive Owen, Michael Caine, Julianne Moore

En la línea de otras grandes obras apocalípticas de neto corte inglés, “Children of Men” pone nuevamente al hombre contra las cuerdas, cara a cara con las consecuencias de su destructiva e inconmensurable ambición. En esta oportunidad, el ser humano se encuentra ante la certeza concreta de que ha dado demasiados pasos hacia el precipicio y es demasiado tarde para volver atrás, porque la cuerda ya se cortó. La Humanidad sabe que va a extinguirse y la esperanza ha desaparecido. Todos tratan de lidiar con la conciencia de ese inminente final de manera distinta: están quienes se llenan de rabia y luchan por una salida, están quiénes se resignan y se refugian en una botella de whisky, están quienes deciden aprovechar cada segundo que les queda, están quienes prefieren la tibia agonía del aislamiento y la negación, y están quienes esperan el fin mientras se fuman un porro. En ese marco, el más improbable de los héroes se ve empujado a convertirse en el máximo candidato a salvador de la Humanidad. En el transcurso de su viaje, pasará de parte prescindible –por voluntad propia y ajena-, a principal devoto de la causa. Y esta transformación irá de la mano de la posibilidad, no solo de rescatar al mundo de su destino inexorable, sino de lograr una redención personal. Seamos sinceros: un vistazo superficial al argumento parece indicar que todo está dispuesto para ver a un Bruce Willis en cuero, salvando a la humanidad ametralladora en mano. No es el caso, afortunadamente. De hecho, el héroe de la película jamás empuña un arma. Que el filme no caiga en esa trampa facilista, se debe a numerosos factores, todos los cuáles hacen de “Children of Men” una excelente película. Hay que empezar por destacar las estupendas actuaciones, en las que Michael Caine se lleva todas, pero todas las palmas, mientras Clive Owen –finalmente- no se queda en zaga y brilla como nunca, componiendo un personaje que vira de la resignación más absoluta a la tenacidad que dispara el descubrir una última esperanza a la cual aferrarse. La dirección de Cuarón es fantástica, sutil y hasta poética. Nos sumerge de lleno en ese mundo del futuro estupendamente compuesto, al que carga con metáforas de enorme profundidad. Cuarón logra dotar a ese mundo oscuro, violento y desesperanzado de una extraña belleza, bordada con fugaces momentos de luz. La edición y el trabajo de cámara son para aplaudir de pie, situando al espectador en el vórtice mismo del huracán en el que se transforma la película. “Children of men” pertenece a ese género de películas que ya no abundan: las buenas.

98- Zodíaco (2007)

La dirige: David Fincher

Actúan: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Robert Downey Jr

Que David Fincher la tiene clara es una certeza absoluta, solo hace hace falta ver Seven para comprobarlo... o ver Zodiac. Fincher cuenta la historia de uno de los asesinos seriales más aterradores -siempre son más aterradores cuando el caso no puede ser resuelto- de los Estados Unidos y lo hace con una asombrosa capacidad para manipular emocionalmente al espectador hasta tenerlo en un puño, y hacerlo sentir exactamente lo que sienten sus personajes: terror, obsesión, ansiedad, entusiasmo, frustración... Personajes bien reales, por otra parte, y no los estereotipos unidimensionales en los que tan fácilmente se puede caer en este tipo de películas. Porque pudiendo ser el clásico filme de asesinos seriales, el combo blockbuster de thriller + investigación policial, acá hay un filme que roza el clásico. Y lo hace porque fincher pone la historia antes que el entetenimiento, por eso no tiene empacho en dedicar media hora de película a seguir una pista que parece ser la justa, para después dejarnos con las manos vacías, experimentando exactamente la misma frustración que la policía de San Francisco, y por exactamente los mismos motivos. A pesar de su extensión -tanto de la película, como de los hechos- Fincher logra mantener la tensión durante las dos horas y media que dura, gracias a que logra compactar con enorme inteligencia todos los cabos sueltos de una investigación que se extendió por años, sin que jamás pudiera ser resuelta. En fin, y sintetizando: excelente película. No entiendo por qué acá pasó casi desapercibida.

99- 300 (2007)

La dirige: Zack Snyder

Actúan: Una banda de cuasi desconocidos

Es el año 480 a.C. y el rey Jerjes invade Grecia al frente del ejército más grande que se haya visto. Leónidas, rey de Esparta, intentará detenerlo al frente de 300 de sus mejores hombres, más algunos aliados griegos. El lugar elegido por Leónidas para la batalla es el desfiladero de las Termópilas, una franja de tierra tan estrecha que convertirá la inferioridad numérica de los espartanos en una ventaja. Confiado en la vastedad de su ejército, Jerjes no imagina que está por enfrentar a los guerreros más formidables de la tierra.

Vagamente, de eso se trató la batalla de las Termópilas y también la película.

Los problemas empiezan cuando la gente -empezando por los críticos del diario La Nación- va al cine esperando ver una reproducción histórica de la batalla. Los problemas continúan cuando la gente -empezando por los críticos del diario La Nación- van al cine con la idea de ver una película épica, al estilo Gladiador.

Los problemas no hacen sino aumentar cuando la gente -en este caso no incluyo al crítico del diario La Nación- abusa de su corrección política para convertirse en los tradicionales e insoportables exponentes que siempre le quieren encontrar la quinta -y si pueden, sexta- pata al gato. Entonces empiezan con que la película es racista, homofóbica, y propaganda yanqui. Pero claro, el cine es un arte que -como todas las artes- debería estar en las antípodas del reduccionsimo que caracteriza a los talibanes vestidos de críticos (para los que solo existe un determinado tipo de cine válido) y a los cultores de la corrección política. Alguna vez debería comprenderse que -como en distintas ramas del arte- hay un cine que no busca profundizar nada, ni dar mensaje alguno, ni ser poético, ni nada. Solo busca entretener. Solo busca que uno pueda ir y, durante un par de horas, a olvidarse de lo que pasa afuera, y meterse en un mundo de fantasía. Si lo logra, esa película vale la pena.

Bien, "300" lo logra, y cómo. Partiendo de una obra maestra de Frank Miller, el lenguaje del cómic -del cómic, ¿entendisteis, críticos de La Nación?- es impecablemente trasladado al cine para dar vida a la historia de Leónidas y sus trescientos espartanos. La traslación que hace Snyder es espectacular, y para cualquiera que haya leído el cómic -o que maneje ese lenguaje- la película es una delicia.

Eso sí, enumeremos: chicas (suena machista, lo sé, pero créanme: realmente no les va a gustar), detractores crónicos del cine hollywoodense, minuciosos analistas de la precisión histórica, fervorosos detractores del maniqueísmo, sensibles defensores de la paz. A todos ellos, mi consejo: no la vean. No es para ustedes. Punto.

Después, están los que sí deben verla. Para ellos, 300 es una verdadera fiesta de los sentidos, un asalto visual que no da tregua y que nos sumerge en un hecho real transformado en mito, merced a las libertades narrativas de Miller, plasmadas de asombrosa manera por Snyder. Esto no es un racconto de un hecho que de por sí parece imposible –que 7000 tipos le pateen el trasero a 400.000-; esto es una reinterpretación bellamente exagerada, al punto de llevarla a una dimensión onírica, de la batalla de las Termópilas. No pidamos profundidad en el guión, ni actuaciones memorables. La película no tiene esas pretensiones. Pidamos disfrutar de una aventura de esas con las que los vejetes nos regodeábamos en “Sábados de Súper Acción”, fusionada con las que nos desvelaban desde las páginas de El Tony o Nippur, y articulada en la pantalla con la magnificencia visual de Matrix o el Señor de los Anillos. Pidamos eso, porque eso es lo que hay.

100- Cartas desde Iwo Jima (2007)

La dirige: Clint Eastwood

Actúan: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase, Shido Nakamura

La guerra es un estado de muerte perpetua al que hombres comunes son arrojados sin demasiadas explicaciones. Personas que deberán luchar o morir, les guste o no, sin salida y sin la posibilidad de discutir alternativa alguna. El valor de la vida, entonces, pasa a ser una cuestión de perspectivas. La del político que envía miles de hombres a morir y para quien esos hombres son solo estadística; la del propagandista, para quien esos hombres son material de trabajo, aquel con el que construirá grandes consignas retóricas de nación y heroísmo; la del general de cuya habilidad táctica dependen la vida de esos hombres y para quien, en muchos casos, son solo piezas de un engranaje militar; la del oficial, que se encuentra en el debate interno de cumplir con su deber, salvaguardando la vida de esos hombres de los que es responsable; y la del soldado raso, ese tipo común y corriente, carne de cañón eterna de las guerras, que nunca quiso estar ahí, pero no tiene más remedio y solo piensa en volver vivo a su casa. Estas perspectivas y estos hombres, son los que protagonizan la obra maestra de Clint Eastwood. “La conquista del honor” fue una muy buena película, pero cuya grandeza queda tremendamente reducida al lado de “Cartas desde Iwo Jima”. Donde aquella se veía perjudicada por un guión tortuoso, que afectaba la narración, “Cartas” fluye con la delicadeza y armonía propias de las obras maestras. Donde los personajes de “La conquista del honor” nos parecían distantes, en “Cartas” es imposible dejar de empatizar con este grupo de tipos que se saben condenados de antemano, a quienes llegamos a conocer en profundidad a través de sus actos y sus cartas. Donde en la visión norteamericana se estaba constantemente en riesgo de perder el foco, de tan abarcativo; en la versión japonesa el concepto es tan concreto como conciso, y se desprende de la narración con naturalidad. Está claro, por otra parte, el inconmensurable acierto que constituye realizar una película desde la visión japonesa. Es innegable que tantos años de ver morir soldados norteamericanos en centenares de películas hollywoodenses termina anestesiando los sentimientos. Ya sabemos cómo piensan, como sienten, cómo ven el mundo, cómo entienden (o no) la realidad que los rodea, como enfrentan la muerte, como mueren… Sin embargo, “Cartas” nos pone en los zapatos de aquellos que en la primera película eran apenas sombras entrevistas en el fragor del combate. Y entonces nos exhibe en toda su frágil humanidad a aquellos que históricamente el cine norteamericano se encargó de mostrarnos como un enemigo despiadado, cruel e inhumano. Los espectadores, el cine y la Historia, agradecidos.

La número 101 estaba reservada a alguna que me pudiera olvidar. Y el bonus track es justamente un olvido imperdonable, ya que es una de las películas con las que más me reí en mi vida.

101-Top Secret (1984)

La dirige: Jim Abrahams

Actúa: Val Kilmer

Este delirio pertenece a los mismos autores de "La pistola desnuda"y de "¿Y dónde está el piloto?", pero a mí me pareció mucho mejor que cualquiera de ellas. En una hilarante combinación de parodia a las películas de agentes secretos y a los filmes de Elvis, tenemos una amatralladora de chistes de toda forma y color, al punto que uno puede ver la película por novena vez y va a encontrar chistes que se le habían pasado. El argumento aquí es totalmente secundario, lo imporatante, la clave, es la capacidad de este filme para hacerme reír hasta las lágrimas, sin importar cuántas veces lo vea.

Cine para una isla desierta Vol 3

2007-11-13T07:02:00.000-08:00

51- Cinema Paradiso (1988)

La dirige: Giuseppe Tornatore

Actúan: Philippe Noiret, Salvatore Cacio, Marco Leonardi, Jacques Perrin

Las grandes películas, las películas de verdad son esas que te tocan cada fibra del alma, que te llevan a soñar, que te hacen reír y llorar, que son un espejo del ser humano, esas que dan razón de ser a aquello de "la magia del cine". "Cinema Paradiso" es una de ellas, una de las integrantes del universo escaso de las verdaderas películas de cine. "Cinema Paradiso" nos cuenta la vida de un famoso cineasta que regresa a su pueblito natal, aquel al que había jurado que nunca volvería cuando, muchos años atrás, había partido hacia Roma para cumplir su sueño. Pero este director, llamado Salvatore y alter ego del auténtico director Giusseppe Tornatore, rompe su promesa por un motivo mucho más fuerte: la muerte de Alfredo. Alfredo es el inmemorial encargado de proyectar películas en el cine del pueblo y es también el más entrañable amigo de Salvatore, es aquel que lo introdujo en ese increíble mundo de fotogramas y celuloide, es el que lo hizo "ver" la magia única de ese universo. A través del cine, Salvatore descubrió la vida y se la entregó al cine hasta insensibilizarse. Pero, cuando sus pies lo llevan ante la marquesina gastada del viejo cinematógrafo local, los fantasmas de la memoria lo llevarán a repasar aquellos días inolvidables, treinta años atrás, cuando comenzó a ser lo que es hoy por obra y gracia de esa pantalla escarlata. "Cinema Paradiso" es una obra de arte, pura poesía, pura vida, puro cine...

52-Buenos muchachos (1990)

La dirige: Martin Scorsese
Actúan: Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Paul Sorvino

Parecía que la década del '90 y las películas de gangsters no iban a ir de la mano, pero Scorsese sacó de la galera "Goodfellas" como para desmentir cualquier presunción. Y para eso, el tipo tomó una historia real y la convirtió en una de los filmes más logrados de la década. "Buenos muchachos" cuenta la historia de Henry Hill, un pibe pobre de Brooklyn, que crece admirando a los "wiseguys" (no se me ocurre una traducción al castellano ajustada). Así que, como muchos crecen soñando con ser estrellas de rock, del cine o del deporte, el bueno de Henry aspira a ser una estrella de la mafia. Entonces empieza hacerse desde abajo, subiendo escalón por escalón dentro del crimen. Pinta para convertirse en un verdadero miembro de la "familia", pero encuentra un obstáculo insalvable: sus orígenes italo-irlandeses son una traba inesperada en sus aspiraciones de capo mafia. Es entonces cuando empiezan los problemas...

La película dura dos horas y media y cubre un espectro de treinta años, pero nadie se va a quedar dormido en el proceso. El ritmo es vértigo puro y los personajes son de lo mejor que ha dado el cine gangsteril en toda sus prolífica historia. Y lo más interesante es el deterioro ético de sus personajes. Es que, aunque el imaginario colectivo puede atribuir cualquier cosa menos ética a un delincuente, la realidad es que la mafia posee sus propias -y particulares -normas morales, que son las que encarna Paulie Cicero, y las que siguen a rajatabla sus muchachos. Pero cuando Cicero queda fuera de circulación, estas reglas empiezan a ser violadas una a una, y cuando los códigos desaparecen, todo el mundo empieza a mirar con desconfianza al de al lado...

53- Despertares (1990)

La dirige: Penny Marshall

Actúan: Robert De Niro, Robin Williams

"Despertares" narra un hecho real, ocurrido en el verano boreal de 1969. Aparentemente -algo de lo que me enteré desués de ver la película e investigar un poco- durante la década del '30, hubo una epidemia de la "Enfermedad del sueño" o "De la mosca Tse tse", originada en África, cuyo nombre científico es Trypanosomiasis y que afecta el sistema nervioso, entorpeciendo progresivamente las funciones psicomotrices hasta terminar sumergiendo al enfermo en un estado catatónico, como si durmiera. En 1969, el doctor Malcolm Sayer (alter ego del doctor real Oliver Sacks) entra a trabajar en un hospital del Bronx, donde vegetan cuasi olvidados desde hace 40 años, varias víctimas de esta enfermedad. Claro, los pobres tipos son como "plantitas" y el hospital no puede hacerse demasiado cargo de ellos. Como Sayer es neurólogo se interesa en estos pacientes y trata de estimularlos, descubriendo que responden a determinados intentos. Ese descubrimiento lo lleva a una conclusión atroz: los tipos no están en coma sino sumergidos en un estado de vida latente, en el que ven lo que pasa alrededor pero no pueden comunicarse con el exterior. Por eso trata de encontrar alguna manera de "despertarlos" y decide probar en ellos una droga nueva, que podría dar resultado. Consigue el permiso y lo prueba en uno de ellos, el más joven, llamado Leonard Lowe. ¡Y Leonard despierta! Leonard se recupera a una velocidad pasmosa: su motricidad, su cerebro y sus sentimientos intactos, como si hubiera estado entre paréntesis durante 30 años. La droga es administrada a los otros pacientes quienes regresan también. Todos desesperan por disfrutar de esta nueva vida que se les ha regalado, por recuperar tantos años perdidos en el limbo. Y todo parece marchar sobre ruedas. Parece...

No les adelanto más porque sería arruinarles la película. Sí se las recomiendo por varios motivos: primero y principal, las actuaciones de Robert de Niro como Leonard Lowe y la de Robin Williams como el doctor Sayer valen la película, sobre todo la de De Niro que es sencillamente increíble. Segundo, está basada en un hecho real y, por lo que tengo entendido, respeta bastante esos hechos. Tercero, no cae en sentimentalismos baratos, ni en golpes bajos ni en finales hollywoodences pedorros. Por todo ello la recomiendo. Eso sí, la película trata de rescatar la fuerza del espíritu humano, pero a mí me partió al medio las dos veces que la ví. Les diría que preparen los pañuelos...

54- The Doors (1991)
La dirige: Oliver Stone

Actúan: Val Kilmer, Meg Ryan

¡Qué tema con esta película! The Doors es una de mis bandas favoritas, así que per se una película sobre ellos -y más si la dirigía Oliver Stone- iba a interesarme. Así que, cuando la estrenaron, salí corriendo a verla. No voy a negarlo: en aquel momento me partió la cabeza. Creo que bastaba el hecho de escuchar la música de los Doors a todo volúmen para que eso ocurriera. Pero no era lo único, la película tiene varios méritos además de la música. Uno de ellos es la recreación del espíritu de una época tan -desde mi punto de vista- fascinante, tan vital e incendiaria como fueron los 60's. Eso está logradísimo. Oliver Stone logra sumergirte en un mundo propio, el de la película, que te contagia un espíritu especial, no sé muy bien como explicarlo y no sé si eso me ocurrió a mí por ser fan de los Doors, o es más general. Otro punto a favor es lo visual, fundamentalmente la interacción de la música de los Doors con determinados pasajes de la película. El principio con la clásica anécdota de los indios muertos en la ruta, al compás de "Riders of the storm". "The End" cuando Morrison delira en el desierto. "My Wild Love" cuando toman peyote. "Moonlight drive" cuando él y Pamela se pierden en la noche. "Strange days" en el descontrol de New York (además de "Venus in Furs" de la Velvet en una fiesta de Warhol). Las escenas en el Whisky A Go Go con "The End" o en vivo con "Not to touch the earth" seguramente habrían sido aprobadas por el mismo Morrison. En ese sentido creo que le doy un 10, allí está lo mejor de la película: neopsicodelia pura. Un tercer punto es el entusiasmo de Oliver Stone, fan confeso de los Doors, que intenta homenajearlos y al mismo tiempo termina enganchando a mucha gente que desconocía a la banda. El cuarto destacado sería el uso de muchas frases y letras de las canciones de Morrison en la película, como parte de los diálogos. Quedan bárbaro. Y la quinta virtud son los saltos en el tiempo, y también entre realidad y espacio lisérgico, notablemente logrados por Stone.

¿Cuál es la crítica? Quizás Morrison está un tanto exagerado -más allá de la impecable actuación de Val Kilmer- desde el guión, termina pareciendo el Tanguito de "Tango Feroz" en versión yanqui. Es decir: se concentra demasiado en el decontrol de Morrison, en la estrella de rock y no tanto en el hombre Morrison, que era más que interesante: un tipo muy culto y con una mirada profunda sobre las cosas. Justamente, es como que Stone se quedó en la superficie en ese sentido, pintándolo como un drogón descontrolado obsesiondo con la muerte. Y también dejó demasiado atrás a los otros miembros de la banda, que parecen un compilado de idiotas al servicio de Jim. Y si bien es cierto que la magnética personalidad de Morrison acaparaba toda la atención, Robby Krieger, John Densmore y Ray Manzarek eran excelentes músicos y no eran ningunos boludos, sino más bien íconos de la contracultura norteamericana. En fin, una más que entretenida película de rock sobre una de las mejores bandas que dio el género. Quizás no estén ante una obra maestra del cine ni ante una ajustadísima biografía de The Doors, pero se van a divertir un rato.

55- Europa Europa (1991)

La dirige: Agnieszka Holland

Actúan: Marco Hofschneider, André Wilms, Julie Delpy

Las películas vinculadas al Holocausto lo han tratado de mil y una maneras pero, al menos que yo recuerde, nunca lo hicieron desde el lugar de "Europa Europa". El filme de Agnieszka Holland se inspiró en una historia real, paradigmática de otras tantas por el estilo. Esa historia es la de Solomon Perel, un adolescente alemán y judío que en 1938 es enviado a Polonia por sus padres cuando los nazis empiezan a perseguirlos en su tierra natal. Solomon lleva en sus oídos y en su corazón una súplica de su madre: "¡Sobrevive!". Y Solomon hará hasta lo increíble para cumplir con el ruego de su madre. Algo para lo que deberá ponerse en tarea casi enseguida, ya que al año siguiente los alemanes invadirán Polonia. Solomon se encuentra en un orfanato soviético, donde es adoctrinado en el equivalente ruso de las Juventudes Hitlerianas. Pero cuando los alemanes capturan el lugar, Solomon toma la primera de una serie de arriesgadísimas decisiones: se hace pasar por un prisionero alemán. Entonces comienza un periplo de supervivencia que llevará a Solomon a internarse en una telaraña cada vez más intrincada, con el riesgo constante de que descubran su verdadera identidad, algo para lo cual basta que alguien lo vea desnudo. Increíblemente, Solomon se verá sumergido en situaciones tremendamente paradójicas como formar parte de las Juventudes Hitlerianas o que la hija de un oficial nazi, toda aria ella, se enamore de Solomon, viendo en él un arquetipo del joven ario y por ello deseando perpetuar con él la "raza elegida". Parece delirante pero fue absolutamente real y en esa certeza -además de en los planteos éticos que genera- radica el enorme impacto de esta estupenda película.

56- El silencio de los inocentes (1991)

La dirige: Johnattan Demme
Actúan: Jodie Foster, Anthony Hopkins

Bueno, probablemente una película histórica dentro del cine de psicópatas al presentar en sociedad a uno que aspira a la corona: Hannibal Lecter. Ex psiquiatra brillante, especializado en loquitos de alto calibre, se ha unido al club al no poder dominar su afición a comer... gente. A entrevistarlo envían a la buena de Clarice Starling, agente del FBI con cara de chica buena. El objetivo es que Lecter la ayude a comprender el comportamiento de Buffalo Bill, un psicópata que tiene como pasatiempo favorito matar chicas y sacarles la piel, y con esa información atrapar al piradito. Claro, a cambio de su ayuda, Lecter pide un par de cositas: que lo pongan en una celda más cómoda... y que lo dejen charlar con Starling. Y ya que no puede hincarle el diente como le gustaría, Hannibal aprovecha para hacerse un festín con la psiquis de la pobre Clarice. "El silencio de los inocentes" es simplemente uno de los mejores thrillers sobre asesinos seriales que se hayan hecho. No solo cuenta con actuaciones memorables y una dirección pecable, fundamentalmente es la manera de abordar el tema de las psicopatías, y de la locura dentro de las que son sindicadas como vidas "normales", lo que le da un plus que la eleva a la estatura de película de quiebre en el género. Una de las películas más aterradoras de la década, en las que el horror no surge de escenas shockeantes, desmembramientos o sangre derramada, sino de las conversaciones entre un hombre y una mujer.

57- Vida de solteros (1992)

La dirige: Cameron Crowe

Actúan: Matt Dillon, Bridget Fonda, Campbell Scott, Kyra Sedgwick

Recuerdo cuando estrenaron esta película en Buenos Aires: allá por febrero de 1993. En el cine estábamos mi hermana, un amigo mío y yo, además de dos parejitas y de tres señoras gordas que habían leído en el diario que se trataba de una "Comedia" y se metieron a verla. Nadie más: diez personas. Recuerdo mi felicidad cuando la película empezó a pasearme por la ciudad que en ese entonces soñaba conocer: Seattle. Recuerdo los guiños cómplices como Mother Love Bone pintado en la pared de un bar. Recuerdo mi éxtasis cuando aparecieron Alice In Chains y Soundgarden en vivo, tocando en barcitos de mala muerte. Recuerdo los protagónicos y cameos de los miembros de Pearl Jam, de Chris Cornell y de Tim Burton. Recuerdo la impresionante banda de sonido que además de ofrecer grandiosos e inéditos temas de lo más selecto del grunge con Pearl Jam, Alice In Chains, Mudhoney, Pearl Jam, Soundgarden, Chris Cornell, Mother Love Bone y Smashing Pumpkins, recordaba a otros ciudadanos ilustres de Seattle como Jimi Hendrix o Heart (haciendo una estupenda versión de "Battle of Evermore" de Led Zeppelin bajo el nombre "The lovemongers"), un gran tema ochentoso como "She sells sanctuary" de The Cult e incluso al gigantesco John Coltrane musicalizando una de las mejores escenas de la película. Recuerdo que en esa época yo era un niño amante del grunge, con su banda del género recorriendo los antros porteños y pasándola como pocas veces en la vida. Por todos los motivos enunciados, siempre tuve un cariño especial por esta película, más allá de sus méritos fílmicos. La tenía grabada en video, mela compré en dvd y la veo ocasionalmente, cuando ando medio melancólico y tengo ganas de sentirme bien. La película lo logra, seguramente más por los recuerdos que me trae que por otra cosa.

El filme en sí es una simpática comedia que trata con iguales dósis de inteligencia, humor naive y cierta lluviosa melancolía propia de Seattle, los vericuetos del amor para un grupo de seis amigos solteros (¿adivinen en qué película se inspiró mucho "Friends"?). Cliff Poncier (Matt Dillon) es un músico mediocre que quiere ser estrella de rock pero no le da y está de novio con Janet Livermore (Bridget Fonda) una chica cegada por el amor hacia Cliff, hasta que se da cuenta de determinadas cositas. Esta es, a mi juicio, la pareja más interesante y cómica de la película, aunque no sea la central. Que es la integrada por Steve Dunne (Campbell Scott) y Linda Powell (Kyra Sedgwick), dos que van y vienen en una relación tortuosa por culpa de los miedos e inseguridades de cada uno, es la pareja "seria" de la película. Y después están Debbie Hunt (Sheila Kelley), una delirante cazadora de hombres, y David Bailey un perdedor resignado e irónico que aporta las pastillas ácidas de la película. La estructura viñetada del filme lo hace realmente llevadero y entretenido. No llega jamás a ser brillante sino más bien simpático, con algunos momentos aquí y allá realmente hilarantes.

Resumiendo: (a) para el que le gusta el grunge es clave, (b) al que le gusten las películas de rock y hayan visto otras de Cameron Crowe (como "Almoust Famous") esta les va dar un buen momento y (c) si les divierte el humor de "Friends" seguramente se van a reír con "Singles". A los demás les recomiendo evitarla para no terminar como aquellas tres señoras gordas: aburridas y sin entender qué acababan de ver.

58- Una vez en la vida (1992)

La dirige: Louis Malle

Actúan: Jeremy Irons, Juliette Binoche

"Recuerda. La gente que fue lastimada es peligrosa. Saben que pueden sobrevivir".

Esta película puede ser altamente perturbadora, no sé si es apta para cualquiera. Hago esa advertencia desde el vamos porque toca temas bastante escabrosos. Y quizás no lo hace con la brutalidad visual de "Irreversible" pero no es necesario, el tema es lo suficientemente desgarrador psicológica y emocionalmente como para conseguir dejarte bastante baqueteado. Stephen Flemming (Jeremy Irons) es un diplomático inglés serio, reservado y en pleno control de una vida que parece ser ideal: tiene una mujer encantadora y dos hijos de los que está orgulloso. Justamente, uno de ellos, llamado Martin les presenta a su nueva novia, la bella Anna (Juliette Binoche). Todo el universo, todo aquello en lo que Stephen Flemming creía, el control que él imaginaba tener sobre su vida se derrumba como un casillo de naipes cuando se da cuenta de que no puede resistir la necesidad de meterse entre las sábanas con la enigmática Anna. Y lo peor es que ella está dispuesta a hacer realidad ese deseo. Así que el pobre Martin empieza a sentir un par de protuberancias en su cabeza, colocadas justamente por su padre y su novia. Esto ya es suficientemente jodido, como para quemarle la cabeza a Flemming (ya los espectadores), que no sabe de qué manera justificarse ante sí mismo por la tremenda guarrada que está haciendo. Pero la cosa va a empeorar... Primero cuando su hijo no tenga mejor idea que proponerle matrimonio a Anna... y Anna acepte. Y después, cuando se entere por qué Anna es dueña de una tristeza insondable, por qué Anna le dice la frase con la que encabecé este comentario: el hermano de Anna sintió por ella ese mismo deseo incontrolable que ahora ha hechizado a Flemming, y se mató ante el horror que ese deseo generó en él. ¿Bastante terrible? Bueno, a esa altura el corazón recién se está empezando a retorcer.

59- Bram Stoker’s Dracula (1992)

La dirige: Francis Ford Coppola

Actúan: Gary Oldman, Wynona Ryder, Anthony Hopkins, Tom Waits, Keanu Reeves

a) Soy fanático de todo lo que tenga que ver con vampiros.

b) He visto miles de películas de vampiros.

c) He leído el Drácula de Bram Stoker, por supuesto.

d) Amo a Francis Ford Coppola.

e) Amo a Gary Oldman.

f) Amo a Wynona Ryder.

g) Me compré el video y el dvd de la película.

h) Me tatué en el brazo el "logo" del filme.

Consecuencia: olvidense de una opinión objetiva.

Calculo que la mayoría de los que esten leyendo esto saben de qué se trata Drácula y conocen la historia, así que no voy a perder el tiempo contándoles eso. Sí les voy a decir por qué me parece tan buena esta versión.

a) La interpretación de Gary Oldman es soberbia, es para mí (¡y muchos vampirófilos me van a acusar de sacrílego!) la mejor interpretación desde Max Shreck (Nosferatu), incluso por encima de Bela Lugosi (¡Perdón Bela!) y Christopher Lee.

b) La dirección es notable, parece realmente que estuvieras leyendo el libro.

c) La recreación de climas y situaciones es lo más cercano a lo que yo me imaginé al leer el libro, por lejos.

d) El Van Helsing de Anthony Hopkins es de los más logrados de la historia del cine vampírico.

e) El film se ajusta enormemente al libro, pero a la vez no pierde carácter y al mismo tiempo tiene una vuelta de tuerca romántica -que Bram Stoker no le imprime a su obra- que la hace aún mejor.

f) La escena del principio, cuando Vlad Tepes vende su alma es de antología.

g) Las escenas en el castillo son el mejor homenaje a Murneau.

h) Inmejorable la elección de Tom Waits para hacer del alucinado Renfield.

i) Wynona es realmente una invitación a cruzar océanos de tiempo para encontrarla, particularmente con el vestidito rojo de la foto.

El único punto flojo es Keanu Reeves que, no le imprime demasiado carácter a su Johnattan Harker. Pero al lado de todo lo demás...

60- Lo que queda del día (1993)
La dirige: James Ivory

Actúan: Emma Thompson, Anthony Hopkins

Tan solo un año después de la soberbia "Howard's End", Ivory insistió con los mismo actores en una película de época. Un riesgo, por cierto. Pero el resultado es igualmente impecable. Esta vez, Ivory nos sitúa en la Inglaterra de la década del '30, apenas un año antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Emma Thompson es Miss Kenton, un ama de llaves que acaba de conseguir trabajo en la mansión de un lord inglés. Miss Kenton queda bajo el mando del mayordomo, Mr Stevens (Anthony Hopkins), una persona cuya vida está devotamente dedicada a su amo. Stevens construye una coraza que expele cualquier cosa, persona o sentimiento que pueda distraerlo de sus obligaciones. Miss Kenton hará lo imposible para traspasar esa coraza, aunque la muerte del padre de Stevens le revelará que el mayordomo se ha convertido en un ser totalmente deshumanizado. Sin embargo, la caída en desgracia del amo se convertirá en la vuelta de tuerca que espabile al rígido Stevens y lo lleve a preguntarse si todavía está a tiempo a recoger los restos del día...

61- En el nombre del padre (1993)

La dirige: Jim Sheridan

Actúan: Emma Thompson, Daniel Day Lewis, Pete Postletwaithe

Recuerdo que este filme me sirvió para terminar de comprobar lo truchos que son los Oscars. ¿Por qué? En aquella ocasión, "En el nombre del padre" compitió con "Philadelphia" por la estatuilla a mejor película y Daniel Day Lewis con Tom Hanks por mejor actor. Y ganaron "Philadelphia" y Hanks, cuando la película no tenía nada que hacer ante "En el nombre del padre"; y, mientras la actuación de Daniel Day Lewis fue totalmente consagratoria, insuperable, fantástica y todo adjetivo que se les ocurra, la de Hanks fue correcta. Pero claro, Tom Hanks TENÍA que ganar el Oscar, "Philadelphia" tocaba un tema políticamente correcto y Hanks era el niño mimado de Hollywood, al que había que premiar de una vez por todas. En fin...

La cuestión es que "En el nombre del padre" es un filme de excepción, con una actuación superlativa de Daniel Day Lewis -alguien que me tiene acostumbrado a actuaciones de alto calibre- en su rol como Gerry Conlon, un joven irlandés bastante vago que tiene la mala leche de andar de parranda con sus amigotes en el momento y el lugar equivocados: en Inglaterra, a metros del bar que una bomba del IRA hace volar en pedazos. Claro, él y sus amigos borrachines le vienen como anillo al dedo a Scotland Yard que necesita algún chivo expiatorio urgente. Y qué mejor que esos cinco pendejos ingenuos, borrachos y, sobre todo, irlandeses. La cosa se ponde cada vez más densa: primero los meten en cana haciéndoles firmar confesiones falsas, después de unas cuantas horas de tortura física y psicológica. Y encima los hacen implicar a otros inocentes, uno de ellos es Giuseppe, el padre de Gerry, fantásticamente interpretado por Pete Postlethwaite. Asistimos entonces a la transformación de aquel pendejo irresponsable que era Gerry, quien encuentra un sentido en su vida justamente cuando esta parece haber perdido todo sentido: probar su inocencia y la de su padre. Cuando éste muera en prisión, lavar el honor de Giuseppe será la razón de ser de Gerry. Y para eso contará con la ayuda de la abogada Gareth Peirce (Emma Thompson) dispuesta a probar la inocencia de su cliente a cualquier precio. Esta película está basada en un hecho real y fue dirigida por Jim Sheridan, el mismo de "Mi pie izquierdo". Es realmente estupenda y el único motivo para que no se llevara un Oscar es lo que mencioné al principio. Claro que, ahora lo sé, las mejores películas no suelen ser las premiadas por la Academia...

62- La lista de Schindler (1993)
La dirige: Steven Spielberg

Actúan: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes

Negro: como los uniformes de los SS, como el humo que brota de los hornos crematorios, como las barracas de los campos de concentración, como las fosas comunes, como el destino de millones de inocentes. Blanco: como el alma de esos inocentes, como la esperanza que nunca dejó de latir en sus corazones a pesar de estar sometidos a la peor de las atrocidades imaginables, como el amor de hombres como Oskar Schindler -no fue el único- que no dudaron en arriesgar sus vidas y acabar con sus fortunas con tal de salvar una vida, aunque fuese una sola.

Blanco y Negro, los colores de La Lista de Schindler, un filme soberbio, magistral, donde Spielberg le demostró a aquellos que aún lo dudaban que es uno de los mejores directores de la historia. La película no muestra todo el horror, sería imposible. Pero lo que uno ve es más que suficiente para conmover, para no querer que algo así vuelva a ocurrir, para valorar la vida... Las actuaciones son realmente notables, desde Liam Neeson a Ralph Fiennes, de Ben Kingsley al último de los actores de reparto. Todo en realidad es excepcional, pero carece de sentido analizar técnicamente a esta película. Lo importante es lo que contiene, su valor como testimonio de la ausencia de límites para la demencia del hombre, pero también del amor, del valor, de lo profundamente espiritual que puede ser el ser humano, criatura contradictoria si las hay.

63- Bleu (1993)

La dirige: Krzysztof Kieslowski
Actúa: La inigualable Juliette Binoche

El azul, para los franceses, es el color de la liberación. Para los sajones, por su parte, la palabra blue (azul) define la melancolía, la tristeza. "Bleu", la película, narra el camino que recorre Julie (Juliette Binoche) desde la más profunda tristeza hacia una liberación posible. Julie es acosada por los fantasmas de su pasado, que se niegan a dejarla a pesar de su empeño en rehacer su vida. Es que Julie perdió a su marido y a su hijo en un accidente automovilístico, y la dolorosa memoria de su vida destrozada parece atenazarla, sumergiéndola en un estado de anestesia emocional. Julie no se permite sentir nada, excepto dolor. Apartándose del mundo, de quienes la quieren y la conocen, Julie busca transformarse en un ser totalmente anónimo y solitario, y en ese acto, suicidarse emocionalmente, liberándose de los fantasmas de su pasado. Pero si es arduo enterrar a los muertos, mucho más lo es negar a los vivos. Y en la comprensión de ese hecho, Julie encontrará su liberación. Kieslowski nos mostrará las facetas del dolor a través de colores, de imágenes fijas, de sugerencias de la cámara, de la soberbia banda de sonido y, por sobre todas las cosas, de la expresividad inagotable de la bella Juliette Binoche. Cuando hablamos de la excelencia del cine francés nos remitimos a películas como esta.

64- Asesinos por naturaleza (1994)

La dirige: Oliver Stone

Actúan: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Robert Downey Jr, Tommy Lee Jones

Con sus múltiples aciertos y errores Oliver Stone se ubicó en un lugar ambiguo para la crítica cinematográfica: algunos lo consideran un fantoche, otros un director admirable. He de confesar que a mí me gustan sus películas, pero "Natural Born Killers" me parece el inobjetable mojón en el cuál Stone puede refugiarse si alguien lo critica como director, ya que se trata de una película brillante por donde se la (ad)mire. El filme describe el periplo asesino de una parejita de piscópatas unidos por el amor entre ellos y el amor a la violencia más desenfrenada. Muy pronto, los crímenes de Mallory y Mickey se convierten en el plato fuerte de los medios de comunicación, quienes se hacen un festín de rating gracias a los buenos y sangrientos servicios de esta dupla letal. He ahí, sintéticamente, el argumento.

Ahora vienen los elementos que hacen genial a este filme y que, a mi juicio, se resumen en dos: (1) la durísima crítica a la sociedad y los medios de comunicación norteamericanos y (2) la orgía visual que implica ver esta película. Anticipándose por diez años a "Bowling for Columbine", Oliver Stone desnuda el amor natural de los estadounidenses por la violencia y las armas y el escandaloso uso que de ella hacen los medios de comunicación. Un país que ha transformado en héroes a asesinos y criminales como Billy The Kid, Al Capone y Bonnie and Clyde, queda expuesto y desnudo ante sí mismo, gracias al espejo magistral diseñado por Stone (con la colaboración de Quentin Tarantino). Y desde lo visual la película es realmente increíble, combinando todos los recursos que da el cine -desde el blanco y negro al dibujo animado, desde el ralentado hasta la distorsión de imagenes y así en un interminable etcétera- para crear un collage cuasi psicodélico que te mantiene engrampado a tu asiento, completamente hipnotizado. Una película 100% recomendable, a la que se le añade una banda de sonido impecable.

65- Forrest Gump (1994)

La dirige: Robert Zemeckis

Actúan: Tom Hanks, Robin Wright Penn, Gary Sinise, Sally Field

Película que ha generado más de un acalorado debate sobre sus reales virtudes y, especialmente, sobre qué es lo que se pretendía decir con el personaje de Forrest Gump, un discapacitado mental que atraviesa los principales eventos de la historia de Estados Unidos de los últimos 50 años, siendo un involuntario -pero determinate- protagonista de todos ellos. Se la ha tildado de muchas cosas: de típica película yanqui sensiblona, de bajar el mensaje de que todo puede conseguirse sin esfuerzo, de absurda...

A mi juicio, Forrest Gump es una gran película, no solo en la manera en que ha sido confeccionada, sino en su sutil irreverencia e incorrección política. El filme utiliza una fábula, para criticar ácidamente el sueño americano. Es que, no es ésta la clásica película de nerds, donde éstos son reivindicados. Forrest Gump no es un nerd, tipos excesivamente inteligentes que, por ese motivo, no encajan en el marco clásico de las secundarias yanquis, hechos de deportistas exitosos y rubias bonitas y huecas. Forrest Gump es retrasado mental y todo le sale de casualidad, siempre a partir de sus buenas intenciones, pero azarosamente. La película parte de la vieja premisa de que "Solo los locos y los chicos dicen la verdad". Y Forrest ve todo con ojos de chico. Lo que se combina con el concepto que alguna vez Dostoievski planteara en "El idiota": ¿hasta dónde puede llegar un ser enteramente bueno en un mundo como el actual?

Por otra parte, la película hace un paneo por buena parte de la historia yanqui de los últimos 50 años, y eso es interesante. Porque se mofa del militarismo norteamericano (en la imagen del teniente Dan y su tradición familiar) y se mofa de la estupidez y el vacío del yanqui promedio (en la imagen de los tipos corriendo detrás de Forrest Gump como si fuera algún líder espiritual), solo por mencionar dos temas que me vienen a la cabeza y que recuerdo. Todo engaña y nada es tan obvio como parece. Por ejemplo, cuando el novio le pega a Jenny con la foto del Che detrás, parece un mensaje subliminal anticomunista. Pero al mismo tiempo sacamos otro significado, porque los que están ahí son Panteras Negras, que creían en el uso de la fuerza para acabar con el racismo blanco. Y lo que quizás se está sugiriendo -en la imagen del novio de Jenny- es de qué manera los extremos se tocan y cómo el fanatismo lleva siempre al mismo lugar: la violencia. No en vano, el tipo es comunista, pero viste un uniforme alemán de la 2ª Guerra.

Las escenas en teoría absurdas, están lejos de serlo. En el caso de la carrera a través de Estados Unidos, se trata de una crítica al vacío de los norteamericanos, desde varios ángulos (el escapar de los problemas corriendo hacia adelante, o el de seguir y asignarle supravalores a alguien solo porque hace algo extraño). O cuando le pide permiso a Kennedy para ir al baño porque se está meando encima, es una irreverencia hacia uno de los íconos estadounidenses por excelencia. De hecho, la historia ni siquiera es el caso del patito feo que surge a pesar de las adversidades, típico de la mentalidad norteamericana, ya que ese concepto yanqui lleva implícito el esfuerzo personal... algo que Forrest Gump nunca hace, ya que todo le sale siempre de casualidad.

Pero, por otra parte, si Forrest Gump no estuviera enviando mensaje alguno. Si Forrest Gump simplemente fuera una historia mínima, con una impronta fantástica, contada de manera risueña y utilizando el marco de la historia yanqui de los últimos 50 años. ¿Cuál es el problema? ¿Toda película tiene que ser seria y profunda para ser buena? ¿Deben ser abolidos los géneros fantásticos, las comedias rosas, el humor absurdo, la inocencia? ¿Todo tiene que tener una razón de ser y estar justificado ideológica y filosóficamente? Son preguntas que me hago porque me parece que si la respuesta es sí, quedarán invalidados muchos artistas y películas que me hicieron feliz.

66- Dead man walking (1995)
La dirige: Tim Robbins
Actúan: Sean Penn, Susan Sarandon

Me niego a poner la pedorrísima y convencional traducción al castellano de esta película que, justamente, ya empieza bien desde el título original y todo lo que ese título implica. "Dead man walking" cuenta la historia de la hermana Prejean quien recibe una carta de Mathew Poncelet, condenado a muerte por violar y asesinar a dos adolescentes. Prejean acepta convertirse en la consejera espiritual de Poncelet y acompañarlo en sus últimas horas. En el camino, va a hacer lo imposible por retrasar o impedir que se cumpla sentencia de Mathew. Lo que ninguno de los dos imagina es el viaje que les espera a ambos.

La película toca un tema que siempre está en peligro de caer en la obviedad. Afortunadamente no lo hace ni un poquito. Si bien está claro que rechaza la pena de muerte, también lo es que le exige al condenado el reconocimiento ý el arrepentimiento de sus crímenes. Cuando el espectador ve lo que Poncelet hizo, cuando aprecia el dolor de los familiares, cuando es testigo de la falta de arrepentimiento del asesino, se indigna. Y la tentación de decir "se lo merece", es enorme. Pero ahí está la hermana Prejean para mostrarnos otro camino. No nos pide que nos simpatice Poncelet, no nos dice que tiene más derechos que sus víctimas. Le pide a él arrepentimiento, y a nosotros perdón. Pide redención.

La película es magnífica no solo por su enfoque y su guión, sino por las actuaciones de Susan Sarandon y de Sean Penn, probablemente de las más excelsas que he visto en mi vida.

67- Los sospechosos de siempre (1995)

La dirige: Bryan Singer

Actúan: Kevin Spacey, Gabiel Byrne, Benicio del Toro, Chaz Plaminteri

"El mejor truco del Diablo es haberle hecho creer al mundo que no existe".

Uno de los más intrincados y mejor resueltos policiales de los que tenga memoria. El magistral guión de Christopher McQuarrie -que le valió un Oscar- nos introduce en el relato que el soplón Roger "Verbal" Kint le hace a la policía, de un "trabajo" que él y sus compañeros pretendieron realizar para el misterioso jefe mafioso Keyser Söze. Claro, el encargo salió muy pero muy mal, terminando con un barco incendiado y una masacre en el puerto de San Pedro. Y el detective Kujan escuchará atentamente la historia de "verbal", siempre tan propenso a hacerle honor a su apodo, explicándole como ocurrieron las cosas. Claro, el relato se volverá cada vez más complejo, hasta que -en la mejor tradición noir- los protagonistas estén envueltos en una verdadera telaraña, tan fuera de su control que ni siquiera ellos consiguen darse cuenta.

68- Pecados capitales (1995)

La dirige: David Fincher
Actúan: Morgan Freeman, Brad Pitt, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey

En una magistral combinación de film noir y thriller psicológico, "Seven" cuenta la carrera contra el tiempo de dos detectives de policía, quienes intenta detener a un asesino serial muy particular. El loquito en cuestión quiere dar un ejemplo a este mundo sucio y pecaminoso, y para eso nada mejor que matar de siete maneras distintas, una por cada uno de los pecados capitales. Así, por ejemplo, buscará a un muchacho pasado de peso y le hará pagar su gula, haciéndolo comer hasta reventar... literalmente. O liquidar a un perezoso, manteniéndolo atado a su cama durante un año. Estas son las dos más suaves, el resto para qué les cuento.

¿Qué es lo que hace distinta "Seven" de tantas películas del género? Me parece que es su oscuridad, su perturbadora oscuridad, omnipresente a lo largo de cada segundo dela cinta. Si incluso la ciudad en la que ocurren los hechos está hecha de callejones oscuros, habitaciones claustrofóbicas y lluvia constante. Pero es más inquietante aún la oscuridad que invade a los protagonistas, lenta e inexorablemente, como si todo estuviera seteado para llegar a un espantoso final, del que nadie puede escapar. ¿No es eso de lo que se trata la vida acaso?

69- Stalingrado (1996)

La dirige: Joseph Vilsmaier
Actúan: Desconocidos actores germanos

Hay una batalla que sintetiza la carnicería y el sinsentido del frente ruso en particular y de la guerra en general: Stalingrado. Se han hecho varias películas sobre la batalla que decidió el principio del fin para los alemanes en la Segunda Guerra Mundial, pero esta es la única desde el enfoque alemán. Y una vez más eso la hace tremendamente interesante porque, como se sabe, hubieron un montón de nazis hijos de puta, pero también hubieron millares de tipos comunes dentro del ejército alemán, a los que mandaron a pelear por algo en lo que no creían. Esta película muestra a todos ellos. El comienzo, con los futuros integrantes del Sexto Ejército disfrutando un último estertor de sol y placer en Italia antes de partir hacia el frente ruso, sirve para interiorizarnos del espíritu con el que la mayoría de la gente suele ir a la guerra: insuflados de un valor artifical fundado en buenas dosis de propaganda nacionalista y patriotera. Algo que no hará sino potenciarse con las victorias iniciales del Sexto Ejército en Stalingrado. Pero, pronto sobrevendrá la debacle, que llevará a los alemanes a la peor derrota de su historia. Pronto llegará el invierno y la maniobra envolvente del Ejército Rojo que obligará a los restos del Sexto Ejército a sobrevivir como puedan en las condiciones más inhumanas, entre las ruinas humeantes y heladas de la ciudad. Y en ese momento se acaban el valor, los ideales, el Führer y todo se reduce a tratar de mantenerse con vida un día más, a tratar de no pensar porque hacerlo es enloquecer. La película es larga porque se trató de una miniserie para la televisión alemana, en conmemoración del cincuentenario de la batalla, y es en alemán, así que al que no le guste el cine europeo quizás lo aburra. Tampoco hay actores "conocidos" y los personajes son tipos comunes, por eso a alguno quizás le cueste engancharse con ellos. Pero todo ello es lo que la hace tremendamente real, a lo que si le sumamos la excelente producción, montaje, fotografía, etcétera, la convierten en una memorable película bélica.

70- Trainspotting (1996)

La dirige: Danny Boyle

Actúan: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewan Bremmer

Si esperás ver algo agradable, si querés ver florecitas y lindos campos llenos de verde con una familia en el medio haciendo un picnic, bueno, no sé para que elegiste esta película. Porque Trainspotting es una película sobre drogas y el mundo de las drogas es así: crudo, en apariencia entretenido y finalmente mortal. Trainspotting simplemente lo muestra tal cual es (en realidad lo suaviza) y por eso es excelente. La gente que argumentó que la película hace apología a la droga solo me lleva a hacerme un par de preguntas: ¿Cuando ven una película, realmente VEN la película? ¿Son capaces de entender un argumento, un guión, una metáfora? Porque Trainspotting no puede ser más directa y más clara, ni funcionar de manera más cercana a la realidad: vos tenés un tipo que se da con todo lo que encuentra a su paso y te cuenta qué buenas están las drogas (las cuales en su etapa inicial, obviamente, tienen que ser forzosamente agradables, si no nadie las tomaría), pero vos, mientras tanto, ves la realidad: las drogas le arruinan la vida a ese mismo tipo. Más claro imposible. La dirección es increíble, las actuaciones inmejorables y totalmente creíbles (Ewan Mc Gregor, sin palabras) y la banda de sonido es insuperable. Un clásico.

71- Los niños del cielo (1997)

La dirige: Majid Majidi
Actúan: Desconocidos actores iraníes

Alí ha perdido los zapatillas que su hermana Zahra necesita para asistir al colegio al día siguiente y su padre no debe enterarse. A partir de este planteo sencillo, el director y ex actor iraní Majid Majidi, elabora el argumento central de su película "Niños del Cielo". Y claro, en la sencillez de la propuesta está el gran mérito artístico de Majidi, quien no necesita de demasiados vericuetos argumentales para llevarnos de las narices a ese mundo incomparable que es la niñez. El precioso universo de inocencia y ternura de la niñez, donde algo tan simple como la pérdida de un par de zapatos se transforma en un doble drama para Alí: por un lado porque lo fuerza a mentirle a sus padres, a quienes adora, y por el otro porque defrauda a su hermana menor, quien lo idolatra. Por eso, Majidi nos compenetrará con los esfuerzos de Alí por recobrar las benditas zapatillas, nos hará cómplices de sus planes llenos de tierno ingenio para ganar tiempo hasta que pueda encontrarlas y nos hará apoyar su decisión final, su "sacrificio" para conseguir lo que necesita Zahra y de esa manera poder volver todo a la normalidad. Todo muy simple, como verán, pero decididamente encantador, a partir de la manera magistral con la que Majidi nos ubica en la perspectiva infantil de las cosas, donde las dimensiones son tan distintas y donde todo se rige por "leyes" tanto más puras y, quizás por eso, más reales.

72- Karakter (1997)

La dirige: Mike van Diem

Actúan: Más actores desconocidos, esta vez holandeses

Dreverhaven, un feroz y desalmado prestamista de la ciudad de Rotterdam ha sido brutalmente asesinado. El único sospechoso del hecho es un joven abogado: Jakob Willem Katadreuffe. De su desesperada confesión surgen dos certezas: qué él es el asesino y que se trata de un hijo ilegítimo de la víctima. Lo importante entonces es el porqué. Y, a medida que Katadreuffe continúa con su relato comienzan a desentrañarse las motivaciones, los intrincados caminos psicológicos que lo llevaron a cometer el parricidio. Allí, por supuesto, está la razón de ser de esta película: una excepcional telaraña psicológica en la que está atrapado Katadreuffe, quien padece un destino aparentemente imposible de cambiar merced a la ominosa figura de un padre dominante - inspiración del Dostoievski de "Los hermanos Karamazov" mediante-, y que se debate por escapar de un laberinto opresivo y asfixiante que recuerda a "El Proceso" de Kafka. La fuerza de las imagenes, el intrincado drama psicológico de la trama y la fascinante personalidad de los personajes van a hacer que esta película te quede grabada en la memoria indeleblemente, tal es su potencia. Y las actuaciones son excepcionales, particularmente la de Jan Decleir quien hace de Dreverhaven y al que le bastan pocas palabras para decir infinitas cosas: su mirada, sus gestos son de una expresividad tan definitiva que te va a ser muy difícil no querer verlo actuar en otra película. "Karakter" trata, en esencia, sobre el dolor de crecer. Pero lo hace exquisitamente y por eso, aunque fue la única película que filmó el director Mike van Diem, le alcanzó para dejar claro que a veces basta un solo intento para hacer una obra maestra.

73- La visitante de invierno (1997)

La dirige: Alan Rickman

Actúan: Emma Thompson, Phyllida Law

"La visitante de invierno" es la madre de Frances (Emma Thompson), encarnada por Phyllida Law, que es la madre de Emma en la vida real. Frances y su madre nunca han tenido una relación muy fluida que digamos, se podría afirmar que la madre de Frances es un tanto invasiva y que Frances es algo terca. Pero como Frances ha enviudado y parece incapaz de escapar a la memoria de su marido muerto, su madre entiende que necesita apoyo y contención. Le guste o no le guste a Frances, quien vive en un pueblo perdido en la costa de Escocia. El centro de la película es esta relación, pero de ella se desprenden numerosas y deliciosas viñetas, pantallazos de otras vidas: el hijo de Frances, que desespera por una rea y bonita chica callejera; dos señoras cuya actividad favorita es asistir a funerales de desconocidos; y dos infantes que se ratean del colegio y dan vueltas en busca de emociones que hagan valer las horas.

Bien, hasta ahí el argumento. Ahora vamos a aquello que lo enriquece. En primer lugar está la fotografía que es deslumbrante, más aún en el cine. Una aldeita costera de Escocia en pleno invierno, con el mar congelado hasta donde alcanza la vista brinda un sinnúmero de posibilidades expresivas que el director aprovecha a la perfección, llenándolos el alma de sentimientos nostálgicos y evocativos. El frío es una constante simbólica: el frío que recorre la vida de Frances por la muerte de su marido, el frío que existe en la relación con su madre, el frío de las fotos en blanco y negro que Frances saca y que el director utiliza como leit motiv e hilo conductor de la película, el frío que implica para los dos chicos volver a la monotonía del colegio y a sus poco felices vidas familiares, el frío del terror a la muerte de esas dos señoras que necesitan asistir a muertes sin rostro para sentirse vivas... Lo visual, está dicho es impactante y hace de por sí disfrutable esta película. Esos tonos preponderantemente grises, negros y blancos, donde el color está dado ocasionalmente por objetos y prendas, con un objetivo definido: decir cosas. Las actuaciones son otro punto para aplaudir de pie, desde las conocidas Emma Thompson y Phyllida Law, hasta los dos ignotos chicos, cualquiera de los personajes está soberbiamente interpretado. "La visitante de invierno" es una historia de descubrimientos, de revelaciones, de pasajes del frío al calor (metafóricamente hablando, se entiende), de muertes y nacimientos, de horizontes por descubrir, como el de ese mar helado que parece no tener fin...

74- Velvet Goldmine (1998)

La dirige: Todd Haynes

Actúan: Ewan McGregor, Johnatan Rhys Myers, Christian Bale, Toni Collette

"El mundo ha cambiado por que estás hecho de marfil y oro. Las curvas de tus labios reescriben la historia"

Velvet Goldmine es una historia de amor gay, entre un alias de David Bowie llamado Brian Slade (Johnatan Ryhs Myers) y un combo de Iggy Pop-Kurt Cobain-Lou Reed llamado Curt Wild (Ewan Mc Gregor).

"El hombre es mucho menos sí mismo cuando habla por sí mismo. Denle una máscara y les dirá la verdad"

Velvet Goldmine es sobre el glam y, como tal, la imagen prevalece siempre sobre el contenido. De hecho, la imagen ES el contenido. Visualmente, entonces, es deslumbrante. Te hipnotiza. Podría perfectamente no tener guión, ya que funciona como un gran clip (claro, ayuda y mucho la banda de sonido que es EXCELENTE) donde el lenguaje visual lo es todo, exigiendo tu atención absoluta. Pero, detrás de esa máscara de brillantina subyace un guión soberbio (no podría ser de otra manera siendo que está repleto de frases de Oscar Wilde) y una estructura narrativa "alla" Citizen Kane, de Orson Wells, que la hace atrapante.

"Motivo por el cual preferimos las impresiones a las ideas..." "...las excepciones a los tipos..." "... las situaciones a los temas..." "...vuelos cortos a sostenidos. ¿Y tú?" "Bueno, yo... por ahora solo estoy buscando una habitación"

Velvet Goldmine es sobre la inmediatez, sobre las bondades del aquí y ahora...

"Salimos a cambiar el mundo y terminamos... simplemente cambiando nosotros mismos" "¿Y qué tiene eso de malo? "Nada, si no le echás una mirada al mundo"

Velvet Goldmine trata sobre las ilusiones perdidas del rock y también sobre cómo el creer en esas ilusiones en algún momento te cambió la vida, te abrió las puertas a un universo de sensaciones e ideas. Es sobre el descubrimiento a través del rock.

"Nada envanece más a una persona que le digan que es un pecador"

Velvet Goldmine es sobre los límites y la libertad que te podés dar de traspasarlos. O no...

"Había momentos en los que a Dorian Gray le parecía que toda la historia no era más que un registro de su propia vida, no como la había vivido en acto y circunstancia, pero como su imaginación la había creado para él, como había sido en sus cerebro y en sus pasiones. Sentía que las había conocido a todas, esas extrañas, terribles figuras que habían pasado por el escenario del mundo y habían convertido al pecado en algo tan hermoso y maligno, tan lleno de sutileza. Le parecía que de alguna manera misteriosa sus vidas habían sido la suya propia"

Pero, por sobre todas las cosas, Velvet Goldmine es sobre la búsqueda y el descubrimiento de sí mismo. De cómo algunos héroes (musicales y literarios en este caso) ayudan a lograr eso. De cómo uno, atrapado por el fragor de la vida cotidiana, por las exigencias de ser adulto, puede llegar a olvidar lo que uno es. Y cómo aquellos héroes, ahora enmohecidos y cubiertos de polvo, pueden resucitar -a través de su música, de sus palabras- a ese ser dormido, ya no como revelación pero sí como un faro que nos recuerda aquellos momentos de nuestra vida (¿los mejores, quizás?) en los que, más que nunca, fuimos nosotros mismos.

75- La celebración (1998)

La dirige: Thomas Vinterberg

Actúa: Gente que habla en danés

"La Celebración" fue la primer película que ví filmada bajos lo preceptos del "Dogma 95". Para quien no sepa en que consiste esto explico: la idea es filmar con cámara en mano, sonido directo, escenarios y/o iluminación naturales y sin efectos especiales. Una suerte de punk del cine no apto para quienes gustan de la cinematografía tradicional.

La trama es sencilla: una familia danesa se reune en la casa del padre, para celebrar el cumpleaños número 60 del abuelo. La familia está integrada por el abuelo, su mujer y sus tres hijos: Christian, Helene y Michael, quien está casado y tiene tres hijos; además hay primos, tíos, nietos, etcétera. Solo falta una persona: la hermana melliza de Christian, quien se suicidó golpeando duramente a la familia. Sin embargo, todos están ahí para celebrar y todo parece ir de perillas hasta que Christian toma una cucharita y golpea su copa, pidiendo la palabra. Parece que va a dar un simpático discurso cumpleañero, sin embargo se despacha con una bomba molotov: ante todos explica los motivos que llevaron al suicidio de su hermana. Allí comienza el terrible drama, al que Thomas Vinterberg rocía con fuertes dósis de humor negro, convirtiendo a "La Celebración" en una extraña combinación de Bergman y Luis Buñuel que la vuelve todavía más atractiva.